Creative Director, Künstler und Musiker Fai Khadra ist auch ein Kunstsammler mit einem besonderen Interesse an Minimalismus und Konzeptkunst, was ihn zum perfekten Gastmitarbeiter für Contemporary Curated London macht, das vom 17. bis 24.November stattfindet. Vor dem Verkauf spricht er über seine Leidenschaft für Museen, warum er ein neues, jüngeres Kunstpublikum ermutigen möchte und wie er ein Stück aus seinem Dach geschnitten hat, um einen Sterling-Rubin-Stalagmiten zu installieren.
Wer sind deine Lieblingskünstler?
Das ist wie zu fragen, was ist dein Lieblingsfilm? Es ist eine unmögliche Frage. Aber ich fühle mich immer zu Künstlern hingezogen, die in irgendeiner Weise Grenzen gebrochen oder überschritten haben, die sich in ihrer Praxis extrem neu oder mutig fühlen. Ich habe zeitgenössische Künstler wie Joseph Beuys, Bruce Nauman, David Hammonds, Kara Walker und Shigeko Kubota immer bewundert – aber man darf die Meister wie Picasso, Rembrandt, Monet, Da Vinci und Van Gogh nicht vergessen. Sehen Sie, warum es eine unmögliche Frage ist? Sie alle haben uns in neue Richtungen des Denkens gedrängt. Sie dachten und sahen die Welt und wurden anfangs nicht immer akzeptiert, aber das bedeutet radikal zu sein.
Wie erfährst du von Künstlern, die dich interessieren?
Vom Besuch von Ausstellungen in Museen oder Galerieausstellungen – Ich muss etwas persönlich sehen, bevor es einen ausgeprägten Einfluss auf mich hat. Zum Beispiel war ich mit Julie Mehretus Arbeit vertraut, aber erst als ich ihre jüngste LACMA-Show sah, wurde mir wirklich klar, was für ein Meister sie darin ist, so große, vielschichtige Werke zu schaffen. Für mich entwickelt sich so viel von meinem Verständnis aus einer persönlichen Interaktion mit der Arbeit, dass ich mich einfach nicht entfernt fühle.
Wie würdest du deine persönliche Ästhetik beschreiben?
Im Herzen bin ich Minimalist – ich liebe Künstler wie Dan Flavin und Donald Judd. Aber dann liebe ich auch Mike Kelley…so Ich nehme an, es hängt mehr vom Künstler als von der Ästhetik ab. Davon abgesehen, wenn ich eine Seite auswählen müsste, würde ich mit den Minimalisten sitzen.
Sehen Sie sich als Sammler?
Ich betrachte mich als Sammler insofern, als ich es liebe, Kunstwerke für mein Zuhause zu kaufen, damit ich daneben leben kann, aber ich habe beispielsweise keine Lagereinheiten, in denen ich Kunstwerke als Investitionen aufbewahre. Tatsächlich habe ich gerade einen Sterling–Rubin-Stalagmit von Sotheby’s erworben, um ihn in meinem neuen Zuhause zu installieren – er ist riesig, aber ich musste damit leben. Infolgedessen musste ich ein Stück des Daches ausschneiden, aber ich war schon immer ein großer Fan seiner Arbeit, also fühlte es sich an, dieses Stück als wichtigen Schritt zu bekommen. So wie Künstler sich selbst dazu drängen, etwas Neues zu tun, halte ich es manchmal für wichtig, aus der Komfortzone heraus zu kaufen, egal ob es sich um Größe, Budget oder Thema handelt. Große Kunstwerke und Künstler können in vielerlei Hinsicht eine Herausforderung sein. Ich denke, Rubys Stalagmitenstücke sind einige seiner besten Werke, weil sie so ehrgeizig waren – also ist es die zusätzliche Renovierung mehr als wert.
Wie wollen Sie Ihre Sammlung erweitern?
Durch den Kauf von mehr Kunst! Ich weiß, was meine Wunschliste ist, aber es ist mir auch wichtig, Beziehungen zu Menschen aufzubauen, denen ich vertraue – ob Galeristen oder Kuratoren –, die mich auf neuere Künstler hinweisen können, wie Martine Syms, Dozie Kanu, Sayre Gomez.
Gibt es Museen oder Sammler, die Sie besonders bewundern?
Ich liebe es, die Beyeler Stiftung in Basel zu besuchen, einfach weil sie das Beste vom Besten hat, von Giacometti bis Francis Bacon. Aber es gibt auch ein kleines Juwel in LA, das einst einem Mann namens Frederick Weisman gehörte. Er war ein bemerkenswerter Sammler und als er starb, Das Haus, in dem er lebte, und alle Werke darin, wurden als Weisman Foundation erhalten. Ich liebe es, sehen zu können, wie jemand neben der Kunst lebte, die er liebte – es hat etwas unglaublich Überzeugendes, in jemandes Schlafzimmer oder Wohnzimmer zu gehen und einen Rothko oder einen de Kooning im Kontext eines Hauses zu sehen die Leere einer Galerie. Sobald Sie das Foyer betreten, sehen Sie einen schönen Clyfford.; sie gehen ins Wohnzimmer und es gibt einen Picasso, De Kooning und einen Speck. Es ist bemerkenswert. Große Sammlungen spiegeln die Persönlichkeit und das Leben der großen Sammler und das ist etwas zu streben. Ich liebe es auch, dass es kostenlos ist – dass jeder eine Tour buchen und eine intime Interaktion mit diesen unglaublich beeindruckenden, einflussreichen Werken haben kann.
