In den letzten fünf Jahren war Katherine French in ihrer Rolle als Direktorin des Danforth Museum of Art in Framingham, Massachusetts, führend in der Kunstszene Neuenglands. Dort kuratierte sie zahlreiche Ausstellungen, unter anderem zum Bostoner Expressionismus. 2007 erhielt sie einen Preis für kuratorische Exzellenz vom New England Chapter der International Association of Art Critics. 2010 wurde sie bei den New England Art Awards zur besten Kuratorin für lokal gemachte Kunst ernannt und von der Boston University als Distinguished Alumna ausgezeichnet. Unter ihrer Leitung wurde das Danforth Museum of Art von der Massachusetts Arts Education Collaborative zu einer herausragenden Kulturorganisation ernannt.
Aus diesen und weiteren Gründen habe ich mich entschieden, Französisch zu interviewen. Vor allem wollte ich erfahren, wie sie die Ressourcen und das Engagement erworben hat, um ein Ho-hum-Museum in ein lebendiges, reaktionsschnelles Kunsterlebnis zu verwandeln.
LOIS TARLOW: Woher kommst du?
KATHERINE FRANZÖSISCH: Ich komme aus einer langen Reihe von Arbeiterklasse Vermonters. Als Kind war Kunst wirklich nicht Teil meines Lebens. Ich habe keine Museen besucht, aber die Schönheit der Region Neuengland, besonders in der Nähe des Lake Willoughby, im nordöstlichen Königreich Vermont, wo meine Eltern jetzt leben. Dies beeinflusst sicherlich meine Sicht auf die Welt und meine Art, Natur und Landschaft zu beobachten.
Erzählen Sie uns von Ihrer Ausbildung.
Ich absolvierte die University of New Hampshire in 1975 als Teil ihrer ersten BFA-Klasse. Ich studierte bei Sigmund Abeles, John Hatch und Conley Harris. Mit Ausnahme von Hatch hatten sie alle an der Boston University unterrichtet und näherten sich der Kunst mit einem starken Interesse am Bildmachen. Hatch hatte während des Zweiten Weltkriegs im Pazifikfeldzug als Kartentopograph gedient und Nicolaïdes ‚Methode des Konturzeichnens verwendet, um die Hand-Auge-Koordination zu lehren. „Es ist nicht Zeichnen, was du lernst“, würde er sagen, „es ist Sehen.“ In seiner Klasse habe ich gelernt, visuell zu denken, meine Sichtlinie auf die Seite zu übersetzen. Ich erinnere mich, dass ich beim Zeichnen gedacht habe, meine Güte! Ich bin in der Lage, meine Vision aufzuzeichnen, aufzuschreiben, was ich sehe. Für mich war das genauso grundlegend wie das Lesen und Schreiben zu lernen.
Können Sie das erklären?
In unserer Kultur akzeptieren wir, dass die meisten Erwachsenen in der zweiten oder dritten Klasse zeichnen, ungefähr in dem Alter, in dem das Lesen die Oberhand gewinnt. Wenn sie anfangen, mit dem Zeichnen zu kämpfen — genau in der Zeit, in der sie die Dinge real aussehen lassen wollen —, helfen wir ihnen nicht über den Berg. Nur wenige Kinder lesen, ohne lesen zu lernen, und einige kämpfen damit. Was wäre, wenn wir ihnen sagen würden, Wir würden uns nicht die Mühe machen, Ihnen das Lesen beizubringen, weil Sie kein Schriftsteller werden. Aber genau das machen wir, wenn es ums Zeichnen geht. Anstatt zu sagen, Das ist okay, mach dir keine Sorgen über das Zeichnen — du wirst kein Künstler sein — wir sollten erkennen, dass Zeichnen ein wichtiges Werkzeug sein kann, um Erfahrungen aufzuzeichnen. Die Welt wäre sicherlich bereichert, wenn jeder visuell kommunizieren könnte.
Was hast du nach dem Studium gemacht?
Ich ging nach New York, um Künstler zu werden, bekam aber einen Job in der Frick Collection, wo ich Studienfotos für Kunsthistoriker katalogisierte — männliches oder weibliches Porträt, Kopf nach links oder rechts schauend, Kopf mit Händen, Kopf ohne Hände. Jeden Morgen nahm ich den Zug von Bedford Stuyvesant nach Manhattan, was wie eine Reise in ein anderes Land war. Ich besuchte Museen und erinnere mich an Mark Rothko im Guggenheim und Louise Bourgeois im MoMA. Ich sah Robert Wilsons Einstein am Strand im Lincoln Center und Spaulding Gray am Broadway — beides visuelle Erlebnisse. Ann Sutherland und Linda Nochlin, die gerade ihre bahnbrechende Ausstellung über Künstlerinnen und feministische Malerinnen präsentiert hatten, erlangten Anerkennung. In den siebziger Jahren nahmen die Menschen die Repräsentation wieder ernst, zum Teil wegen der Age of Revolution-Show, die eine Verbindung zwischen französischer Geschichtsmalerei und Erzählung herstellte. Ich konnte Arbeiten von Künstlern wie Fairfield Porter und Louisa Matthíasdóttir sehen, aber auch politisch orientierte Arbeiten von Nancy Spero und Leon Golub.
Klingt, als wäre New York eine gute Erfahrung.
Wenn man auf dem Land aufwächst, denkt man, das Leben findet woanders statt. Ich zog nach New York, weil ich fühlte, dass es der Ort war, an dem echte Dinge passierten. Wenn ich zurückblicke, weiß ich, dass überall, wo ich hinging, echte Dinge passierten. Aber ich habe meine Zeit in New York so sehr geschätzt – die schiere Intensität davon.
Erzählen Sie uns von Ihrem Umzug nach Boston im Jahr 1977.
Es war wie nach Hause zu kommen. Ich begann als Dia-Bibliothekar an der School of Fine Arts der Boston University zu arbeiten, und ich war eine Fliege an der Wand, als die Fakultät Ad-hoc-Treffen in der Bibliothek abhielt. Ich saß an meinem Schreibtisch und hörte erstaunliche Gespräche zwischen Philip Guston, Joe Ablow oder David Aronson. Arthur Polonsky, Jim Weeks und John Wilson erzählten mir von Kunst. Sie alle baten um spezifische Folien für ihre Klassen. Manchmal neigen wir dazu, Künstler aus dieser Gruppe in einen Topf zu werfen. Die zweite Generation der Bostoner Expressionisten unterschied sich oft radikal voneinander. Ich fühlte mich privilegiert, für sie zu arbeiten. Als ich hörte, wie sie über Beckmann diskutierten, war es wie ein Senior-Tutorial in der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts.
Was hast du sonst noch bei BU gemacht?
Dank Studienerlass absolvierte ich zwei Masterstudiengänge an der BU, zuerst in kreativem Schreiben (Arbeit mit Leslie Epstein, John Irving und Richard Yates) und später in Studio Arts Education (Arbeit mit Jan Olson). Diese folgten natürlich aus meinem Studium an der UNH, wo ich Doppelabschlüsse in Kunst und Englisch erhalten hatte. Durch das Studium der Malerei und des kreativen Schreibens suchte ich in zwei verschiedenen Bereichen, um an denselben Ort zu gelangen. Ich interessierte mich für komplexes, gegenständliches Geschichtenerzählen, dafür, in einem Gemälde oder Roman eine ganze Welt erschaffen zu können. Obwohl ich kein Maler, Schriftsteller oder Lehrer geworden bin, ist mir meine Ausbildung in bildender und sprachlicher Kunst wichtig. Ich benutze es täglich. Ich bin kein Künstler, sondern ein Dolmetscher. Ich schaffe Situationen, in denen Kunst gedeihen kann.
Du hast nicht immer in Boston gelebt. Sie haben Zeit in Europa verbracht.
Eine Zeit lang arbeitete ich in London an einer Jobbörse mit einem Folienbibliothekar am North East London Polytechnic. Ein ganzes Jahr lang lebte ich in ihrer Wohnung in Hackney und machte ihren Job. Sie lebte in meiner Wohnung in Cambridge und machte meinen Job. Ich habe wunderbare Freunde gefunden – Künstler, Silberschmiede, Musikinstrumentenbauer – und erlebt, wie es ist, außerhalb der eigenen Kultur zu leben. Dies ermöglichte es mir, meine eigene Person zu werden, eine Autorität für mich selbst zu sein. Während dort, Ich traf auch meinen Mann, ein Konservator für antike Musikinstrumente, der sein Geschäft nach Boston verlegte, nachdem wir geheiratet hatten. Ich arbeitete weiter bei BU, auch nachdem meine beiden Töchter geboren wurden. Ich weiß, dass viele Frauen das Gefühl haben, dass Kinder ihren Fortschritt in der Kunst behindern. Meine Kinder halfen mir zu verstehen, wie man sieht. Kinder kritzeln oder zeichnen in der Minute, in der sie ein Objekt aufnehmen — noch bevor. Ein Baby, das mit den Armen winkt oder in die Luft schlägt, prägt die Welt — es ist wirklich frühe Performancekunst.
War das, als Sie sich für Bildung interessierten?
