ÜBER VIER Jahrhunderte hinweg gilt die Kano-Malschule als eine der einflussreichsten künstlerischen Disziplinen in Japan. Die Schule, die unter dem Tokugawa-Shogunat blühte, wurde im späten 15.Jahrhundert gegründet und dauerte bis zum Beginn der Meiji-Zeit im Jahr 1868, was zu einer Fülle von geschätzten Werken führte, von denen viele in den letzten Jahren zu nationalen Schätzen ernannt wurden. Die Tinte der frühen Künstler und das Blattgold, das später in die Kano-Vision aufgenommen wurde, verleihen dieser Disziplin das deutlich auffällige und dennoch zarte Gefühl, für das sie heute so beliebt ist. Und jetzt widmet das Philadelphia Museum of Art diesen Meistern zum ersten Mal außerhalb Japans eine ganze Ausstellung in der treffend benannten Ausstellung Ink and Gold: Art of the Kano.
Kano Masanobu – Gründer der Kano-Akademie – wurde 1434 in eine Samurai-Familie geboren. Die Umstände seines künstlerischen Erfolgs sind interessant: die Tradition besagt, dass Masanobus Zeitgenosse Sesshu Toyo – ein Zen–Priester und Maler, berühmt für seine Annahme der chinesischen Praxis der Spritztintenkunst (Hatsuboku) – seinen Platz als Leiter der Kyoto-Akademie an Masanobu abgab, der in den 1480er Jahren der offizielle Maler des Shoguns werden sollte. Masanobu, dessen Stil durch den Einfluss von Malern wie Tensho Shubun auf die gewaschene Tinte gekennzeichnet war, würde seinen Sohn Kano Motonobu ausbilden, um diese Position zu übernehmen, und es war Motonobu, der diese Position kultivierte der heute unverwechselbare Kano-Malstil.
Die Popularität der Kano-Akademie hing stark von ihrem Platz in der Geschichte ab. Die Gründung des Tokugawa-Shogunats im Jahr 1603 ermöglichte den Aufstieg des Daimyo, einer Klasse von Feudalherren, die nach dem Umbruch der Sengoku-Zeit an die Macht kamen. Gleichzeitig mit dem Geschmack dieser neuen Sponsoren entstand ein neuer Kunststil: kühn und dramatisch und oft über ein feines Blattgold gelegt. Maler und Künstler genossen ein beispielloses Maß an Schirmherrschaft und wurden beauftragt, die Innenräume der von Daimyo errichteten Burgen und Tempelanlagen zu dekorieren. Und so blühten die Nachkommen von Kano Masanobu auf, entwickelten ihren Stil der chinesisch inspirierten, landschaftsorientierten Kunst und genossen weiterhin die Schirmherrschaft des Daimyo.
Die Kano-Malschule erlangte Bekanntheit für ihre Mischung aus Kanga oder chinesisch beeinflusster Kunst mit Yamato-e, dem japanischen Malstil, der sich auf die Verwendung kräftiger Farben stützte. Solche Entwürfe wurden verwendet, um die Faltschirme (Byobu) zu schmücken, die die Innenräume der neu gebauten Schlösser schmückten. Heute beherbergt Tokios Nationalmuseum einen solchen Bildschirm, den inzwischen renommierten achtteiligen Faltschirm Cypress (Hinoki), der dem Künstler Kano Eitoku zugeschrieben wurde. Der Bildschirm, der eine wunderschön knorrige Zypresse vor dem Gold und Blau einer wolkenbedeckten Felswand darstellt, ist besonders auffällig für die Kühnheit seiner Farben und Kontraste. Es wird angenommen, dass viele von Eitokus Bildschirmen und Schiebetüren die Burg Azuchi eingerichtet haben, die von Oda Nobunaga gebaut und bewohnt wurde – dem Daimyo, der die Vereinigung Japans eingeleitet haben soll. Die Kühnheit von Eitokus Stil wurde mit der Tapferkeit seiner Gönner verglichen; Ohne diesen Hintergrund des militärischen Selbstbewusstseins, so wird spekuliert, hätte seine sehr lebendige Malweise – beeindruckend in Farbe und Maßstab – nicht die Gelegenheit gehabt, sich zu entfalten.
Ebenso auffällig sind die vergoldeten Leinwände von Tan’yu (Eitokus Enkel), dessen Werk der Ausstellung des Philadelphia Museum of Art einen besonderen Schwerpunkt verleiht. Es wird angenommen, dass Tan’yu der erste japanische Künstler war, der vom Militär beauftragt wurde, ein Atelier in Edo zu eröffnen, dem ehemals unbedeutenden Fischerdorf, das als De-facto-Hauptstadt gelten sollte und den Titel von Kyoto beanspruchte. Tan’yus häufige Passagen zwischen den Städten würden zur Schaffung seiner auf Tinte basierenden Bilder des Berges Fuji auf horizontal hängenden Schriftrollen führen: die ersten Darstellungen von Fuji-san ihrer Art.
