In den letzten zehn Jahren hat die deutsche Künstlerin Jana Euler ein eklektisches Stillexikon erarbeitet, um die Mechanismen zu sezieren, durch die Kunst Wert zugewiesen wird. Für ihre aktuelle Ausstellung in der Galerie Neu in Berlin präsentierte sie acht große Gemälde von Haien. Die Schweizer Kuratoren Tenzing Barshee und Fabrice Stroun trafen sich, um über die ideologischen Implikationen ihrer Arbeit und den einzigartigen Platz zu sprechen, den sie im Bereich der figurativen Malerei einnimmt.
Tenzing Barshee: Wann sind Sie Jana Eulers Arbeiten zum ersten Mal begegnet?
Fabrice Stroun: Anfang 2012, als du und ich anfingen, über ihre Bilder zu sprechen, schien es mir, dass jedes ihrer Werke von etwas handelte. Einige von ihnen hochqualifiziert, andere viel weniger. Sie arbeitete mit einer ganzen Tüte malerischer Tricks. Jedes Zeichen schien einem analytischen Zweck zu dienen. Malerische Effekte schienen eher Mittel zum Zweck als nur Show zu sein. Ich erinnere mich, dass wir beide schätzten, wie unpräziös sie aussahen.
TB: Wahr. Sie brachten eine gut getimte Sicht auf Fragen der Repräsentation. Was ist mit diesem scheinbaren Mangel an Kostbarkeit? Kannst du das näher erläutern und fühlst du dich rückblickend immer noch so?
FS: Die Bilder sind mit der Zeit artikulierter geworden, was zu einem Problem werden könnte, aber im Wesentlichen ja. Inhalt über Haltung. Ein Teil dieses Gefühls war umständlich. Als ich anfing, ihre Arbeit zu betrachten, betrachteten viele andere deutsche Maler in ihrem Alter noch Künstler von Kippenbergers Generation als plausible Modelle und dachten, ihre stilistischen Bedenken und Dandy-Persönlichkeiten könnten irgendwie nachgeahmt werden. Sie hat ihren Fuß nicht in dieses Loch gesteckt. Ihre Bilder waren schlau, sehr lustig und auf ihre ganz eigene gefrorene Weise ziemlich schön.
TB: Beziehen Sie ihre Arbeit auf die sogenannte schlechte Malerei, ein Konzept, auf das Sie oft Bezug genommen haben?
FS: Nicht wirklich. Bad Painting bezieht sich auf einen spezifischen Moment in der Rezeption im Wesentlichen formalistischer, neo-expressionistischer Praktiken, die in den späten 1970er Jahren in den Vereinigten Staaten zusammenflossen. Heute ist die Verwendung dieses Begriffs nur in einem hyperregionalen nordamerikanischen Kontext sinnvoll. Die einzige zeitgenössische Künstlerin, die mich wirklich interessiert und die möglicherweise noch dazu passt, ist Gina Beavers, die gerade auch in Berlin zu sehen ist . Es tut mir leid, dass ich es verpasst habe. In Deutschland arbeiteten in den späten 70er Jahren auch eine Reihe von Künstlern in ähnlicher Weise, wenn auch aus radikal politischen Gründen. Rückblickend sind sie die letzte europäische Generation, die historischen Anti-Establishment-Positionen, die seitdem gewachsen und abgenommen haben, eine explizite malerische Form gibt.
TB: Ich möchte auf Ihr Urteil über Eulers Zeitgenossen zurückkommen. Worüber Sie sprechen, wenn ich das richtig verstehe, ist die Akademisierung eines Punk-Ethos.
FS: Ja, aber als Eulers Praxis auftauchte, war dieses Problem bereits zwanzig Jahre alt. Mitte der 1990er Jahre hatte sich die überwiegende Mehrheit der ursprünglichen Punkkünstler bereits zu Tode klassifiziert. Und dann ist da noch das ganze „Spirit of Cologne“-Ding, das, was die Malerei betrifft, diesen Akademisierungsprozess endgültig zementiert hat. Im Jahr 2012 schien Euler eine relative analytische Erholung von dieser Sackgasse Erzählung zu bieten.
