Escrito por Milner Fuller. Publicado en Blog
¿Quién es tu pianista de jazz favorito?
¿Quién es tu compositor clásico favorito?
Estas son las preguntas más frecuentes entre los amantes de la música. Con menos frecuencia se invertirán las preguntas. ¿Por qué? El jazz es un género centrado en el intérprete, mientras que el clásico enfatiza al compositor.
Para un pianista de jazz, componer e interpretar son uno en el mismo. El compositor y músico Gunther Schuller escribió una vez que «la improvisación es el corazón y el alma del jazz», y David Baker argumentaría que la improvisación debería ser la piedra angular de la educación del jazz. Las raíces de la improvisación del jazz se pueden encontrar en el número de piezas anotadas: en lugar de tener todas las notas escritas, los artistas de jazz a menudo usan hojas de plomo, que ofrecen la melodía y un esquema amplio de la armonía. Depende del intérprete llenar los vacíos. Un estándar familiar podría verse como esto en la página:
Las hojas de plomo dan a los músicos de jazz una gran libertad. Tienes una melodía y algunos acordes, y el resto depende del músico. