Es scheint, als ob fast alles, was jemals aufgenommen wurde, irgendwann auf Youtube landet — zumindest für eine Weile. Von historischen Reden von Gandhi und Martin Luther King Jr. bis zu den weitläufigen Verschwörungstheorien obskurer Kellerbewohner können Sie alles hören. Ein besonderes Phänomen der letzten Jahre ist das des „isolierten Tracks“, der Gesangs- und Einzelinstrumentenaufnahmen bekannter Songs, die meist direkt von den Masterbändern stammen. Wir haben viele davon vorgestellt, von berühmten Schlagzeugern wie John Bonham und Stewart Copeland bis hin zu Bassisten wie Sting, Paul McCartney und John Deacon von Queen.
Heute bringen wir euch isolierte Tracks von einigen der berühmtesten Gitarristen des Rock ’n’Roll, und wir tun dies in voller Erwartung einer Menge empörter „Was ist mit so und so!“ Kommentare. Um einigen unvermeidlich verletzten Gefühlen vorzubeugen, sollten Sie bedenken, dass die Auswahl an isolierten Tracks online — trotz des vielen Reichtums von Youtube — eher begrenzt ist. Wir arbeiten mit dem, was hier verfügbar ist. Und wenn Sie Ihren Joe Pass oder Bonamassa — zwei Gitarristen, die ich sehr bewundere — oder andere Jazz- oder Bluesspieler nicht sehen, liegt das daran, dass wir uns speziell auf Rockgitarristen konzentrieren.
Beginnen wir mit der wohl bekanntesten Gitarrenlinie seit Jimmy Pages Arbeit in „Stairway to Heaven.“ Sie haben das Intro zu „Sweet Child O ‚Mine“ unzählige Male gehört – wunderschön gespielt von Slash und seinen talentierten Nachahmern und schlecht von kämpfenden Studenten in Musikgeschäften. Aber haben Sie jemals wirklich gehört, was der führende Rockgitarrist der 90er Jahre im Rest des Songs macht? Sobald Axl Rose anfängt zu jammern, ist es ein bisschen schwer, etwas anderes zu hören. Nehmen Sie sich also sechs Minuten Zeit und spielen Sie den gesamten isolierten Track oben durch. Es ist eine ziemlich atemberaubende Mischung aus zarten Arpeggios, druckvollen, übersteuerten Rhythmen und natürlich den hochfliegenden, anhaltenden Lead-Lines und dem Wah-Wah-Wahnsinn, den wir von diesen ach so denkwürdigen Soli kennen. Das OnStage Magazine hat eine nette kleine Aufschlüsselung von Slashs Technik und Ton. Für eine sehr gründliche Analyse des genauen Rigs, das er im Studio verwendet hat, um diese Sounds zu erzeugen, Lesen Sie diesen Artikel.
Vor dem mächtigen Slash war der einflussreichste Rockgitarrist ohne Zweifel Eddie Van Halen, dessen charakteristische Manöver und technische Innovationen die Herangehensweise von Rock- und Metal-Gitarristen an das Instrument völlig veränderten. Van Halen, schreibt Ultimate Classic Rock, „hat mit seiner Mischung aus Ton, Technik und schierer Musikalität praktisch im Alleingang das gesamte Rockgitarrenlexikon neu erfunden.“ Er hat es auch zweihändig gemacht und mehr oder weniger das zweihändige Klopfen erfunden“, eine Technik, bei der Van Halen mit den Fingern seiner rechten Hand Noten am Hals der Gitarre reibt, was es ihm ermöglicht, Passagen sehr schnell und ohne die Einschränkungen eines Pick zu phrasieren.“ Sie können einige Beispiele in dieser Liste der Top 10 Eddie Van Halen Soli hören.
Direkt darüber, in dem isolierten Gitarrentrack zu „Panama“, ist ein oft unauffälliger Aspekt von Van Halens Spiel zu hören — seine außergewöhnliche Rhythmusarbeit. Unterbrochen von grobkörnigen Dias, Tauchgängen und Biegungen und dem bekannten Drei-Noten-Riff des Songs sind Van Halens Rhythmen außerordentlich flüssig, musikalisch ausdrucksstark und beherrschend dynamisch. Seine Soloarbeit hier ist subtil — nicht annähernd so auffällig wie in so vielen anderen Songs — aber das erlaubt uns, uns umso mehr darauf zu konzentrieren, wie brillant sein Rhythmusspiel wirklich ist. Wie Slash musste Van Halen mit einem lächerlich extravaganten Sänger konkurrieren, und wie Slash taucht er oft als wahre Hauptattraktion der Band auf.