TB: Richtig, aber ich stimme Ihnen nicht zu, dass Eulers Praxis so analytisch, so kalt ist. Das Werk hat eine performative Dimension. Für mich repräsentiert es nicht einfach eine Idee, Position oder Absicht. Sie webt Bedeutungsebenen, indem sie verschiedene Maltechniken moduliert. Euler zeigt eine echte sensible und konzeptuelle Intelligenz in der Art und Weise, wie sie ein Bild aus der Geschichte der Malerei konstruiert. In der Show, die wir heute gesehen haben, gibt es Fischbilder mit Sprühfarbe, die wie etwas auf einer Kirmes aussehen …
FS: … wie die Fassade eines Spukhauses.
TB: Aber Sie haben auch ein Gemälde, das im neoklassizistischen Stil des 19. Die Heterogenität ist bemerkenswert.
FS: Ihre Virtuosität ist elastisch.
TB: In Deutschland ist die Malkultur im Wesentlichen geschlechtsspezifisch. Es gibt den vorherrschenden Mythos, dass eine expressive Geste die Gewalt der Geschichte oder alternativ ihre alkoholische / anarchistische Negation enthält. Beide Traditionen sind in eine im Wesentlichen männliche Erzählung eingebettet. Jetzt haben wir also einen jüngeren Künstler, der eine Machtposition beansprucht, wenn auch nur in Bezug auf die Größe. Die Fischbilder sind wirklich große Dinge.
FS: Es ist verblüffend, dass diese phallokratische Wahrnehmung anhält. Trotz der historischen Tatsache, dass in den letzten Jahrzehnten in Deutschland die beeindruckendsten Gemälde alle von Frauen gemacht wurden. Allen voran Jutta Koether, für die ich eine quasi-religiöse Ehrfurcht habe. Es gibt kein Werk von ihr, das ich nicht bedingungslos liebe. Und dann gibt es Künstlerinnen wie Monika Baer oder Amelie von Wulffen, die, glaube ich, wirklich zukunftsorientiert sind. Und exzentrischere Stimmen wie die von Katharina Wulff sind genauso interessant. Die Liste geht weiter.
TB: Michaela Eichwald oder Heike-Karin Föll kommen mir in den Sinn.
FS: Ich spreche speziell von der gegenständlichen Malerei, die ihre eigene historische Last trägt.
TB: Offensichtlich wirft es einen langen Schatten. Also hier sind wir. Wir betreten die Galerie Neu und sehen acht riesige Gemälde von Meereslebewesen. Aber tatsächlich sehen sie aus wie harte Schwänze. Acht riesige explosive Schwänze. Sie sehen auf die karikativste und lächerlichste Weise beängstigend aus.
FS: Viele von ihnen sehen tatsächlich irgendwie erbärmlich aus.
TB: Es ist lustig, dass sie sie explosiv gemacht hat. Im Gegensatz zu einem tatsächlichen Penis, der Flüssigkeiten verteilt, platzen sie selbst aus dem Wasser. Sie sind nicht hier, um etwas zu besamen, sie werden vom Ozean ausgespuckt. Ich frage mich, ob dies als Metapher für die Adoleszenz oder das Aufkommen der Macht selbst gelesen werden kann. Die Sache ist, Euler ist sich genau bewusst, wie zeitgenössische Bilder entstehen und wie sie verteilt werden und wie sich dies auf die Dynamik des sozialen Lebens bezieht. Ich habe immer geschätzt, wie sie mit dem Spannungsfeld zwischen Sprache und Bildern umgeht. Was ich zum ersten Mal von der Ausstellung hörte, war, dass sie Gemälde von Haien gemacht hatte und dass der Titel der Show „Great White Fear“ war.
FS: So lustig.
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TB: Vittorio Brodmann, unser Malerfreund, erzählte mir, dass die „Große weiße Angst“ ihn an die weiße Leinwand denken lässt. Die Frage, wie man ein Motiv zum Malen findet.