Ja, ich nahm an Graduiertenkursen des Arts Education Program an der BU teil und unterrichtete freiwillig Kunstkurse an der Schule meiner Kinder (ein zweisprachiges haitianisch-kreolisches Programm in Cambridge) oder im Sommer Community Art Classes in Nord-Vermont. Dann, in den frühen 90ern, bekam ich den Job, die Sherman und 808 Galerien an der BU zu leiten und begann, Alumni-Shows zu kuratieren. Ich fing an, professionellere Shows zu machen, eine Neil Welliver Umfrage oder die Boston Printmakers Biennale. Ich wurde für einen intensiven Workshop ins Smithsonian geschickt und begann mich als Museumsprofi zu betrachten. Anstatt Fiktion zu schreiben, schrieb ich kuratorische Essays über Künstler und ihre Arbeit.
Ungefähr zu dieser Zeit verließen Sie BU und gingen nach Montserrat.
Ja, ich nahm 2002 eine Stelle als Galeriedirektorin am Montserrat College of Art an und begann mich in erster Linie als Kuratorin zu verstehen — jemand, der interpretieren kann, was ein Künstler tut, und den kreativen Prozess schärfer in den Fokus rücken kann. Künstler können ganz gut ohne Kuratoren existieren, aber Kuratoren können nicht ohne Künstler existieren. In gewisser Weise benehme ich mich so, wie es ein guter Redakteur für einen Schriftsteller tun würde. Wie auch immer, ich bin ein viel besserer Kurator, weil ich Zeit in Montserrat verbracht habe. Bei BU verstand ich den Prozess von innen und außen, den Akt des beobachtenden Zeichnens und Malens. In Montserrat beschäftigte ich mich mit Video und Installation und mit Künstlern, die auf eine Weise arbeiteten, von der ich nie erwartet hatte, dass sie darüber nachdenken. Montserrat wurde meine Graduiertenschule für kuratorische Studien, und ich wäre geblieben, wenn ich nicht Direktor dieses Museums geworden wäre.
Erzählen Sie uns von der Danforth.
Hier habe ich ein natürliches Zuhause in einem Gemeinschaftsmuseum gefunden, das keineswegs elitär ist. Mein Freund John Stomberg (jetzt stellvertretender Direktor des Williams College Art Museum) warnte mich, dass dies der Job meines Lebens sein könnte. Das hat sich als wahr herausgestellt. Die Institution wird über meine Amtszeit hinaus Bestand haben, und ich bin wirklich zufrieden zu wissen, dass ich dazu beigetragen habe, einen Ort für Künstler zu schaffen.
Du hast im Danforth hart gearbeitet. Was kommt als nächstes am Horizont?
Ich arbeite hart, aber das ist wichtiger als nur ich. Eine Person kann es nicht alleine schaffen. Als Community-Aktivistin begeistere ich die Leute für eine Künstlerin wie Joan Snyder und schaffe einen Ort, an dem ihre Show stattfinden kann. Ich lasse das undichte Dach reparieren. Ich stelle genug Personal für Bildungsprogramme ein. Ich leugne nicht, dass ich Dinge vorantreibe. Einige meiner Mitarbeiter fragen sich, wann dies aufhören wird. Das Museum kann jedoch nicht weiter existieren, es sei denn, dieses Gebäude erhält Aufmerksamkeit, und ich bin entschlossen, unsere Einrichtungsprobleme zu lösen. Wenn Sie fragen, ob ich woanders hingehen könnte, sehe ich es einfach nicht. Ich habe keinen Geschmack dafür, irgendwohin zu gehen, wo es keine Probleme zu lösen gibt. Es wäre einfach nicht so interessant.
Was unterscheidet das Danforth von anderen Museen?
Dieses Museum hat die regionale Kunst auf eine Weise angenommen, die uns einzigartig macht. Ich bin sehr inspiriert von Atelierbesuchen, um Künstler in Neuengland zu sehen, und ich bin überzeugt, dass einige der besten zeitgenössischen Kunst direkt in unserem eigenen Hinterhof gemacht wird — und erscheint in unseren jährlichen Off the Wall Ausstellungen. Und wir haben dem Bostoner Expressionismus ein Zuhause gegeben. Ich habe ein ernstes Interesse an Boston Künstler und nähern sich ihr zu wissen, wie es ist, ein Maler gewesen zu sein. Aber es gibt nicht nur eine Geschichte, es gibt viele. In der verbleibenden Zeit hoffe ich, ein Buch zu schreiben, das einige
dieser Geschichten hinter dem Bostoner Expressionismus erzählen würde. Ich würde gerne dieses Buch schreiben.
Lois Tarlow ist Künstlerin, Schriftstellerin, Lehrerin und Vogelbeobachterin.
