Kenneth Angers Scorpio Rising (diese Woche im Walker) ist eine schnelle und dichte eisensteinsche Montage aus ledergekleideten Bikern und Strichern, Verkehrsunfällen, Hollywoodstars, Comics, christlichen Ikonen, Nazi-Bildern und einer simulierten Orgie und gilt als eines der meistgesehenen und einflussreichsten Meisterwerke des amerikanischen Kinos. Anger beendete den Film Ende 1963, nur wenige Wochen vor der Ermordung Kennedys. Später fasste er Scorpio Rising als „einen Todesspiegel für die amerikanische Kultur“ zusammen, und als sich die Gesellschaft in den folgenden Jahren zu entwirren schien, strömte das Publikum, um in Angers morbiden Spiegel zu schauen.
In den 1960er Jahren war Anger einer von einer Reihe von Avantgarde-Filmemachern, die nationale Aufmerksamkeit als Teil der Mainstream-Faszination für „den Untergrund“ und alles, was gegenkulturell ist, erhielten. Scorpio Rising erregte besondere Aufmerksamkeit, nachdem ein Theatermanager in Los Angeles 1964 der Obszönität für schuldig befunden wurde, weil er Angers Film gezeigt hatte, der kurze Nacktheit und unverfrorene Homoerotik beinhaltete. Das Urteil wurde später aufgehoben, und 1966 berichtete Variety, dass die Vorführungen des Films im Bleecker Street Cinema in Greenwich Village (auf einer Doppelrechnung mit Jonas Mekas ‚The Brig) „mehr Geld sammelten, als die Eigentümer jemals gesehen hatten“, was zu einer späteren nationalen Veröffentlichung ermutigte. Im selben Jahr, Scorpio Rising wurde zum ersten Mal im Walker abgewickelt, als Teil der frühesten Serie des Museums, die sich dem amerikanischen Experimentalfilm widmete; atypisch für die damaligen Filmvorführungen des Walkers, Die Show wurde als „nicht für Kinder geeignet“ in Rechnung gestellt. Anderswo im ganzen Land bewarben schlaue Theaterbesitzer Angers Arbeit als Biker-Exploitation-Film und / oder „rein männliche“ Pornografie, und es wird gemunkelt, dass Schwarz-Weiß-16-mm-Bootlegs von Scorpio Rising in Westküsten-Schwulenbars der Zeit verbreitet wurden. Die hippe Bekanntheit des Films war so groß, dass ein Profil der New York Times von 1967 mit dem Titel „From Underground: Kenneth Anger Rising“ sogar den Modetrend für Lederjacken und Bikerausrüstung dem Erfolg von Scorpio Rising zuschrieb. Das Debüt des Films „zog eine Menge, die in-the-groove Psychoanalytiker enthalten, Künstler und Kunstkritiker, und eine Darstellung dessen, was die entzündeten Vorstellungen von Nachrichtenmagazin Redakteure sehen als“die homosexuelle Mafia“ von Friseuren, Kleid Designer und Dekorateure,“Die Times erklärte. „Fast über Nacht wurden in den Schaufenstern eleganter Boutiquen in der Innenstadt böse Motorradketten über Plüschsofas aus Samt geworfen, und Modelle in Couture-Kleidern standen zwischen den Lenkern von Motorrädern … Leder und Schutzbrillen wurden für beide Geschlechter zur Standardausrüstung für die Galerien auf der Upper East Side sowie für die Bars im Lower West.“
Einer der groovigen Kunstkritiker, die die Times beim Debüt von Scorpio Rising entdeckte, könnte Gregory Battcock gewesen sein, der den Film 1967 in einem Aufsatz über „Neue Experimente im Kino“ diskutierte und ihn „vielleicht den berühmtesten“ experimentellen Titel seiner Zeit und einen „treffenden Beitrag zum Verständnis von Film und Pop“ nannte.