FS: Die Tatsache, dass es in diesen Werken neben vielen anderen Dingen so offensichtlich um Malerei geht, könnte für mich ihre größte Achillesferse sein. Erinnerst du dich an die Szene im Film Superbad (2007), als Seth sein gesamtes Notizbuch mit Schwanzzeichnungen füllt?
TB: Ja! Der Charakter, gespielt von Jonah Hill, gibt zu, wie er als jüngerer Junge obsessiv Bilder von Schwänzen gezeichnet hatte. Die Szene ist gut eingerichtet. Als er gesteht, fragt sein bester Freund erstaunt: „Schwänze? Wie ein Mann dick?“
FS: Es gibt eines der Fischbilder, auf dem die beiden Augen dich direkt ansehen und sagen: „Duuuuh“.
TB: Das Selbstporträt?
FS: So nennst du das?
TB: Mir wurde gesagt, es sei einer.
Rumpfstation: Es ist die eine Arbeit in der Show, die Sie offensichtlich zum Witz einlädt.
TB: Letzten Herbst traf ich John Kelsey in Berlin. Ich fragte ihn: „Wie geht es New York?“ Er sagte: „Gelähmt“. Ich denke, er hat genauso viel darüber gesprochen, wie sich das aktuelle politische Klima anfühlt, als würden wir in einer Karikatur leben, wie sich das überhitzte Gespräch über Identitätspolitik auf die Sprache der Menschen und die Arbeit der Künstler auswirkt. Die Leute haben Angst, das Falsche zu tun oder zu sagen. Mit „Great White Fear“ zwingt uns Euler meiner Meinung nach, über diese Situation nachzudenken.
FS: Sicher. Jahrzehntelang kam moralische Zensur von der politischen Rechten. Jetzt kommt es aus unserer Mitte. Es ist ein komplexes Thema. Diese Selbstzensur ist eine toxische Nebenwirkung eines Kampfes, an den Sie und ich tatsächlich glauben. Wir müssen systemische Verhaltensweisen der Unterdrückung bekämpfen. Die Frage ist, wie können wir das Badewasser loswerden, ohne das Baby wegzuwerfen? Ich frage mich, was diese acht gigantischen Schwänze uns sagen wollen, mit denen wir noch nicht einverstanden sind.
TB: Ich bin mir nicht sicher, ob sie so gerecht sind, wie du sie machst. Ihr Humor eröffnet eine Reihe von Interpretationsmöglichkeiten. Es gibt offensichtlich voreingestellte Pointen, aber diese sind so deadpan, dass sie nicht als maßgebend angesehen werden können. Ich liebe zum Beispiel die Tatsache, dass sie 2013 ein Whitney Houston-Porträt im Whitney Museum ausgestellt hat. „Whitney im Whitney“. Es ist zu deadpan, viel zu flach, um maßgebend zu sein.
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FS: In dieser Hinsicht ist es interessant, einen Vergleich mit den Werken von Mathieu Malouf anzustellen, die wir auch heute gesehen haben .
TB: Sie haben diese beiden Künstler als Moralisten bezeichnet. Was wollt ihr damit sagen?
Rumpfstation: Sie sind beide Satiriker, sie spielen beide mit unseren jeweiligen moralischen Bedenken. Aber die Art und Weise, wie sie Ironie ausüben, ist ganz anders. Ich würde Euler als kritisch oder konstruktiv bezeichnen. Es soll etwas artikulieren, eine Struktur offenbaren. Malouf hingegen hat eher einen Ansatz der verbrannten Erde. Seine Arbeit gibt nicht einmal vor, etwas zu erklären. Ich stimme Ihnen zu, dass Eulers Werke letztendlich nicht maßgebend sind. Aber – und es ist Teil ihrer Anziehungskraft, und ihre Schönheit – sie sind so selbstbewusst. In Maloufs Fall, und das ist sein Appell, ist das Minimum an Selbstbeherrschung, das für jede Art von autoritativer Äußerung erforderlich ist, von Anfang an aus dem Fenster. Es wird zusammen mit seinen Zielen ausgelöscht.
