Rhythmische Modibearbeiten
Kulintang-Musik hat aufgrund ihres Konzepts der rhythmischen Modi keine festgelegten Kompositionen. Ein rhythmischer Modus (oder Bezeichnung oder Genre oder Muster) ist definiert als eine musikalische Einheit, die das gesamte Ensemble mit fünf Instrumenten zusammenhält. Indem man die verschiedenen Rhythmen jedes Instruments addiert, kann man Musik erzeugen und indem man einen der Rhythmen ändert, kann man andere Musik erzeugen. Dies ist die Grundlage des rhythmischen Modus.
improvisationbearbeiten
Die Fähigkeit des Kulintang-Spielers, innerhalb der Parameter eines rhythmischen Modus zu improvisieren, ist ein Muss. Wie bei Gamelan-Orchestern hat jeder Kulintang-Modus eine Art Thema, das der Kulintang-Spieler durch Variationen der Ornamentik „verkleidet“ und Segmente manipuliert, indem er Wiederholungen, Erweiterungen, Einfügungen, Suspensionen, Variationen und Transpositionen einfügt. Dies liegt im Ermessen des kulintang-Spielers. Daher fungiert der Kulintang-Spieler nicht nur als derjenige, der die Melodie trägt, sondern auch als Dirigent des gesamten Ensembles. Sie bestimmt die Länge jeder Wiedergabe und kann den Rhythmus jederzeit ändern, beschleunigen oder verlangsamen, je nach ihrem persönlichen Geschmack und der Komposition, die sie spielt.
Diese Betonung der Improvisation war aufgrund der traditionellen Rolle der Musik als Unterhaltung für die gesamte Gemeinschaft wesentlich. Die Zuhörer im Publikum erwarteten, dass die Spieler sie überraschen und verblüffen würden, indem sie in ihrem eigenen einzigartigen Stil spielen und Improvisation einbeziehen, um neuere Versionen des Stücks zu erstellen. Wenn ein Spieler einfach einen vorhergehenden Spieler imitiert und Muster ohne Improvisation spielt, würden die Zuschauer glauben, dass er / sie sich wiederholt und banal ist. Dies erklärt auch, warum Bühnenbilder für Musikproduktionen in gewisser Hinsicht unterschiedlich sind – junge Männer / Frauen würden vor einer Veranstaltung üben und sich daher selten auf Improvisationen verlassen.
Maguindanao und Maranao Kompositionen
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Obwohl das Zulassen einer solchen Vielfalt von Rhythmen zu unzähligen Mustern führen würde, könnte man diese rhythmischen Modi im Allgemeinen anhand verschiedener Kriterien wie der Anzahl der Schläge in einer wiederkehrenden musikalischen Phrase, Unterschieden in den melodischen und rhythmischen Gruppen mit der musikalischen Phrase, Unterschieden in der rhythmischen Betonung und Unterschieden in den Eröffnungsformeln und Kadenzmustern kategorisieren. Für den Maguindanao lassen sich drei bis fünf typische Gattungen unterscheiden: Duyug, Sinulog, Tidtu, Binalig und Tagonggo. Die Maranao hingegen haben nur drei typische Genres – Kapromayas / Romayas, Kapagonor / Onor und Katitik Pandai / Kapaginandang.
Diese allgemeinen Gattungen könnten untereinander weiter in Stile / Unterkategorien / stilistische Modifikatoren gruppiert werden, die sich nach Instrumentierung, Spieltechniken, Funktion sowie Durchschnittsalter und Geschlecht der Musiker unterscheiden. Allgemein, Diese Stile unterscheiden sich durch das, was als traditionell oder „alt“ angesehen wird,Und zeitgenössischer oder „neu“.“
Alte Stile gelten als langsam, gut ausgeprägt und würdevoll wie das Kamamatuan des Maguindanao und das Andung des Maranao. Genres, die unter diesen Stil fallen, haben moderate Tempi, sind rhythmisch orientiert, ausgewogen, haben viele Improvisationen und werden normalerweise von den älteren Leuten gespielt und werden daher immer zuerst gespielt, um der älteren Generation den gebührenden Respekt zu zollen.
Neue Stile wie das Kagungudan des Maguindanao und das Bago des Maranao gelten als schnell, rhythmisch und auffällig. Im Allgemeinen haben Genres unter dieser Klassifikation schnellere Tempi mit einem Schwerpunkt auf Kraft und Geschwindigkeit, sind sehr rhythmisch und pulsierend und sind sehr improvisiert mit Musikern, die verschiedene rhythmische / melodische Formeln verwenden, die nicht mit alten Mustern verwendet werden. „Junge“ Musiker, insbesondere junge Männer, tendieren zu diesem Stil, weil er Wert auf Virtuosität und Individualismus legt. Im Allgemeinen gespielt, nachdem alle Kamamatuan-Stücke gespielt wurden, um jüngeren Musikern die Möglichkeit zu geben, teilzunehmen.Tagunggo kann nicht leicht in einen dieser Stile eingeteilt werden, da es eher ritueller als erholsamer Natur ist. Tagunggo ist ein rhythmischer Modus, der häufig zur Begleitung von Trance- und Tanzritualen wie Sagayan verwendet wird. Während des Spielens dieser Stücke tanzte ein Ritualspezialist im Rhythmus der Musik und rief die Hilfe von Ahnengeistern (Tunong) an.
