Geschrieben von Milner Fuller. Posted in Blog
Wer ist dein Lieblingsjazzpianist?
Wer ist dein Lieblingskomponist?
Dies sind Fragen, die am häufigsten unter Musikliebhabern gestellt werden. Seltener werden die Fragen umgekehrt. Warum? Jazz ist ein auf Interpreten ausgerichtetes Genre, während Klassik den Komponisten betont.
Für einen Jazzpianisten sind Komponieren und Musizieren eins in einem. Der Komponist / Musiker Gunther Schuller schrieb einmal, dass „Improvisation das Herz und die Seele des Jazz ist“, und David Baker würde argumentieren, dass Improvisation der Eckpfeiler der Jazzausbildung sein sollte. Die improvisatorischen Wurzeln des Jazz liegen darin, wie viele Stücke notiert sind: Anstatt jede Note aufzuschreiben, Jazzkünstler verwenden oft Bleiblätter, die die Melodie und einen breiten Überblick über die Harmonie bieten. Es ist Sache des Darstellers, die Lücken zu füllen. Ein vertrauter Standard könnte auf der Seite ungefähr so aussehen:
Lead Sheets geben Jazzmusikern viel Freiheit. Sie erhalten eine Melodie und einige Akkorde, und der Rest liegt beim Musiker. Es folgen zwei Interpretationen dieses Cole Porter Klassikers:
2015 American Pianists Awards Gewinner Sullivan Fortner
Cy Walter
Man vergleiche dies mit der sehr detaillierten Niederschrift etwa eines Liedes von Anton Webern aus seinem Opus 12 („Schien mir’s, als ich sah die Sonne“).
Beachten Sie in Weberns Lied, Jede einzelne Note hat eine Art zusätzliche Markierung. Der Komponist hat die Kontrolle über jede Tonhöhe, Rhythmus, Dynamik, Tempo, Artikulation und Phrasierung übernommen. Er überlässt fast nichts dem Zufall (außer vielleicht der Fähigkeit eines Musikers, jedes Detail auf einmal zu realisieren). Das Webern-Beispiel ist extrem, aber im Allgemeinen ist die klassische Notation weitaus detaillierter als der Jazz.
Die Aufgabe des Jazz-Performers war es schon immer, ein Musikstück so kreativ und individuell wie möglich zu realisieren. Während die Interpreten auf Traditionen zurückgreifen, die über Generationen von Jazzmusikern weitergegeben wurden, werden keine zwei Jazzmusiker (wenn sie gut sind) ein Stück auf die gleiche Weise aufführen. Angesichts des improvisatorischen Aspekts der Jazzperformance klingen zwei Aufführungen desselben Stücks desselben Künstlers selten genau gleich.
John Salmon, Freund und häufiges Jurymitglied der American Pianists Association (sowohl Jazz als auch Klassik), schreibt: „Die Tradition, sich auf den Jazzperformer und nicht auf das Werk zu konzentrieren, das aufgeführt wird, ist der Kern und Beginn der gesamten Jazztradition. Jazzpianisten versuchten immer, sich gegenseitig zu übertreffen, wie bei den berühmten Harlem Rent Parties, als Pianisten im Grunde gegeneinander antraten und der extravaganteste und virtuoseste Pianist die Ehre der Nacht gewinnen würde. Virtuosität stand schon immer im Mittelpunkt der Jazzkünstler. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker und John Coltrane hatten mächtige Koteletts. Es gab zwar Ausreißer, darunter den wehmütigen und entschieden nicht virtuosen Saxophonisten Paul Desmond und die gedämpfte, lyrische Billie Holiday. Aber selbst in diesen Fällen lag der Fokus unweigerlich darauf, wie sie Jazzstandards interpretierten, fast mehr als der Jazzstandard selbst.“
Es gibt viele Denkschulen in der klassischen Aufführung, und die Ästhetik ändert sich im Laufe der Zeit erheblich. Musik früherer Epochen wurde im 19.Jahrhundert populärer, als ein Kanon der Literatur gegründet wurde, und die damaligen Interpreten hatten kein Problem damit, den Klassikern ihre eigene Note zu geben, oft Markierungen zu ignorieren und sogar Noten zu wechseln. Gustav Mahler arrangierte sogar Werke, darunter Symphonien von Beethoven, neu und „korrigierte“ Bereiche, die unter den Einschränkungen des Orchesters des frühen 19. Mahler würde argumentieren, dass diese „Korrekturen“ dem Geist des Komponisten entsprachen — er wollte einfach Schichten in der Partitur hervorheben.