“ In der Tat wären Scorpio Risings Bilder von James Dean und Lil ‚Abner Funnies in den Pop-Gemälden der Zeit nicht fehl am Platz, aber die prominentesten Artefakte der kommerziellen Kultur, die im Film verwendet werden, sind die Needle-Drop-Aufnahmen von Rock’n’Roll 45s, die als Soundtrack von Scorpio Rising verwendet werden. In dem Film verwendet Anger dreizehn Songs — eine angemessen okkulte Nummer für einen bekennenden Anhänger von Aleister Crowley -, die über seine 26 Minuten Rücken an Rücken gelegt wurden. Keiner der Songs wäre für das damalige amerikanische Publikum dunkel gewesen: alle platzierten sich hoch in den Billboard-Charts, mit 10 Titel rangieren als Top fünf Einzel. „Es war Popmusik, die im Sommer 1963 spielte, als ich filmte“, erklärte Anger 2004 dem Gelehrten Scott MacDonald. Das Lineup umfasst drei Mädchengruppen (The Angels, Martha and the Vandellas und The Crystals) und drei Teenie-Idole (Ricky Nelson, Bobby Vinton, Elvis Presley), acht Songs von weißen Künstlern und fünf von afroamerikanischen Künstlern. Der Mix fängt jetzt den Geist des Rock’n’Roll am Ende seines ersten Jahrzehnts ein, als Phil Spectors „Wall of Sound“ -Ästhetik das Radio dominierte, kurz bevor die britische Invasion eintraf, um die musikalische Landschaft neu zu ordnen.
Während Rock’n’Roll bereits in Blackboard Jungle (1955) in den Filmen verwendet wurde, in denen Bill Haley und die Comets „Rock Around the Clock“ im Vorspann vorstellten, um einen Hauch jugendlicher Kriminalität zu erzeugen, war Scorpio Rising der erste Film, der Popmusik eher für fortgeschrittene künstlerische Effekte als für bloße Jugendattraktivität verwendete und seine emotionalen Kräfte durch rätselhafte kontrapunktische Bearbeitung nutzte. Wie Carel Rowe bemerkt, dienen die Songs „nicht nur als Organisationsmittel, sondern auch als ironische Erzählung.“ Der lange Einfluss von Scorpio Rising ist im Rock-Soundtrack von Easy Rider (1969) zu sehen und zu hören, der pointierte Einsatz von Popmusik in den Filmen von Martin Scorsese (der Scorpio Rising im College als prägendes Ereignis anführt) und das quasi-narrative Design des Musikvideos. Anger selbst beschäftigte sich weiterhin mit Popmusik und ihren Interpreten: Das eindringliche „Dream Lover“ der Paris Sisters spielt über Kustom Kar Kommandos (1965); Mick Jaggers Moog Noodlings liefern das Hintergrundgeräusch zu Invocation of My Demon Brother (1969); und Anger beauftragte Jimmy Page, einen Soundtrack für Lucifer Rising (1980) zu erstellen, der anschließend durch eine gitarrengetriebene Prog-Rock-Komposition des inhaftierten Manson-Familienmitglieds Bobby Beausoleil ersetzt wurde.
Angers Technik der Paarung von Ton und Bild wurde sowohl auf Eisensteins Theorie der „chromophonen“ Bearbeitung als auch auf Crowleys Theorie der okkulten „Korrespondenzen“ zwischen unterschiedlichen Elementen zurückgeführt (letztere wird am gründlichsten in Rowes Schriften über Wut untersucht). Für Anger sind Magie und Kino die gleiche Kunst — „Einen Film zu machen ist wie einen Zauber zu wirken“, sagte er 1967 der Times — und Musik spielt eine besondere Rolle. „Es kann auf jeden Fall eingeräumt werden, dass die langen Saiten beeindruckender Worte, die durch so viele Beschwörungen brüllen und stöhnen, eine echte Wirkung darauf haben, das Bewusstsein des Magiers auf die richtige Tonhöhe zu heben“, schrieb Crowley in Magick in Theory and Practice (1929), „dass sie dies tun sollten, ist nicht außergewöhnlicher als Musik jeglicher Art.“ Wut schließt dieses Zitat in seine Notizen für Scorpio Rising ein, die 1966 veröffentlicht wurden. Wir könnten auch einen technologischen Einfluss in Betracht ziehen. Wie der Filmhistoriker Juan A. Suárez bemerkt hat, zitiert Anger eine Inspiration für den Soundtrack von Scorpio Rising als einen Besuch auf Coney Island im Jahr 1962, wo er zum ersten Mal Teenager traf, die Popmusik am Strand von kleinen Transistorradios spielten. Tragbare Musik fügte der Welt einen Soundtrack hinzu und machte den Alltag so viel mehr wie die Filme. Gleichzeitig ermöglichte der Aufstieg der 45-U / min-Single, dass derselbe Song immer wieder gespielt wurde und seine Texte in die Seele eines einsamen Teenagers versanken.