Tan’yu war vor allem für seine eleganten Tafeldekorationen und seine Darstellung von Vögeln, Waldszenen und Tigern bekannt. Er verwendete das Blattgold seiner Kano-Vorfahren großzügig und benutzte es oft, um Wasser oder Wolken in seinen wunderschön hellen Faltschirmen darzustellen. Es sind Tan’yus Tiger, die vor einer Kulisse aus leuchtendem Gold springen, die heute die Wahrnehmung der Kano-Kunst prägen: Ihre wilden Ausdrücke, leuchtenden Augen und dynamischen Gliedmaßen sind sofort erkennbar, das Zeichen eines wirklich eigenwilligen Künstlers. Der Dichter Ikkyu Sojun aus dem 15.Jahrhundert schrieb in der wunderbar einfachen Waka-Form diesen kurzen Vers zum Thema Vergänglichkeit:
‚Wie verschwindender Tau, eine vergehende Erscheinung oder der plötzliche Blitz – schon weg – so sollte man sich selbst betrachten‘.
Er bemerkt die unausweichliche Kürze der Dinge, die traumhafte Vergänglichkeit unserer Existenz. Selbst die Mächtigsten werden fallen, und das Gleiche galt für die beständigste und einflussreichste Künstlerlinie, die Japan je gesehen hatte. Es wird angenommen, dass Tan’yu der letzte der wirklich großen Kano-Maler war, denn mit der Gründung der Meiji-Ära und dem Verlust ihrer militärischen Gönner begann diese Künstlerschule zu leiden. Als die ’schwebende Welt‘ des zunehmend bevölkerten Edo begann, Künstler, Geishas und Performer zu zeichnen, und der Ukiyo-e-Stil Gestalt annahm, nahm die Kano-Disziplin ab (obwohl anzumerken ist, dass Hiroshige, dieser berühmte Ukiyo-e-Maler, zeigt einen gewissen Einfluss der Kano-Schule in seiner Arbeit, nachdem er sie eine Weile studiert hatte).
Nicht umsonst war die Kano-Schule vier Jahrhunderte lang die vorherrschende Disziplin in der japanischen Kulturlandschaft. Der Einfluss der Schule würde sowohl in Japan als auch im Ausland anhalten. Wie Dr. Felice Fischer, Kuratorin dieser Ausstellung, bestätigt, konnten die Kano-Maler mehr als jede andere Künstlergruppe in Japan Ehrfurcht, Pracht und Autorität hervorrufen und gleichzeitig eine außergewöhnliche Virtuosität besitzen.‘ Die Ausstellung bietet einen gründlichen und begründeten Rückblick auf die Arbeit der Akademie: ‚In dieser Entfernung‘, so Dr. Fischer weiter, ’sind wir in einer viel besseren Position, um die individuelle Note der Künstler zu schätzen, die in den letzten Generationen vielleicht übersehen wurde, und stellen fest, dass ein Teil ihrer Langlebigkeit ihrem fortgesetzten Erfindungsreichtum zu verdanken ist.‘
Dieser ‚fortwährende Erfindungsreichtum‘ wird in der Ausstellung selbst anerkannt, die in der Breite ihres Umfangs die Bandbreite und Vorstellungskraft dieser unglaublich langlebigen Akademie demonstriert. Großformatige Stücke – Adler und Kiefer, die prächtigen Schiebetüren von Schloss Nijo, die eine ganze Wand im Schein ihrer Blattgoldkulisse und der Majestät ihrer sich entfaltenden Kiefer bedecken, oder die berühmte Schiebetür, auf der Kano Tan’yu einen Tiger darstellt, der Wasser in einem Bambushain trinkt, entlehnt aus Nanzen-ji in Kyoto – stehen neben weniger bekannten und kleineren Werken, wie der hängenden Schriftrolle von Kano Tan’yus Schwalben und Wellen. Die Entwicklung des Stils der Schule wird durch die chronologisch geordnete Ausstellung dargestellt, die die früheren Werke mit stilistisch unterschiedlichen Stücken des späten Kano wie Kano Hogais Two Dragons (in Clouds) kontrastiert.
