In der Anonymität ihrer Bilder reflektiert Jordan Kasey psychologische und mysteriöse Szenen. Sie wecken komplexe Gefühle durch ihre tiefen Farben und fast erschreckende Atmosphäre. Doch zwischen all dem Geheimnis, sie fühlen sich auch sehr vertraut. Wir haben mit Kasey über ihre intuitive Arbeit gesprochen.
In deinen Bildern wählst du anonyme Figuren. Warum ist das so?
„Anstatt ausdrucksstarke Gesichtszüge zu verwenden, um Emotionen zu vermitteln, ziehe ich es vor, jede Geschichte, die ich erzähle, durch Licht, Farbe, Raum und den allgemeinen Rhythmus zu entwirren. Wenn ich ein Gesicht in meine Bilder einbeziehe, ist es nur ein weiteres Werkzeug, um einen inneren Moment darzustellen. Manchmal beginne ich ein Bild mit einem Gesicht darin, aber wenn die Komposition im Laufe der Zeit ausgearbeitet wird, kann es herausgeschnitten werden, und dann denke ich ‚Eh, ich denke, es hat es nicht wirklich gebraucht‘. Ich mag es, wenn die Figuren anonym sind, weil sie für mich keine Porträts von Individuen sind. Sie sind die Idee einer Person, die ein Vehikel bildet, um eine Geschichte durch Form zu erzählen.“
In letzter Zeit hast du deinen Charakteren mehr Persönlichkeit gegeben, ist das eine Evolution?
„Ich war schon immer an der Idee interessiert, dass sich die Figur in ihrer Umgebung auflöst oder ein Teil davon ist. Während ich verschiedene Arten von Licht und Raum erforsche, passen sich die Figuren selbst an. In ähnlicher Weise habe ich in den letzten Jahren mehr mit Textur experimentiert, was unweigerlich zu unterschiedlichen Ansätzen im Umgang mit der Figur geführt hat.“ 
Sie haben einmal gesagt, Sie hätten sich Sorgen gemacht, Figuren mit einer Identität zu malen, warum?
„Vor Jahren, als ich vom Malen imaginärer Landschaften zur Arbeit mit der Figur überging, betraten die Menschen nicht nur die Szene auf der Leinwand. Vielmehr begannen Gesteinsformationen in den Landschaften im Laufe einiger Jahre figürliche Rollen in den Kompositionen einzunehmen, bis sie sich zu diesen gesteinsähnlichen menschlichen Formen entwickelten. In früheren Jahren zögerte ich, Details wie Haare, Hautton und Kleidung hinzuzufügen, die ihnen eine Identität verleihen und sie innerhalb eines Zeitraums oder einer Kultur kontextualisieren würden, einfach weil es mir nicht darum ging. Aber diese Tendenz war begrenzt und hielt nicht an. Kleidung, Variationen im Hautton, wenn auch unrealistisch oder vage Geschlechterassoziationen wie lange Haare, sind zu Vehikeln für Farbe, Textur, Licht und Stimmung geworden. Für mich ist es wichtig, dass sie sich gerade zuverlässig genug fühlen, um einen vertrauten Raum zu besetzen, während sie immer noch nicht ganz menschlich bleiben.“
Sie bringen psychologische Szenen in Ihre Bilder, warum?
„Es ist interessant für mich, mit einem Bild oder einer „Geschichte“ zu arbeiten, die eher psychologisch als narrativ ist, weil ich die Herausforderung und den Prozess genieße, einen Weg zu finden, solche Momente visuell so unmittelbar zu teilen, wie das Betrachten eines Gemäldes. Ich mag es, wenn in einem Gemälde ein Gefühl von Geheimnis oder Spannung entsteht, wenn es fertig ist, obwohl ich mit einer Idee für eine Komposition beginne, die ziemlich einfach ist. Diese Bilder dienen nicht dazu, etwas zu erklären oder eine bestimmte Frage zu beantworten, sondern bestätigen eine unzusammenhängende oder traumhafte Qualität im Alltag.“
Haben sie irgendeine Beziehung zu Ereignissen in deinem Leben?
„In gewisser Weise ja, denn alles, woraus jeder von uns schöpfen muss, sind Dinge, die wir in unserem Leben gesehen und erlebt haben. Aber sie sind keine direkten Illustrationen von Ereignissen oder Erinnerungen.“ 
Welches Gefühl möchten Sie, dass die Leute bekommen, wenn sie Ihre Arbeit sehen?