Spielen Sie „Free Bird“, Mann. Nun, nicht die ganze Sache. Aber hören Sie sich dieses Solo an, alles 4 plus Minuten davon, oben, gespielt von Allen Collins. Lynyrd Skynyrds Drei-Gitarren-Attacke von Collins, Ed King und Gary Rossington mag extravagant oder einfach nur nachsichtig erschienen sein, aber sie diente einem wichtigen Zweck: die Albumaufnahmen perfekt auf der Bühne zu duplizieren. Bandleader Ronnie Van Zandt „war so ein unerschütterlicher Verfechter der Perfektion — so sehr, dass jeder mehr oder weniger die gleichen Soli spielen sollte, die er auf dem Album gemacht hat“, schreibt der Blog One Week // One Band, „denn genau das wollte das Publikum hören.“ Collins schreiendes Solo – Nummer 3 in den Top 100 der Gitarrenwelt – entstand zufällig, ebenso wie der gesamte Song, der von der Band während der Probe spontan zusammengesetzt wurde. Aber warum scheint „Free Bird“ nie zu enden? Rossington hat die Geschichte:
… Wir haben angefangen, es in Clubs zu spielen, aber es war nur der langsame Teil. Dann sagte Ronnie: „Warum machst du am Ende nicht etwas, damit ich ein paar Minuten Pause machen kann?“ also habe ich mir diese drei Akkorde am Ende ausgedacht und Allen hat sie gespielt, dann habe ich solo gespielt und dann hat er solo gespielt … alles entwickelte sich eines Nachts aus einem Jam. Also fingen wir an, es so zu spielen, aber Ronnie sagte immer wieder: „Es ist nicht lang genug. Mach es länger.“
Auf der Studioversion, „Collins spielte das gesamte Solo selbst auf seiner Gibson Explorer.“ Sagt Rossington, „Er war schlecht. Er war super schlecht! Er war schlecht bis auf die Knochen schlecht … so wie er es tat, er war einfach so heiß! Er tat es nur einmal und tat es wieder und es war getan.“ Und da hast du es.
Wenn diese Liste keinen Clapton hätte, würde ich wahrscheinlich Morddrohungen bekommen. Zum Glück haben wir einen isolierten Clapton-Track, aber nicht von einer Clapton-Band. Stattdessen hören Sie oben seine Gastarbeit am von George Harrison verfassten und gesungenen Beatles-Song „While My Guitar Gently Weeps“ von 1968. In einem früheren Beitrag zu dieser meisterhaft ikonischen Aufnahme beschrieb Mike Springer Claptons Technik und Ausrüstung: „Für den Eindruck einer weinenden und jammernden Person benutzte Clapton die Finger seiner sich bewegenden Hand, um die Saiten tief zu biegen, in einem sehr ausdrucksstarken absteigenden Vibrato. Er spielte eine 1957 Gibson Les Paul, eine Gitarre, die er einst besessen hatte, aber Harrison gegeben hatte, der sie Lucy nannte.“
Ich gebe zu, ich bin mit der Annahme aufgewachsen, dass Harrison die Leads in diesem Song spielte, eine Annahme, die meine Einschätzung von Harrisons Spiel im Allgemeinen färbte. Aber obwohl er sicherlich kein Slouch ist, gab er sogar zu, dass dies besser dem Mann überlassen wurde, den sie „Slowhand“ nennen (ein Spitzname, der übrigens nichts mit seinem Spiel zu tun hat). Typisch bescheiden und zurückhaltend beschrieb Harrison Guitar World 1987, wie Clapton zu Gast bei dem Song kam:
Nein, mein Ego würde lieber Eric damit spielen lassen. Ich werde es dir sagen, ich habe eines Tages mit John, Paul und Ringo an diesem Song gearbeitet, und sie waren überhaupt nicht daran interessiert. Und ich wusste in mir, dass es ein schönes Lied war. Am nächsten Tag war ich mit Eric zusammen und ging in die Session und sagte: „Wir werden diesen Song machen. Komm und spiel drauf.“ Er sagte: „Oh, nein. Das kann ich nicht. Niemand spielt jemals auf den Beatles-Platten.“ Ich sagte: „Schau, es ist mein Lied, und ich möchte, dass du es spielst.“ Also kam Eric rein und die anderen Jungs waren so gut wie Gold – weil er da war. Außerdem blieb es mir frei, nur den Rhythmus zu spielen und den Gesang zu machen. Also spielte Eric das, und ich fand es wirklich gut. Dann hörten wir es uns wieder an und er sagte: „Ah, es gibt jedoch ein Problem; Es ist nicht Beatley genug“ – also haben wir es durch den ADT geführt , um es ein wenig zu wackeln.