Was folgt, sind Anmerkungen zu jedem Lied, das in Scorpio Rising verwendet wird, aufgelistet in der Reihenfolge der Aufnahme. Sie werden nach wochenlangem wiederholtem Hören geschrieben.
1. Inhaltsangabe zu „Fools Rush In (Where Angels Fear to Tread)“ von Ricky Nelson, 1963
Als Ricky Nelson dieses Lied veröffentlichte, war er dem amerikanischen Publikum bereits als einer der Stars der Sitcom The Adventures of Ozzie and Harriet bekannt, die zuerst im Radio begann und dann von Anfang der 50er Jahre bis 1966 im Fernsehen lief. Seine Musikkarriere begann 1957 mit einem Cover von Fats Dominos „I’m Walking“, das er mit 16 Jahren machte. Wie viele Popsongs dieser Zeit ist auch „Fools Rush In“ ein Cover, das 1940 geschrieben und von Frank Sinatra, Glenn Miller und zahlreichen anderen aufgenommen wurde: Nur eine Woche nachdem Nelsons Rockabilly-Interpretation auf Sendung ging, veröffentlichte Lesley Gore ihre eigene Bossanova-beeinflusste Aufnahme.
Wie alle Songs in Scorpio Rising save the last ist „Fools Rush In“ ein Liebeslied. Der sanfte Klang von Nelsons Stimme und der dazugehörigen Twangy-Instrumentierung spielt über Eröffnungsaufnahmen von Motorradteilen, Stiefeln und Ketten, die auf einem schmutzigen Garagenboden ausgelegt sind; die Stimme von Amerikas ultimativ sauberem, bürgerlichem Vorstadtkind kollidiert seltsamerweise mit Bildern eines städtischen Arbeitermilieus. Aber als das Lied zu Ende geht, fügt Anger das Dröhnen eines Motorradmotors über Nelsons Worten hinzu; Eine Skorpion-Ikone zoomt schnell ein und aus, wie ein Übergang von einer alten Flash Gordon-Serie, und wir sehen den Titel des Films in silbernen Nieten auf der Rückseite einer Lederjacke. Der Mann, der die Jacke trägt, dreht sich um und wir sehen seine nackte Brust, wobei die Enden des Gürtels der Jacke phallisch an seiner Taille flattern. „Öffne dein Herz“, fleht Nelson, „und lass diesen Narren hereinstürmen“, während die Figur auf die Kamera zuläuft und das Fleisch seines haarigen Magens auf die Linse trifft. Nelsons Texte werden dadurch intensiviert: bloße romantische Dringlichkeit wird zur Basis, sexuelle Verzweiflung.
Das Sternzeichen Skorpion, das vom Planeten Mars beherrscht wird, wird seit langem mit sexueller Männlichkeit, Exzess und Gewalt in Verbindung gebracht. Zum Beispiel schrieb Alan Leo, dessen Arbeit die Grundlage der modernen Astrologie bildet, 1899, dass Personen, die unter dem aufsteigenden Zeichen des Skorpions geboren wurden, „mutig und kriegerisch sind, dazu neigen, sich in Streitigkeiten zu stürzen“ und anfällig für „viele geheime Liebesbeziehungen“ sind.“ Anger hat erklärt, dass sein eigenes astrologisches Zeichen Wassermann mit aufsteigendem Skorpion ist. Man könnte sich vorstellen, dass sich nicht nur Sex und Gewalt, sondern auch der Tod in „Fools Rush In“ einschlichen, durch die Figur von Nelson, der in der Öffentlichkeit von einem Jungen über einen Teenager zu einem Mann herangewachsen ist. Anger behauptet ebenfalls, ein Kinderschauspieler gewesen zu sein (oft, dass er im Alter von acht Jahren als der Wechselbalgprinz in Max Reinhardt und William Dieterles A Midsummer Night’s Dream auftrat) und beendete seinen frühesten erhaltenen Film, Fireworks (1947), im Alter von 20 Jahren. Das Altern von Prominenten veranlasst die Betrachtung unserer eigenen Sterblichkeit: Ein unbeabsichtigtes Memento Mori spielt sich auf dem Gesicht jedes Stars ab. 1963 war Anger, einst ein Enfant Terrible, jetzt ein 36-jähriger Mann. Es scheint unmöglich, dass er den unaufhaltsamen Lauf der Zeit nicht in Betracht gezogen hätte, als er eine Generation jünger mit Street-Toughs rumhing und ihren Bildern Teenybopper-Melodien hinzufügte.