TB: Euler stellt in ihrer Pressemitteilung richtig fest, dass, wenn sie nicht beschrieben wird, nichts in den Fischgemälden ist, was Sie nicht sehen oder verpassen würden. Nochmal, super deadpan, während Malouf leicht höllisch ist, gelinde gesagt. Seine Praxis ist eine Form des Trolling.
FS: Trolling ist ein Mittel zum Zweck, man muss sich seine tatsächlichen Bilder ansehen. Das Gefühl der Versetzung, das ich in seiner jüngsten Umfrage im Le Consortium in Dijon, kuratiert von Stéphanie Moisdon, erlebte, war intensiv. Ich fühlte mich wie ein Philip K. Dick-Charakter, der, wenn sich die Realität auflöst, nicht sicher ist, ob er am Rande einer neuen Welt steht oder bereits auf seinem Sterbebett und halluziniert.
TB: Für Sie war es ein wahrer Genuss, beide Ausstellungen am selben Tag zu sehen, oder?
FS: Zwei legitime figurative Malerei-Shows auf einmal sehen? Es ist mir schon lange nicht mehr passiert. Ich dachte immer wieder an ein David Salle-Interview, das ich Ende der 80er Jahre gelesen hatte, wo er seine Beziehung zu Morandi und de Chirico verglich. Wenn ich mich recht erinnere, sagte er etwas in dem Sinne, dass er, als er vor Morandis Werken stand, sie hinreißend schön und perfekt fand, aber dann, als er den Raum verließ, verschwanden sie aus seinem Kopf. Im Gegenteil, er fand de Chirico Malerei immer sehr problematisch und weit weniger attraktiv, da sie die Spuren all seiner Streitereien mit der Kunstwelt seiner Zeit behielten, mit der er eine Partitur hielt. Aber sobald sie aus seinen Augen waren, konnte er nicht aufhören, an sie zu denken.
TB: Wenn ich Ihre frühere Unterscheidung kaufe, bin ich eher geneigt, über Kunst nachzudenken, die kritisch oder konstruktiv ist, anstatt über Taktik der verbrannten Erde. Aber wir sollten die Praxis dieser Künstler nicht zu stark vereinfachen. In Eulers Fall müssen Sie zustimmen, dass ihre Arbeit perverser polysemisch ist, als Sie es anerkennen. Ich würde sagen, es ist interessant, ihre Ausstellung the Shark-cocks , die Darstellungen von Macht und ihre Albernheit in Kombination mit dem Titel zu betrachten und wie sie ein größeres Gespräch über Moral anzapfen.
FS: Sie ärgern uns sicherlich, diese Diskussion zu führen.
TB: Wie Honig gefangen.
FS: Es sind drei Meter hohe Hähne. Wenn das keine Honigfalle ist, weiß ich nicht, was.
TENZING BARSHEE ist freier Autor und Kurator bei Sundogs in Paris.
FABRICE STROUN ist ein unabhängiger Kurator mit Sitz in Genf, Schweiz.
JANA EULER wurde 1982 in Friedberg geboren und lebt in Frankfurt und Brüssel.
Aktuelle Einzelausstellungen fanden 2017 in der Galerie Neu in Berlin (2019), Dépendance, Brüssel (2018), im Stedelijk Museum in Amsterdam und in der Cabinet Gallery, London, statt. Unter anderem nahm sie 2019 an „The Violence of Gender“, JC Contemporary (Tai Kwun), Hongkong, und „January“, Dépendance, Brüssel, teil; 2018 an „Optik Schröder“ II, Mumok, Wien; „The Absent Museum“, WIELS, Brüssel, und „Infected Foot“, Greene Naftali, New York, 2017; und „Painting 2.0“ im Mumok in Wien 2016.
Vertreten durch Galerie Neu (Berlin), Dépendance (Brüssel) und Cabinet (London).