Es ist das Wackeln, ich denke, das hat mich an Harrison denken lassen, aber jetzt höre ich es wieder oben, aus seinem Beatley-Kontext gezogen, ich höre nur Clapton.
Gerade oben haben wir einen Gitarristen, von dem die meisten Leute wahrscheinlich noch nie gehört haben. Aber für bestimmte Musikfans und Spieler der 90er Jahre, mich eingeschlossen, John Squire war ein unbesungener Held einer britischen Band, die viele mehr Aufmerksamkeit verdient hatten als Blur und Oasis zusammen. Ich spreche von den Stone Roses, Madchester-Kollegen von Bands wie den Happy Mondays und den Chameleons. Obwohl die Szene als Ganzes auf Sixties-Revival-Dance-Grooves mit härteren Drogen gedieh, Squire zeichnete sich durch sein ruhiges Selbstbewusstsein aus, zweite Karriere als Maler, und bluesig, Hendrix-inspiriertes Spiel. Ich habe seine Outro-Soli auf dem Barnburner der Band „I Am The Resurrection“ auswendig gelernt, ein bösartig erfinderisches Stück Arbeit, das jeder, der die Band kennt, gut kennt.
Leider wurde der Nachfolger ihres selbstbetitelten Debüts von 1989, The Second Coming von 1994, von ehemaligen Fans kritisch gemieden und fast ignoriert. Unglückliches Timing, würde ich sagen. Jack White und die Black Keys hatten den Bluesrock noch nicht wieder cool gemacht, und die Band war größtenteils von den Byrds zu den Yardbirds übergegangen. Direkt über dieser ungeliebten zweiten und letzten Platte hören Sie Squires Stimme auf „Love Spreads“, einem Song, der nach „Driving South“ die stärkste Aneignung des Blues durch die Band darstellt. Squire ist in meinem Buch ein kriminell unterschätzter Gitarrist, der einige seiner besten Arbeiten an einem kriminell unterschätzten Album geleistet hat.
Schließlich einige exzellente Gitarrenarbeit von einem Gitarristen, den ich liebe, der mit einer Band spielt, die ich nicht mag. Aber so sehr ich die Songs der Red Hot Chili Peppers auch nicht mag, ich habe Ehrfurcht vor ihrer umwerfenden Musikalität. Während Bassist Flea bekommt die meiste Aufmerksamkeit, ihre langjährige on-again, off-Again-Gitarrist John Frusciante ist genauso viel, wenn nicht mehr, ein herausragender Spieler. Ein musikalisches Wunderkind, Frusciante – der Hillel Slovak nach dessen Überdosis 1988 ersetzte – trat mit nur 18 Jahren der Band bei und veränderte ihren Sound über Nacht komplett, schreibt David Fricke vom Rolling Stone, „Hendrixian force.“
In RHCP’s einst unausweichlicher Ballade — „Under the Bridge“ — zaubert er eine „ergreifende beatleske Melodie“, verbunden mit Funk-Licks und Chorus-getränkten Akkordphrasen. Frusciante spielt mit einer unverwechselbaren Persönlichkeit, die sofort erkennbar ist, sei es mit den Chili Peppers, der Mars Volta, Duran Duran (!), oder seine eigenen totally oddball Solo-Platten. Ein immer unberechenbarer Musiker, Seine einst amateurhaften Experimente mit elektronischer Musik haben sich zu ausgewachsenem Acid House entwickelt, der nicht wie John Frusciante klingt. Tolle Sachen, aber ich hoffe, er greift bald wieder zur Gitarre.
Also ja, ich hätte isolierte Tracks von Dimebag Darrell oder Jake E. Lee, brillanten Gitarristen, aufnehmen können. Und viele Leute scheinen diese Avenged Sevenfold Jungs zu mögen, obwohl es nicht meine Tasse Tee ist. Diese Liste ist jedoch nur eine Stichprobe und gibt nicht vor, vollständig zu sein. Wenn Sie zufällig einige isolierte Gitarrenspuren online finden, von denen Sie glauben, dass sie unsere Leser hören sollten, posten Sie sie auf jeden Fall in den Kommentaren.
Zugehöriger Inhalt:
Hören Sie isolierte Tracks von fünf großartigen Rockbassisten: McCartney, Sting, Deacon, Jones & Lee
Isolierte Drum-Tracks von sechs der größten: Bonham, Moon, Peart, Copeland, Grohl & Starr
Josh Jones ist ein Schriftsteller und Musiker mit Sitz in Durham, NC. Folgen Sie ihm auf @jdmagness.