2. „Wind-Up Doll“ von Little Peggy March, 1963
Einer der obskureren und beunruhigenderen Schnitte in Scorpio Rising, „Wind-Up Doll“ wurde als B-Seite zu Little Peggy Marchs dauerhaftem „I Will Follow Him“ veröffentlicht, Was später im Film erscheint. Dies sind die einzigen zwei Songs desselben Künstlers auf dem Soundtrack, einer die Kehrseite des anderen. In den von March klagend gesungenen Texten vergleicht sich ein Mädchen in einer erweiterten Metapher mit einer mechanischen Puppe. „Wind me up I really walk, wind me up I really talk“, singt sie in Anlehnung an die Sprache der Werbung mit sich selbst als Ware: „Wind me up und ich komme direkt zu dir. Nichts könnte weiter vom Geist von Lesley Gores proto-feministischem „You Don’t Own Me“ entfernt sein, das im selben Jahr veröffentlicht wurde. Hier macht die junge Frau ihr eigenes Inneres für die Liebe eines Jungen leer und verspricht, ein Spielzeug für ihn zu werden, ein bloßer Automat, der nur auf seine Handlungen reagieren kann. „Du kannst sehen, was mich zum Ticken bringt, kleine Federn und Zahnräder“, singt sie. „Ich kann dir noch einen Trick zeigen: Brich mein Herz, ich werde echte Tränen weinen.“
Marchs Stimme spielt über eine Montage von Bikern, die Motorradmotoren reparieren, die mit Filmmaterial von aufziehbaren Spielzeugfahrrädern intercut sind. Der Klang eines winzigen Uhrwerkmotors, der von einem Schlüssel aufgezogen wird — ein cleveres Stück nicht traditioneller Instrumentierung, das im Song verwendet wird — passt perfekt zu Aufnahmen eines Bikers, der bei der Arbeit einen Schraubenschlüssel dreht. So entsteht eine Korrespondenz zwischen der Frau, dem Spielzeug und der Maschine, die alle der männlichen Manipulation unterliegen. Motorräder sind nur Spielzeug für große Jungen, Fetischobjekte, die die Rolle des Geliebten spielen. „Die Machtmaschine als Totem“, schreibt Anger in seinen Notizen zum Film, „vom Spielzeug zum Terror.“
3. „Mein Freund ist zurück“, die Engel, 1963
Das Segment zu diesem Mädchenklassiker beginnt und endet mit einer Nahaufnahme eines Skeletts in einem lila Gewand. Nachdem das Lied beginnt, sehen wir bald, dass diese gruselige Figur einen Teil einer Garage schmückt und einen jungen Mann in einem schwarzen T-Shirt und Jeans beaufsichtigt, während er mit einem Motorrad fummelt. Das Fahrrad ist ein unpassend weibliches Lila, das die Farbe der königlichen Gewänder des Skeletts wiederholt. Der Betrachter muss darüber nachdenken, ob der „Freund“, von dem die Engel sprechen, der junge Mann, sein Motorrad oder tatsächlich der Tod selbst ist. Dieser Kontext verstärkt das Gefühl sexualisierter Gewalt im Lied, zugrunde liegenden Schulhof-Spott-Texten und rhythmischem Zählen-Reim-Klatschen: Wenn man der Erzählung genau zuhört, Es geht darum, dass ein Mädchen einem ihrer männlichen Klassenkameraden erzählt, dass ihr Freund ihm die lebende Scheiße rausschmeißt, weil er Gerüchte über sie verbreitet. „‚Cause he’s kind of biiiig and aw-ful strong“, singt sie und zieht die Worte mit koketten Anspielungen heraus.