Welchen Rat würden Sie neuen Sammlern geben?
Ich denke, der wichtigste Rat für jeden Sammler, ob neu oder alt, ist einfach, etwas zu kaufen, mit dem man für immer leben könnte. Ich kaufe nie Dinge, die darüber nachdenken, wie es sich schätzen lässt – denn wenn du neben etwas lebst, sollte es dich jeden Tag wirklich glücklich machen. Nichts wird mir dieses Gefühl einfach wegen seines Marktpreises geben.
Haben Sie eine Lieblingsperiode in der Kunst?
Früher dachte ich, dass es war, als die Kunst minimalistischer wurde, um die Zeit von Donald Judd, aber ich besuchte kürzlich die Villa Borghese in Rom zum ersten Mal und entwickelte eine neu entdeckte Wertschätzung für Bernini: für das Detail seiner Werke, ihre außergewöhnliche Handwerkskunst und ihr eindringliches Geschichtenerzählen. Ich bin auch ziemlich besessen von der Tatsache, dass ich nie einen besitzen kann: Die Tatsache, dass sie außerhalb des Marktes existieren, hat etwas sehr Überzeugendes. Interessant ist auch, dass sowohl Bernini als auch Judd sehr besorgt darüber zu sein schienen, wie Kunst und Architektur miteinander interagierten. Die Situation eines Kunstwerks in einem Raum war beiden wichtig. Sie waren Meister darin, auf ihre Weise ein Gesamtkunstwerk zu schaffen.
“ Großartige Sammlungen spiegeln die Persönlichkeit und das Leben großer Sammler wider, und das werde ich immer anstreben.“
Hat sich Ihr Kunstgeschmack im Laufe der Zeit verändert?
Ich denke, mein Geschmack wird sich ständig ändern, aber ich werde immer Arbeiten bewundern, die Grenzen überschreiten oder starke Gefühle hervorrufen. Ich beschäftige mich nicht besonders mit Arbeiten, die einfach ästhetisch sind; Ich bin viel eher geneigt zu arbeiten, bei denen ich mich unwohl fühle oder die mich dazu bringen, die Welt, die sie reflektiert oder mit der sie sich beschäftigt, zu überdenken.
Vor ein paar Jahren stieß ich auf der Art Basel auf Doreen Garner – eine junge schwarze Künstlerin aus Brooklyn, die eine erstaunliche Neonskulptur gemacht hatte, die ein bisschen wie Fleisch aussah. Es war grausam aus der Ferne, aber dann, als du näher kamst, war es aus all diesen schönen Perlen gemacht. Ich entdeckte, dass sie das Stück als Reaktion auf die Entwicklung der modernen Gynäkologie von James Marion Sims geschaffen hatte und wie er die Körper schwarzer Frauen im Namen wissenschaftlicher Entdeckungen ausgebeutet und gefoltert hatte, weil er nicht glaubte, dass sie Schmerzen fühlen könnten. Es war ein äußerst schwieriges Werk, aber die Art und Weise, wie sie diese Unmenschlichkeit in etwas so Überzeugendes, so Schönes übersetzen und damit ihr Publikum damit konfrontieren konnte, war unglaublich beeindruckend.
Was macht Contemporary Art für dich zu einer interessanten Zusammenarbeit?
Ich finde es wichtig und spannend, ein jüngeres Publikum für das Sammeln zeitgenössischer Kunst zu begeistern; es ist ein Feld, das sich für so viele Menschen so undurchdringlich, so völlig unerreichbar anfühlen kann. Ich würde gerne einer neuen Generation, für die es sich exklusiv anfühlt, die Tür ein wenig öffnen und sie einladen, persönlich mit den Stücken zu interagieren.
Wann begann Ihr Interesse an Kunst?
Ich habe mich schon immer für Kunst interessiert und meine Eltern sind auch Sammler, also ist es wahrscheinlich eine vererbte Eigenschaft. Ich hatte das Glück, in London aufzuwachsen, wo meine Schule uns zu Ausstellungen an Orten wie dem Victoria & Albert Museum, dem Tates oder dem Natural History Museum führte. Ich denke, das ist das Schöne daran, in einer Stadt wie London aufzuwachsen: Um einen herum passiert ständig so viel Kunst und Kultur, dass man sich schon in jungen Jahren damit auseinandersetzen kann.
Wenn du ein Kunstwerk vor der Zerstörung retten könntest, welches wäre es?