Natürlich sind solche Ausstellungen selten völlig demokratisch. Eine breit gefächerte und sich entwickelnde künstlerische Disziplin kann nicht vollständig in einer einzigen Ausstellung dargestellt werden – auch nicht in einem so großen Maßstab. Ink and Gold konzentriert sich daher auf die Hauptzweige der Familie Kano, die in Edo und Kyoto arbeiten, und diese Werke wurden größtenteils von japanischen Kreditgebern ausgeliehen: Tokyo National Museum, Kyushu National Museum Kyoto National Museum, das Museum der kaiserlichen Sammlungen, unter anderen Museen und privaten Kreditgebern. Die eigene Sammlung von Kano-Werken des Philadelphia Museum of Art wurde 1940 und 1941 von Brenda Biddle, der Tochter des ersten Kurators für asiatische Kunst in einem amerikanischen Museum, Ernest F Fenollosa, gestiftet. Fenellosa, ein Kunsthistoriker und Sammler, sollte durch seinen 12-jährigen Aufenthalt in Japan und seine Kuratorenschaft am Bostoner Museum of Fine Arts die Herangehensweise der Westler an japanische Kunst verändern. Seine Arbeit würde einen unermesslichen Einfluss auf die westliche kulturelle Meinung zu dieser Zeit haben; Ezra Pound stützte sich auf sein Schreiben (Erben seiner unveröffentlichten Papiere, auf Anweisung von Fenellosas Witwe, nach seinem Tod), um Einblicke in die Literatur Chinas und Japans zu erhalten. Fenollosas Freundschaft mit dem Kano-Maler Hogai führte zum Erwerb der beiden Drachen des letzteren, die in der Ausstellung des Philadelphia Museum of Art ausgestellt sind. Dieses Stück entstand in den letzten Jahren der Kano-Schule und repräsentiert den späteren Stil der Akademie, was den Versuch des Künstlers demonstriert, mit westlichen Techniken zu experimentieren. Die Tinte auf Papier bleibt dem Kano-Stil treu, wobei die Schattenbereiche und klar definierten Linien ein Beweis für das japanische Erbe des Malers sind. Aber die Tiefe des Stücks – der Sinn für Perspektive, den wir im Kampf der Drachen und ihrem Kampf durch die Wolken sehen – zeugt vom neuen Einfluss europäischer Ölgemälde.
Die Ausstellung, die während ihrer dreimonatigen Dauer drei Rotationen verschiedener Stücke umfassen wird, ist die erste, die der Kano-Schule außerhalb Japans gewidmet ist, und die erste dieser Größenordnung weltweit, seit das Tokyo National Museum 1979 seine letzte Kano-Ausstellung veranstaltete. Hat das, fragte ich Dr. Fischer, mit einem allgemeinen Schwinden der Begeisterung für die Kano-Schule im Westen zu tun? ‚Die Kano waren im späten 19. und frühen 20.Jahrhundert beliebt und bekannt, als Fenollosa und sein Nachfolger Okakura Kakuzo die Schiedsrichter des Geschmacks im Museum of Fine Art waren‘, erzählt sie mir. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde der Einfluss von Zen und Tuschemalerei im Zen-Stil populär und die Kano galten als „akademisch“. Die Entscheidung, diese Ausstellung zu inszenieren, ergibt sich daher aus einem wiederbelebten Interesse an der Kano-Schule, nach früheren groß angelegten Umfragen anderer künstlerischer Disziplinen im Philadelphia Museum of Art, mit Schwerpunkt auf den Künsten von Edo und der Momoyama-Zeit. Dr. Fischer erklärt: ‚Wir hatten Ausstellungen gemacht, die die Rebellen und die Abtrünnigen betrachteten. Wenn wir uns jetzt der Akademie zuwenden, bin ich sicher, dass sie den Menschen die Augen öffnen wird.
Und während die Kano–Schule nie an Popularität verloren hat – das strahlende Blattgold ihrer Stücke und die eindringliche Zartheit ihrer Naturszenen garantieren ihren Platz im öffentlichen Bewusstsein, sowohl in Japan als auch im Westen -, ist diese Ausstellung ein erneuter Versuch, den Kano-Künstlern den früheren Ruhm zurückzugeben, den sie so lange genossen haben. Dr. Fischer stimmt zu und kommentiert ihre Bedeutung: ‚Ihre Kunst ist sowohl ästhetisch als auch kunsthistorisch bedeutsam. Die meisten Künstler in Japan zwischen 1600 und 1900, auch diejenigen, die später wie Ike Taiga rebellierten, wurden in den Kano-Studios ausgebildet. Die Kano setzten die Themen, Techniken und den Geschmack für die Nation durch ihre Posten als Maler, die den Militärherrschern beiwohnten.
Die Ausstellung wird von einem vollständig illustrierten Katalog begleitet (gemeinsam herausgegeben von Yale University Press und dem Philadelphia Museum of Art), der Essays namhafter Wissenschaftler über die Kano Academy enthält, die sich mit den Trends der Schule und ihren wesentlichen Mitwirkenden befassen. Das Buch, das von Kyoko Kinoshita, einer assoziierten Kuratorin des Projekts, und Dr. Fischer, dem Luther W. Brady-Kurator für japanische Kunst und leitenden Kurator für ostasiatische Kunst am Philadelphia Museum of Art, verfasst wurde, konzentriert sich besonders auf das Leben und Werk von Kano Tan’yu. Dr. Fischer wurde kürzlich mit Japans prestigeträchtigem Orden der aufgehenden Sonne, Gold- und Silberstrahlen, für ihre Arbeit im kulturellen Austausch zwischen Japan und Amerika ausgezeichnet. Diese Auszeichnung folgt auf ihre Kuratorenschaft für eine Reihe von Ausstellungen und ihre umfangreiche Publikation über die Sammlung ostasiatischer Kunst des Museums.
VON XENOBE PURVIS
Bis zum 10. Mai im Philadelphia Museum of Art, 2600 Benjamin Franklin Pkwy, Philadelphia, www.philamuseum.org . Erste Umdrehung bis 15. März Zweite Umdrehung, 17. März bis 12. April Dritte Umdrehung, 14. April bis 10. Mai
