Für mich ist Impressionismus eine Art, den Betrachter zu sehen und in die Interpretation des Themas und der Stimmung einzubeziehen. Ich würde sagen, dass das Hauptziel der impressionistischen Fotografie darin besteht, die Wirkung von Licht, Bewegung und Farbe auf die Objekte in der Szene auszudrücken. Impressionistische Fotografien führen uns auf eine Reise und rufen Gefühle hervor. Wir wollen kein Dokument eines Themas machen; Stattdessen wollen wir ein Foto machen, auf das der Betrachter emotional reagiert. Es ist eine Art zu sehen, zu denken, zu fühlen und auf das zu reagieren, was vor uns liegt.
Um dies zu erreichen, müssen Sie sowohl Technik als auch Licht erforschen und auf ein einfacheres, abstrakteres Aussehen hinarbeiten. Sie sollten nur Details vorschlagen, anstatt sich darauf zu konzentrieren, und Formen, Licht und Farbe sowie die Beziehung zwischen ihnen betonen. Sie müssen auch Ihren Gefühlen folgen und lernen, sie durch die visuelle Sprache von Licht, Farbe und Formen zu kommunizieren.
Es mag den Anschein haben, als sei die impressionistische Fotografie eine Erfindung der letzten Jahre, aber tatsächlich ist dieses Genre so alt wie das Medium Fotografie selbst.
Die piktorialistische Perspektive wurde in den späten 1860er Jahren geboren und hielt das erste Jahrzehnt des 20. Es näherte sich der Kamera als Pinsel, um eine künstlerische Aussage zu machen.
„Es gibt immer noch ein Missverständnis zum Thema des geraden Drucks im Gegensatz zum modifizierten Druck. Einige Verfechter der reinen Fotografie, wie sie genannt wird, werden sogar leugnen, dass ein modifizierter Druck überhaupt ein Foto ist. Ich für meinen Teil glaube, dass, wenn die X-Ablagerung, die ein Bild bildet, durch die Einwirkung von Licht unter dem Schatten eines anderen Bildes, transparent und auch durch Lichteinwirkung aufgebaut wird, das Ergebnis eine Fotografie sein muss, welche Modifikationen auch immer der Fotograf für richtig gehalten hat, um sie in die relativen Proportionen der Ablagerung einzuführen.“– Robert Demachy – Kameraarbeit 18, 1907.
Damals interessierten sich Fotografen mehr für die Ästhetik des Bildes und die Emotionen, die es mit sich bringt. Der Zweck des Piktorialismus war es zu zeigen, dass Fotografie mehr war als nur Fotos von irgendjemandem mit einer Kamera zu machen. Jedes Foto war ein sorgfältig konstruiertes einzelnes, originelles Kunstprodukt, und eine Kamera war ein Werkzeug, mit dem ein Künstler künstlerisches Talent und Eindrücke zeigte. Schärfe und Klarheit wurden bewusst vermieden. Spezielle Kameraobjektive, Entwicklungstechniken und die satten Töne von Platindrucken ermöglichten die Schaffung einer weichen, ruhigen Qualität der Bilder.
Die Fotografien der piktorialistischen Bewegung gehören zu den spektakulärsten Kunstwerken in der Geschichte des Mediums. Mit weichem Fokus, dramatischen Lichteffekten, ungewöhnlichen Kamerawinkeln und kühnen technischen Experimenten schufen die Piktorialisten sehr atmosphärische Werke, die das visuelle Vokabular der Fotografie erweiterten. Vielleicht möchten Sie sich Bilder von Heinrich Kühn, Robert Demachy, Julia Margaret Cameron, Edward Steichen, Alfred Stieglitz und den frühen Arbeiten von Ansel Adams ansehen.
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