Im frühen 20.Jahrhundert wurde der vom Dirigenten Arturo Toscanini populär gemachte Satz come scritto (as written) zu einer populären Ästhetik. Sviatoslav Richter würde diese Technik auf das Klavier anwenden. Über seine Herangehensweise an die Aufführung schrieb er: „Der Interpret ist wirklich ein Vollstrecker, der die Absichten des Komponisten buchstabengetreu ausführt. Er fügt nichts hinzu, was nicht bereits in der Arbeit ist. Wenn er talentiert ist, erlaubt er uns, die Wahrheit der Arbeit zu erblicken, die an sich eine Sache des Genies ist und die sich in ihm widerspiegelt. Er sollte die Musik nicht dominieren, sondern sich in ihr auflösen.“
Hier ist ein Beispiel von Richter, der Bach spielt:
Während Toscanini und Richter eine Textinterpretation verkörpern würden (wir könnten sie die Scalias der Musik nennen), neigten andere Musiker des 20.Jahrhunderts zu einer individuelleren Spielweise, ähnlich wie die Musiker des 19.Jahrhunderts. Der Dirigent Wilhelm Furtwängler verkörperte diesen Stil als Dirigent, und man hört seinen Einfluss auf den Pianisten / Dirigenten Daniel Barenboim, der glaubt, dass Tempo, weit entfernt von einer Metronommarkierung, vor allem von Harmonie beeinflusst werden sollte. Diese Tradition kann Wurzeln in Beethoven finden, der über seine eigenen Metronommarkierungen sagte, dass sie nur „auf die ersten Takte angewendet wurden, da das Gefühl sein eigenes Tempo hat.“
Hier spielt Barenboim Beethoven:
Später im 20.Jahrhundert stützte sich die historisch informierte Aufführungsbewegung auf die Erforschung historischer Texte und Abhandlungen, um zu versuchen, musikalische Werke so nachzubilden, wie sie zum Zeitpunkt der Komposition klangen. Einige Interpreten spezialisieren sich auf die Aufführung von Musik bestimmter Epochen, indem sie unser Wissen darüber anwenden, wie Dinge vor über 200 Jahren aufgeführt wurden. Da sich die meisten Instrumente im Laufe des 19.Jahrhunderts erheblich entwickelten, begannen einige Instrumentenbauer, Instrumente im Stil früherer Epochen zu bauen, um Musik aus dieser Zeit zu spielen.
Hier ist ein Beispiel von Melvyn Tan (Hammerklavier) und Roger Norrington (Dirigent), die Beethoven-Konzerte auf historischen Instrumenten spielen:
Unabhängig vom Stil würden die meisten klassischen Musiker zustimmen, dass sie nur versuchen, die Absichten des Komponisten auszudrücken, nicht ihre eigenen. Klassische Pianisten verstehen sich eher als Kuratoren als als Mitgestalter. Der Musiker wird zum Gefäß, durch das der Komponist spricht.
Wie man sich vorstellen kann, ist die Aufgabe, Jazzpianisten zu bewerten, eine ganz andere als die eines klassischen Pianisten. Die Richter werden Ihnen sagen, was sie gemeinsam haben, obwohl, ist, dass sie eine außergewöhnliche Technik haben müssen, und sie müssen in der Lage sein, sich mit dem Publikum zu verbinden. Die Finalisten und Gewinner der American Pianists Awards demonstrieren diese Qualitäten konsequent, und auf unserem YouTube-Kanal gibt es viele Aufführungen zu sehen. Werfen Sie einen Blick und abonnieren Sie noch heute!
Artikel von APA Artistic Administrator Milner Fuller mit besonderem Dank an John Salmon.