„Ich hoffe, dass Spannungen zwischen Hell und Dunkel, hellen Farben und unheimlichen Atmosphären, vertrauten Umgebungen und mysteriösen Sinnen usw. zu wirklich komplexen Gefühlen oder Reaktionen führen können, und ich mag es, wenn Menschen nicht ganz erklären oder mit dem Finger darauf zeigen können, was sie an meiner Arbeit mögen oder fühlen.“
Ich bin wirklich gespannt, woran ich arbeite und gespannt, wohin es mich führen wird.
Was können Sie mir über die Verwendung von Farbe in Ihren Bildern sagen?
„Ich liebe helle Farben, es macht mir Spaß, mit ihnen zu arbeiten, und ich benutze Farben ziemlich intuitiv. Ich wechsle oft die Farben, während ich an einem Gemälde arbeite, bis es sich richtig anfühlt.“
Was inspiriert dich zu einem Gemälde?
„Ich bekomme nur Ideen von Gemälden, und sie erfahren oft viele Veränderungen, während ich an ihnen arbeite, und etwas, das für mich wie eine Geschichte ist, entwickelt sich durch diesen Prozess. Für Eiscreme wollte ich ein Bild von zwei Menschen, die sich über eine Theke gegenüberstehen, als würden sie durch einen Spiegel schauen. Dann kam mir die Idee, auch zwei Schatten im Profil aufeinandertreffen zu lassen. Da die Gesichter beider Figuren verdeckt sind, nehmen die Schattengesichter, auch wenn sie nicht ihre sind, ihren Platz ein. Es gibt eine rote Figur und eine blaue Figur, und es gibt ein rotes Schattengesicht und ein blaues Schattengesicht. Für mich ist das die Geschichte – zwei, irgendwie dumme parallele Konfrontationen. Das Eis kam in letzter Minute herein, teilweise um die Entfernung des Hemdes der roten Figur durch Bestätigung des Wärmeelements zu rechtfertigen. Als ich mit dem Malen begann, hatte er einen Pullover, aber zu dieser Zeit arbeitete ich an zwei Gemälden von Figuren in roten Pullovern mit dem Rücken zu mir und es fühlte sich irgendwie komisch an. Auch der Sommer kam. Es wird mega geil in meinem Studio, also musste der Pullover weg. Ich steckte das Eis in einen Schatten, wo es kühl bleiben konnte. Es fühlte sich an wie das fehlende Glied zu einem Puzzle.“
Haben Sie die Ergebnisse jemals überrascht?
„Immer. Kleine Fehler, Nacharbeiten, Fehler und Experimente führen zu unerwarteten Ergebnissen. Wenn ich mich beim Malen nicht selbst überraschen würde und nicht das Gefühl hätte, dass es ein Eigenleben angenommen hätte, würde es sich für mich wirklich langweilig und damit erfolglos anfühlen. Ich liebe das Gefühl, wie ‚Ich wusste nicht, dass es so sein würde!‘.“ 
Die Hände in Ihren Bildern sind sehr ausdrucksstark, warum?
„Mit ausdrucksstarken, naturalistischen Händen und Füßen können sich die Figuren in ihrer Umgebung engagiert und geerdet fühlen. Die Figuren sind nicht anatomisch korrekt, aber der Realismus in den Händen und Füßen impliziert eine taktile Erfahrung, auf die sich der Betrachter beziehen kann. Da die Gesichter oft abgeschnitten oder minimal ausdrucksstark sind, interessiert mich auch, wie die Geste der Hände stattdessen Emotionen offenbaren kann. Ich skizziere meine eigenen Hände und Füße als allgemeine Referenz.“
Was können wir noch von Ihnen erwarten?
„Meine nächste Einzelausstellung wird 2021 in der Nicelle Beauchene Gallery stattfinden. Ansonsten sehe ich mich weiterhin malen. Ich bin wirklich gespannt, woran ich arbeite und gespannt, wohin es mich führen wird.“
Dieses Interview wurde ursprünglich in Imagicasa Art 2019 veröffentlicht. Sie können diese Ausgabe weiterhin über unseren Webshop bestellen, um weitere inspirierende Geschichten über Kunst in all ihren Formen und Stilen zu lesen.
Bilder: Courtesy des Künstlers