4. „Blue Velvet“ von Bobby Vinton, 1963
In dem Film erzählt P. Adams Sitney eine Anekdote von Anger darüber, wie Vintons „Blue Velvet“ in Scorpio Rising verwendet wurde: „Anger beschrieb einmal seine Entdeckung des vierten Songs als Beispiel für“Magie““, schreibt er. „Er sagte, er habe die Auswahl für alle anderen Songs abgeschlossen und brauche etwas zu dieser Episode, in der sich drei Radfahrer an verschiedenen Orten rituell in Leder und Ketten kleiden und die Montage ständig von einem zum anderen springt. Wut schaltete sein Radio ein und übte seinen Willen aus. Heraus kam Bobby Vintons ‚She wore blue Velvet‘, das, wenn es mit der Episode verbunden wurde, genau die sexuelle Ambiguität erzeugte, die Er in dieser Szene wollte.“ Die sexuelle Zweideutigkeit, die Sitney beschreibt, wird sofort durch die erste Aufnahme des Segments erzeugt, in der die Kamera langsam die Beine von Bikers Jeans hochschwenkt und sich auf seiner Taille niederlässt, während er seine offene Fliege unter einem nackten Oberkörper schnallt. Blauer Samt wird eins mit blauem Denim; Vinton singt von ihrem Satinkleid, als wir einen jungen Mann in einer Lederjacke sehen. In diesen Texten wird Kleidung sowohl zum sexuellen Fetisch als auch zum Auslöser für die Erinnerung an eine verlorene Liebe. „Sie trug blauen Samt“, singt Vinton und versetzt seine Geliebte in die Vergangenheit, „kostbar und warm, eine Erinnerung.“
5. „(You’re the) Devil in Disguise“, bekannt geworden durch Elvis Presley, 1963
In dem vielleicht typischsten Pop-Segment des Films sehen wir einen Biker (in Angers Notizen Scorpio genannt), der mit zwei siamesischen Katzen in einer unordentlichen Wohnung faulenzt, seine Wände mit Pin-ups von James Dean bedeckt wie das Schlafzimmer eines Teenagers, während er Zigaretten raucht und die Sunday Comics liest. Ein Dick Tracy Panel zeigt einen Haufen Schädel und Knochen; Lucy clobbers Charlie Brown. Wut fängt an, Aufnahmen von einem Fernsehbildschirm von Marlon Brando in The Wild One (1953) abzufangen, in dem er den Anführer einer Motorradbande spielt. Fans von Dean und Elvis hätten gewusst, dass beide Stars berühmt dafür waren, Motorräder zu lieben; Alle drei Idole hatten, an verschiedenen Stellen, Es wurde gemunkelt, homosexuelle Neigungen gehabt zu haben. Auch hier scheint eine Ansprache an einen weiblichen Liebhaber einer männlichen Figur zuzuordnen. „Du siehst aus wie ein Engel, gehst wie ein Engel, sprichst wie ein Engel“, singt Elvis. „Aber ich bin weise geworden. Du bist der Teufel in Verkleidung.“ In okkulten Traditionen ist die Anrufung von Engeln oder Teufeln die Quelle der Macht eines Magiers, und in diesem Fall sind die beiden Kräfte von Gut und Böse ununterscheidbar geworden.