Sulu-Typ Kulintangan Kompositionenbearbeiten
Sulu-Typ Kompositionen auf dem Kulintangan sind unter den Tausug, Samal, Yakan, Sama / Badjao, Iranun und Kadazan-Dusun gefunden. Obwohl es keine erkennbaren rhythmischen oder melodischen Unterschiede zwischen Mustern mit Namen wie dem Maguindanao gibt, hat jede Gruppe ihre eigenen Musikkompositionen. Zum Beispiel haben die Tausug drei identifizierbare Kompositionen – Kuriri, Sinug und Lubak-Lubak — die Yakan haben zwei — Tini-id und Kuriri — und die Dusun haben drei — Ayas, Kudidi und Tidung. Obwohl diese Melodien auch innerhalb von Gruppen wie den Maguindanao und Maranao variieren, ist ein Thema, das den Sulu-Typ auszeichnet, der Austausch kurzer melodischer Phrasen zwischen den Kulintangan und den Agungs, wobei beide Instrumente die Rhythmen des anderen sehr schnell imitieren und duplizieren. Dies zeigt sich deutlich in den Kompositionen Tausug Sinug und Yakan Tini-id und Kuriri, wo diese Art von Turnier zu einem Geschicklichkeitsspiel und virtuosem Spiel wird.
Kompositionstitelbearbeiten
Das Kulintang-Repertoire hat keine festen Labels, da die Musik selbst nicht als feste Einheit betrachtet wird. Aufgrund der Tatsache, dass es mündlich übertragen wird, wird das Repertoire selbst aus zwei Hauptgründen als etwas betrachtet, das sich immer im Fluss befindet. Erstens wurden standardisierte Titel nicht als Priorität angesehen. Obwohl die Melodien für die Musiker selbst ähnlich klingen würden, könnten die Etiketten, die sie auf einen bestimmten rhythmischen Modus oder Stil legen würden, sogar von Haushalt zu Haushalt innerhalb desselben Dorfes variieren. Für die Musiker liegt der Schwerpunkt auf der Aufregung und dem Vergnügen, die Musik zu spielen, ohne viel Rücksicht darauf, wie das Stück bezeichnet wurde. Zweitens, weil Musiker ihre Stücke regelmäßig improvisierten, wurden Modi und Stile ständig überarbeitet und geändert, als sie an eine neuere Generation von Musikern weitergegeben wurden, wodurch die Stücke und damit die mit ihnen verbundenen Etiketten nur während eines bestimmten Zeitraums relevant wurden.
Solche Probleme machten Versuche unmöglich, die Kompositionen einheitlich zu kodifizieren. Ein Beispiel dafür könnte unter den Maguindanao gefunden werden, wo das Wort Binalig von zeitgenössischen Musikern als Name für einen der rhythmischen Modi verwendet wird, die mit Kangungudan verbunden sind, aber es wurde auch als Begriff verwendet, der einen „neuen“ Stil bezeichnet. Ein weiteres Beispiel betrifft die Diskrepanz zwischen „alten“ und „neuen“ Genres. Mit „neuen Stücken“, die sich bis heute kontinuierlich vermehren, gelten Stücke, die erst vor Jahrzehnten entstanden sind, heute als „alt“, obwohl dies als jahrhundertealte Tradition gilt. Diese Unterschiede könnten manchmal die Diskussion über dieses Repertoire und die darin enthaltenen Modi und Stile etwas verwirrend machen.
Ursprung des Gongbearbeiten
Es wird angenommen, dass der Kulintang Gong selbst eines dieser ausländischen musikalischen Elemente war, die in die Kulintang-Musik integriert wurden, abgeleitet vom sundanesischen Kolenang aufgrund seiner auffälligen Ähnlichkeiten. Neben der Tatsache, dass sie in ihren jeweiligen Ensembles eine wichtige Rolle spielen, zeigen sowohl der Kulintang als auch der Kolenang eine auffallende Homogenität in sich verjüngenden Rändern (im Gegensatz zu stark verjüngten javanischen Bonang und nicht verjüngten laotischen Khong Vong Gongs). Sogar das Wort Kulintang ist vermutlich nur eine veränderte Form des sundanesischen Wortes Kolenang.
