napsal Milner Fuller. Publikováno v Blog
kdo je tvůj oblíbený jazzový pianista?
kdo je váš oblíbený klasický skladatel?
to jsou otázky, které jsou nejčastěji kladeny mezi milovníky hudby. Méně často budou otázky obráceny. Proč? Jazz je žánr zaměřený na umělce, zatímco klasika zdůrazňuje skladatele.
pro jazzového pianistu je skládání a vystupování jedno ve stejném. Skladatel / hudebník Gunther Schuller kdysi napsal, že „improvizace je srdcem a duší jazzu“, a David Baker by tvrdil, že improvizace by měla být základním kamenem jazzové výchovy. Improvizační kořeny jazzu lze nalézt v tom, kolik kusů je notováno: spíše než mít zapsanou každou notu, jazzoví umělci často používají olověné listy, které nabízejí melodii a široký obrys harmonie. Je na umělci, aby vyplnil mezery. Známý standard může na stránce vypadat takto:
olověné listy dávají jazzovým hudebníkům velkou svobodu. Dostanete melodii a nějaké akordy a zbytek je na hudebníkovi. Následující jsou dvě interpretace tohoto Cole Porter classic:
2015 American Pianists Awards vítěz Sullivan Fortner
Cyrilometodějská
kontrastuje s velmi podrobným psaním například písně Antona Weberna z jeho op. 12 („Schien mir‘ s, als ich sah die Sonne“).
Všimněte si ve Webernově písni, každá poznámka má nějaké další označení. Skladatel převzal kontrolu nad každým hřištěm, rytmem, dynamikou, tempem, artikulací a frázováním. Neponechává téměř nic náhodě (snad kromě schopnosti hudebníka realizovat každý detail najednou). Webernův příklad je extrémní, ale obecně řečeno, klasická notace je mnohem podrobnější než jazz.
úlohou jazzového umělce bylo vždy realizovat kus hudby co nejvíce kreativně a individuálně. Zatímco umělci čerpají z tradic, které se předávaly generacemi jazzových hudebníků, žádní dva jazzoví umělci (pokud jsou dobří) nepředvedou kus stejným způsobem. Ve skutečnosti, vzhledem k improvizačnímu aspektu jazzového výkonu, zřídka budou dvě představení stejného díla stejného umělce znít přesně stejně.
přítel a častý člen poroty (jazzové i klasické) American Pianists Association John Salmon píše: „tradice zaměření se spíše na jazzového umělce než na vykonávanou práci je jádrem a počátkem celé jazzové tradice. Jazzoví pianisté se vždy snažili navzájem překonat, jako ve slavných Harlem rent Party, kdy pianisté v podstatě soutěžili proti sobě a nejvíce extravagantní a virtuózní pianista získal čest noci. Virtuozita byla vždy jádrem jazzových umělců. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker a John Coltrane měli mocné kotlety. Skutečný, existovaly odlehlé výjimky, včetně toužebného a rozhodně virtuózního saxofonisty Paula Desmonda a tlumeného, lyrická Billie Holiday. Ale, i v těchto případech, důraz byl nevyhnutelně kladen na to, jak interpretovali jazzové standardy téměř více než samotný jazzový standard.“
v klasickém provedení je mnoho myšlenkových směrů a estetika se v průběhu času značně mění. Hudba předchozích epoch se stala populárnější v 19. století, kdy byl založen kánon literatury, a umělci v té době neměli problém s tím, že se na klasiku točí, často ignorují označení a dokonce mění poznámky. Gustav Mahler dokonce upravil díla, včetně Beethovenových symfonií, „opravoval“ oblasti, které trpěly omezeními orchestru z počátku 19.století. Mahler by tvrdil, že tyto „opravy“ byly v souladu s duchem skladatele—prostě chtěl vyvést vrstvy ve skóre.
na počátku 20. století se hnutí come scritto (jak je psáno) popularizované dirigentem Arturo Toscanini stalo populární estetikou. Sviatoslav Richter by tuto techniku aplikoval na klavír. O svém přístupu k vystupování napsal: „Tlumočník je opravdu exekutant, provádějící skladatelovy záměry k dopisu. Nepřidává nic, co ještě není v práci. Pokud je talentovaný, umožňuje nám zahlédnout pravdu o práci, která je sama o sobě geniální věcí a která se v něm odráží. Neměl by dominovat hudbě, ale měl by se do ní rozpustit.“
zde je příklad Richtera hrajícího Bacha:
zatímco Toscanini a Richter ztělesňovali textovou interpretaci (mohli bychom je nazvat Skaliemi hudby), jiní hudebníci 20. století se přikláněli k individuálnějšímu způsobu hry, ne na rozdíl od hudebníků 19. století. Dirigent Wilhelm Furtwängler ztělesnil tento styl jako dirigent a můžete slyšet jeho vliv na klavíristu / dirigenta Daniela Barenboima, který věří, že tempo, zdaleka není předepsáno metronomovým označením, by mělo být ovlivněno především harmonií. Tato tradice může najít kořeny v Beethovenovi, který řekl o svých vlastních metronomových značkách, že aplikovali pouze “ na první opatření, protože pocit má své vlastní tempo.“
zde Barenboim hraje Beethovena:
později ve 20. století, historicky informované hnutí performance by se spoléhalo na výzkum dobových textů a pojednání, aby se pokusilo znovu vytvořit hudební díla tak, jak zněly v době kompozice. Někteří umělci se specializují na provádění hudby specifických epoch tím, že uplatňují naše znalosti o tom, jak se věci prováděly před více než 200 lety. Vzhledem k tomu, že většina nástrojů se v průběhu 19. století významně vyvinula, někteří výrobci nástrojů začali stavět nástroje ve stylu předchozích období, aby mohli hrát hudbu z té doby.
zde je příklad Melvyn Tan (fortepiano) a Roger Norrington (dirigent) hrající Beethovenovy koncerty na dobové nástroje:
bez ohledu na styl by většina klasických hudebníků souhlasila s tím, že se snaží pouze vyjádřit skladatelovy záměry, nikoli své vlastní. Klasičtí pianisté se považují spíše za kurátory než za spolutvůrce. Hudebník se stává nádobou, kterou skladatel mluví.
jak si lze představit, úkol hodnocení jazzových klavíristů je zcela odlišný od úkolu klasického klavíristy. Porotci vám řeknou, co mají společného, ačkoli, je to, že musí mít výjimečnou techniku, a musí být schopni se připojit k publiku. Finalisté a vítězové American Pianists Awards tyto vlastnosti důsledně prokazují, a na našem kanálu YouTube je mnoho vystoupení. Podívejte se a přihlaste se ještě dnes!
článek uměleckého administrátora APA Milnera Fullera se zvláštním poděkováním Johnu Salmonovi.