Es müsste die Mona Lisa sein. Denn obwohl es nicht mein persönlicher Favorit ist, liebe ich, was für eine tiefgreifende kulturelle Wirkung es hat – es bringt die Menschen dazu, sich der Kunst zu nähern: Der Besuch des Louvre ist fast wie eine Pilgerreise geworden. Das ist also derjenige, der gerettet werden muss.
Wenn Sie fünf Künstler – tot oder lebendig – zum Abendessen mitnehmen könnten, wer wären sie?
Andy Warhol, Marcel Duchamp, Jackson Pollock, Walter De Maria und Frida Kahlo. Ich würde mein berühmtes Brathähnchen machen.
Was war die letzte Ausstellung, die du gesehen hast, und warum hast du sie geliebt?
Ich habe gerade die Andy Warhol Show in der Tate gesehen, und ich hatte das Glück, eine Tour von einem der Regisseure der Show zu bekommen. Er erklärte, dass die doppelten Marilyn–Kunstwerke ursprünglich nicht von Warhol als Diptychon gezeigt werden sollten – dass sie einfach von den Sammlern Burton und Emily Tremaine in seinem Atelier nebeneinander gesehen worden waren, wer wollte sie beide. Es ist so interessant für mich, dass die Paarung eine solche Fülle von Kommentaren und Kritik über den Kontrast inspiriert hat, den sie zwischen Monroes öffentlichem und privatem Leben suggerieren – aber tatsächlich ist die ursprüngliche Erzählung anders.
Wir leben in bizarren Zeiten der letzten Zeit. Wie haben Sie sich mit Kunst und Kultur beschäftigt?
Ich habe viele Dokumentarfilme über Künstler gesehen – ich liebte die Duchamp-Dokumentation, Die Kunst des Möglichen, weil sie einen so direkten Einblick in seine Bedeutung für die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst gab, und eine Gerhard Richter-Dokumentation, die seinen materiellen Prozess wirklich erforscht.
Wie würden Sie die Kunstszene in London von der in LA unterscheiden?
Ich denke, London hat eine Geschichte wirklich großartiger Kuration. In LA gibt es Orte wie The Gagosian und The Broad, wo Sie eine massive Jeff Koons-Skulptur oder ein anderes ikonisches Stück sehen, das sofort erkennbar ist. Während ich das Gefühl habe, dass es in London mehr Orte wie Sadie Coles gibt, an denen Sie weltbekannte Künstler sehen und gleichzeitig neueren Talenten vorgestellt werden können. Interessant ist, die Szenen von LA und London mit New York zu vergleichen. Es gibt mehr Ähnlichkeiten zwischen LA und London. Die geografische Verbreitung und das Fehlen eines klar dominierenden Kunstviertels. In beiden scheint es mehr Raum für Experimente und Risikobereitschaft zu geben, während New York aufgrund seiner Konzentration und Lebenshaltungskosten eine andere Atmosphäre schafft. Wenn ich Künstler wäre, würde ich lieber in L.A. oder London leben und arbeiten.
“ Ich finde es interessant zu beobachten, wie Künstler entscheiden, ob sie sich mit der digitalen Landschaft beschäftigen wollen oder nicht“
Wie verändert die digitale Landschaft Ihrer Meinung nach die Kunstwelt und mögen Sie digitale Kunst?
Ich denke, es gab in letzter Zeit eine Fülle unglaublich guter Videokunst von Künstlern wie Kahlil Joseph und Arthur Jafa. Neben den Gesprächen, die ihre Arbeit provoziert, denke ich, dass die bloße Existenz ihrer Art von Stücken interessante Fragen nach dem Eigentum aufwirft. Ich finde es auch interessant zu beobachten, wie Künstler entscheiden, ob sie sich mit der digitalen Landschaft auseinandersetzen wollen oder nicht – zum Beispiel, wenn sie jemanden wie Richard Prince betrachten, der nicht einmal zur digitalen Generation gehört, aber dennoch soziale Medien auf so clevere Weise für seine Werke nutzt.
Du bist in London aufgewachsen, hast im Nahen Osten gelebt und lebst jetzt in Los Angeles. Wie hat Ihre Erziehung Ihren Kunstgeschmack beeinflusst?
Durch die Möglichkeit, an verschiedene Orte zu ziehen und dort zu leben, war ich so vielen verschiedenen Arten von Kunst ausgesetzt: von islamischer Kunst über traditionellere westliche Kunst bis hin zu zeitgenössischer Kunst, mit der ich mich am wohlsten fühle, weil ich das Gefühl habe, dass sie alle Universen in einem umfassen kann. Ich hatte auch das Glück, Freundschaften mit verschiedenen Leuten aufzubauen, die mir viel über verschiedene Künstler beigebracht haben. Kim Jones stellte mir Gruppen von Künstlern vor, über die ich vorher nicht so viel wusste, wie das Bloomsbury-Set. Ich denke, Belichtung ist der Schlüssel: Je mehr Sie in verschiedene künstlerische Epochen oder Kulturen eintauchen, desto mehr können Sie Ihren persönlichen Geschmack verstehen.