Es waren diese Ähnlichkeiten, die Theoretiker zu dem Schluss führten, dass der Kulintang ursprünglich während der Migration der Kolenang durch das malaiische Archipel auf die Philippinen importiert wurde. Basierend auf der Etymologie wurden zwei Routen als Route für den Kulintang nach Mindanao vorgeschlagen: Eine von Sunda, durch Banjermasin, Brunei und den Sulu-Archipel, eine Route, auf der das Wort „Kulintangan“ häufig für die horizontale Reihe von Gongs verwendet wird; Die andere von Sunda, Indonesien, Timor, Sulawesi, Molukken und Mindanao, wo das Wort Kolintang / Kulintang häufig gesehen wird.
FutureEdit
Die Tradition der Kulintang-Musik hat im gesamten östlichen malaiischen Archipel abgenommen und ist an einigen Orten ausgestorben. Sätze von fünf bronzenen Gong-Glockenspielen und einem Gong, aus denen die Totobuang-Ensembles der Insel Buru in Zentral-Maluku bestehen, wurden ebenfalls nicht mehr verwendet. Kolintang-Sets von Bossed Kettle Gongs wurden einst in Gorontalo gespielt, Vor langer Zeit in Nord—Sulawesi, aber das ist so gut wie verschwunden, Ersetzt durch das, was die Einheimischen derzeit kennen – ein Platteninstrument, das als Kolintang bekannt ist.
Das Ausmaß vergangener Kulintang-Traditionen auf den Philippinen, insbesondere auf den nördlichen und zentralen Inseln Luzon und den Visayas, wird aufgrund der harten Realität von dreihundert Jahren spanischer Kolonialisierung niemals vollständig bekannt sein. Die Tatsache, dass es Gebiete gibt, die die Kulintang-Tradition während der europäischen Kolonialisierung am Leben erhalten konnten, hat einige Beobachter dazu veranlasst, diese Musik treffend als „Musik des Widerstands“ zu bezeichnen.“
1968 eröffnete der bedeutende Ethnomusikologe Professor José Maceda an der Universität der Philippinen mit dem Kulintang-Meister Aga Mayo Butocan ein neues Interesse an Kulintang-Musik. Letzterer entwickelte ein Notationssystem und schrieb Palabunibunyan, eine Sammlung von Kulintang—Musikstücken aus Maguindanao – was das Studium zugänglicher machte. Außerdem betonte sie den Improvisationsaspekt der Aufführung auf dem Kulintang. Dies erhöhte seine Popularität bei Studenten aus dem ganzen Land.
Heute ist die Existenz der Kulintang-Musik durch den Einfluss der Globalisierung und die Einführung westlicher und ausländischer Ideale in die Region bedroht. Jüngere Generationen würden lieber amerikanische Musik hören oder mit anderen Kindern auf der Straße Fahrrad fahren, als Zeit damit zu verbringen, die traditionellen Instrumente ihrer Eltern zu üben und nachzuahmen.
Die philippinische Kulintang-Musik hat aufgrund der Arbeit des in den Philippinen geborenen US-Amerikaners eine Art Wiederbelebung erfahren.-ausgebildete Musiker / Ethnomusikologen Meister Danongan „Danny“ Kalanduyan und Usopay Cadar, sowie ihr Vorgänger Professor José Maceda. Durch die Arbeit von Professor Robert Garfias begannen sowohl Cadar als auch Kalanduyan im späten 20.Jahrhundert, traditionelle Kulintang-Musik in den Vereinigten Staaten zu unterrichten und aufzuführen; Ganz unerwartet wurde die Musik zu einer Brücke zwischen der zeitgenössischen philippinisch-amerikanischen Kultur und alten philippinischen Stammestraditionen.
Sowohl Kalanduyan als auch Cadar waren beeindruckt, dass so viele Menschen ohne Maguindanaon- oder Maranao-Hintergrund und einige, die nicht einmal Filipino sind, zu engagierten Studenten und Unterstützern ihres kulturellen Erbes geworden sind. Eine weitere Überraschung kam, nachdem eine jahrzehntelange Reihe von in Amerika ansässigen Kulintang-Studenten nach Mindanao gereist war, um aufzutreten, eine kulinarische Renaissance auf den Philippinen auslösen. Die Grundlage für diese Renaissance entstand bereits 1978 durch die Arbeit eines der frühen Kulturpioniere und Aktivisten unter den philippinischen Amerikanern, Robert Kikuchi-Yngojo. Es war sein Engagement in den frühen 80er Jahren, das das kulturelle Bewusstsein in der Fil-Am-Gemeinde von San Franccisco schuf, das eine kulturelle Bewegung auslöste. Das Wissen von Außenstehenden, die traditionelles Kulintang spielen, hat die jüngere Generation von Musikern auf den Philippinen ermutigt, sowohl in Mindanao als auch in Taguig, Metro Manila. Begeisterte Wertschätzung durch Ausländer hat eine sterbende Tradition zum Leben erweckt, und die Musik ist zu einer verbindenden Kraft in der philippinischen Diaspora geworden. Zum ersten Mal in der Geschichte wird Kulintang-Musik jetzt Musikstudenten an mehreren Universitäten in Metro Manila offiziell beigebracht.