6. Kundenbewertungen für „Hit the Road Jack – Ray Charles“, 1960
Wut beschäftigt „Hit the Road Jack“ in einer relativ eindeutigen Art und Weise, es zu spielen, wie Scorpio Kleider und macht sich bereit, seine Wohnung zu verlassen, mit viel Motor rumpelt auf der Oberseite gelegt. Die Bilder wechseln schnell zwischen Aufnahmen von Scorpio, der ein Lederarmband anzieht, körniges Filmmaterial im Dokumentarstil von Bikern, die um Coney Island fahren, und weitere Bilder von Brando auf seinem Motorrad in The Wild One. Eine Zeitungsüberschrift lautet „Cycle Hits Hole & Kills Two“, während Charles ‚Backup-Sänger „Hit the road Jack, and don’t you come back no more“ singen. Der Kritiker Parker Tyler schreibt über diese Szene und bemerkt, dass die Reise vom „Schlafzimmer des Lederjungen “ … auf die offene Straße auch insofern symbolisch ist, als sie laut Anger einen Todeswunsch beinhaltet — die endgültige Freilassung in den unendlichen Raum.“
7. „Heat Wave“ von Martha und den Vandellas, 1963
Bisher haben die Songs über Verlangen in Bezug auf Sehnsucht, Verlust und Ablehnung gesprochen. Aber in dieser Episode, Wut schaltet den Gang, und wir werden in eine musikalische Feier der berauschenden Euphorie der Liebe geworfen. Als ein stampfender Backbeat das Lied öffnet, Scorpio steckt seinen Finger in ein Fläschchen mit weißem Pulver und hebt es in sein Nasenloch, Schnauben Sie eine Beule mit einem schnellen Rückwärtsnicken. Der Film blinkt ein paar Bilder von reinem Rot, gefolgt von einer schnellen Nahaufnahme eines Spielzeugradfahrers mit schockiertem Haar, das sein Kewpie-Puppengesicht umrahmt. „Wann immer ich bei ihm bin, fängt etwas in mir an zu brennen und ich bin voller Verlangen“, sagt Martha Reeves. „Könnte es der Teufel in mir sein, oder soll Liebe so sein?“ Anger fügt Reeves ‚Gesang eine bizarre Reihe animalischer Klänge hinzu, die an das zitternde Lachen einer Hyäne erinnern. In „Heat Wave“ können die schwungvollen Intensitäten des Vergnügens nicht von Schmerzen unterschieden werden. „Ich weiß nicht, was ich tun soll. Mein Kopf ist im Dunst. Es ist wie eine Hitzewelle, die in meinem Herzen brennt. Ich kann nicht aufhören zu weinen. Es reißt mich auseinander.“
Gelehrte und Kritiker haben das Pulver der Insufflate unterschiedlich als Kokain oder Methamphetamin beschrieben; letzteres ist wahrscheinlicher, angesichts der relativen Popularität des Medikaments zu der Zeit. In jedem Fall dient dieser Moment als Auftakt zu den lysergischen Abenteuern von Angers späterem Werk, in dem die Wirkungen von Betäubungsmitteln, Kunst und Zauberei eins werden.
8. „Er ist ein Rebell“, die Kristalle, 1963
Als sich dieser von Spector produzierte Lobpreis an böse Jungs öffnet, Wir folgen einer Boot-Level-Ansicht von Scorpio, der durch eine schmutzige Gasse stapft. „Sehen Sie, wie er die Straße entlang geht“, intonieren die Mädchen und fungieren als griechischer Chor über Motown. Zu dieser Wut kommen blau getönte Teile eines kitschigen Bibelbildes hinzu, das oft als Familienfilm The Road to Jerusalem zitiert wird, wahrscheinlich eine Heimfilmversion, die aus der Fernsehserie The Living Bible von 1952 stammt. Wie bei der magischen Entdeckung von „Blue Velvet“ im Radio behauptet Anger, er habe eines Tages die 16-mm-Rolle von Road to Jerusalem vor seiner Haustür gefunden, die ihm fälschlicherweise anstelle einer nahe gelegenen Kirche geliefert wurde. Wenn Jesus das Augenlicht eines Blinden heilt, hinterlässt Scorpio, gekleidet in Polizeikleidung, gefälschte Tickets auf Motorrädern, und Anger wirft ein Blinzeln ein, und Sie werden es vermissen, wenn ein Penis aus einer Jeans auftaucht, um einen völlig profanen Effekt zu erzielen. Skorpions Gang entspricht dem von Jesus, der mit seinen Jüngern im Schlepptau durch das Heilige Land stapft. Durch diese Montage von Ton und Bild verschmilzt der Rebell mit dem Erlöser, der Skorpion mit Christus, der Held mit dem Liebhaber, der Polizist mit dem Verbrecher.
9. „Party Lights“ von Claudine Clark, 1962
One-Hit-Wonder Claudine Clarks ausgelassenes „Party Lights“ eröffnet das, was Anger die „Walpurgisnacht“ -Episode genannt hat, Bezugnahme auf den folkloristischen Glauben, dass, am letzten Abend des Aprils, Horden von Hexen versammeln sich, um ihre dunklen Götter anzubeten. Weihnachtsbeleuchtung leuchtet in den Speichen eines geparkten Motorrads, wie Clark und ihre Backup-Sänger bezeugen: „Party Lights, ich sehe die Party Lights. Sie sind rot und blau und grün.“ Eine Bande junger Männer kommt in verschiedenen dämonischen Halloween-Kostümen und Entkleidungszuständen an. Ein bulliger Biker schiebt den Kopf eines Kumpels in Richtung seines weiß gekleideten Schrittes; Ein anderer saust in einem Mickey-Mouse-Outfit vorbei. Weitere Bilder von Jesus und seiner Crew schlagen blasphemische Parallelen vor, ziehen aber auch die spirituellen Andeutungen von Clarks Sprache der Offenbarung hervor. In der theosophischen Literatur wird „Luzifer“ als „Lichtbringer“ vorgestellt, eine Etymologie, die Wut häufig zitiert hat; Hier verschmilzt Luzifer mit Jesus, „dem Licht der Welt“ (Johannes 8: 12).
Der Kritiker Tony Rayns hat diese Sequenz für ihre komplexe Bearbeitung gelobt. „Eisensteins Ideal … wird in der’Party Lights‘-Sequenz verblüffend erreicht“, schrieb er 1969. „wo hartes, dichtes Arrangement des Liedes … auf eine Verdickung des Terms of Reference in der Montage trifft, während sich die Texte gleichzeitig explizit auf die Entwicklung der Farbskala des Films beziehen … und ein Filmschaffen hervorbringen, das so resonanzreich ist wie Eisensteins eigenes.“
10. „Folter“, Kris Jensen, 1962
11. Inhaltsangabe zu „Point of No Return“ von Gene McDaniels, 1962
“ Torture“ und „Point of No Return“ sind zwei weitgehend vergessene Songs und die niedrigsten Billboard-Charts der Gruppe. Kris Jensen sah nie einen weiteren Hit; Gene McDaniels arbeitete später hauptsächlich als Produzent und beeindruckender Songwriter, vor allem für Roberta Flack, Einfügen von schwarzem Bewusstsein und Jazzrhythmen in Pop mit Songs wie „Im Vergleich zu was.“ Hier intoniert Jensen einem unsichtbaren Liebhaber „Du folterst mich“, während wörtlichere Qualen im Stil der Brüderlichkeit auftreten: heißer Senf goss prekär nahe an den Schritt eines Mannes, als seine Kumpels ihn zu Boden rangen; Eine unterschwellige Aufnahme eines nackten, von Missbrauch vernarbten Arsches folgt einem Bild von Scorpio, der nach unten auf seinen Stiefel zeigt, als wollte er Gehorsam befehlen. Wut fügt die Geräusche von Männern hinzu, die schreien, Quietschen von Schweinen und mehr Motorrumpeln, während der Film in McDaniels glattere, optimistischere Nummer übergeht. Aber wenn wir Aufnahmen von einer Motorradrallye sehen, denken wir an James Dean und seinen Hochgeschwindigkeitsuntergang zurück, und McDaniels Texte nehmen eine grimmige Ironie an: „Ich bin am Punkt ohne Wiederkehr und für mich gibt es kein Zurück mehr.“
12. „Ich werde ihm folgen“, Kleine Peggy March, 1963
Inzwischen erreicht Angers Montage ein Fieber: Bilder von Hitler erscheinen mit denen von Christus, Angers angeblicher Co-Star Mickey Rooney als Puck aus einem Sommernachtstraum, und Scorpio schwenkt eine Totenkopffahne und pisst dann in seinen Helm auf dem Altar einer abgedunkelten Kirche. Die Geräusche von zoomenden Flugzeugen, Explosionen, und Schreie vermischen sich mit Marchs Stimme, als sie von ihrer verzweifelten und erbärmlichen Anbetung von „ihm“ singt.“ Der Nazismus wird mit dem Christentum gleichgesetzt, und der Rebell ist ein verkleideter Diktator. Unsere Vertrautheit mit Marchs kanonischem Popsong verflüchtigt sich, als sich seine Texte als das offenbaren, was sie wirklich sind: eine Hymne an den Masochismus und die völlige Auflösung des Selbst. Während sie den Höhepunkt des Songs singt, wird jedes Wort vom brutalen Schub der Violinsaiten angetrieben. Sie schreit diese Worte in Gruppen von drei, als ob „ihn“ durch eine Beschwörung zu beschwören:
ICH LIEBE IHN
ICH LIEBE IHN
ICH LIEBE IHN
UND WOHIN ER GEHT
ICH WERDE FOLGEN
ICH WERDE FOLGEN
ICH WERDE FOLGEN
ICH WERDE FOLGEN
ER SEI IMMER
MEINE WAHRE LIEBE
MEINE WAHRE LIEBE
MEINE WAHRE LIEBE
VON JETZT BIS
FÜR IMMER
FÜR IMMER
FÜR IMMER
FÜR IMMER
Da 1964 obscenity Trial, Scorpio Rising wurde als „antifaschistischer“ Film interpretiert. Rowe hat Anger mit den Worten zitiert: „Ich finde die Idee lächerlich, dass irgendjemand der Anführer ist“, und tatsächlich befürwortet die Crowleyan-Philosophie einen radikalen Individualismus. Aber wenn Scorpio Rising eine Kritik des Faschismus liefert, tut es dies nur, indem es die perversen Intensitäten seiner Freuden hervorruft und den erotischen Reiz von Dominanz und Unterwerfung hervorhebt.
13. „Wipe Out“ von den Surfaris, 1963
Eine Breakout-B-Seite zum mittlerweile unbekannten Hit „Surfer Joe“ des Surfari, Dieses erweiterte Instrumental beginnt mit einem krachenden Sound, gefolgt von einem langwierigen, Echokammer Stoner Gackern, das zu den einzigen Worten des Songs führt: „Hahahahahaha … auslöschen.“ Nächtliches Filmmaterial von Bikern, die durch die Straßen von Brooklyn rasen, verwandelt sich in einen rot-schwarzen Feuersturm aus Schädeln, Ketten, Go-Go-Girls, glänzendem Chrom und einer blinkenden Sirene, der in der Erscheinung eines auf dem Boden liegenden Bikers gipfelt, der von den Geräuschen der ankommenden Polizisten getroffen wird. Auf dem Arm des Bikers könnten wir kaum den Beatnik-Slogan seines Tattoos lesen: BLESSED, BLESSED OBLIVION. Mit dem Tod des Bikers geht seine Unterwerfung unter die Maschine bis zur Selbstzerstörung.
„Wipe Out“ ist der einzige Track in Scorpio Rising, der kein Liebeslied ist. Stattdessen feiert es die Gefahr auf den Meereswellen. Aber es markiert auch einen kommenden Wandel in der amerikanischen Musik und der Jugendkultur, die es unterstützte. „Wipe Out“ deutet das Ende der schüchternen Unschuld der Popmusik an und kündigt die kommende Herrschaft des gitarrengetriebenen Garagenrocks an. Die knorrigen Rhythmen von „Wipe Out“ würden zu anderen Formen des Vergessens führen — Teenager—Ödland voller Purple Haze -, die sich wiederum zum Nihilismus von Heavy Metal und Punk entwickeln würden. So kann das Finale von Scorpio Rising entweder als Vorbote des Todes des amerikanischen Pops oder als Beschwörung seiner okkulten Transformation gelesen werden.
Kenneth Angers Scorpio Rising wird am 20.August 2015 im Walker im Rahmen des Internationalen Popkinos gezeigt.
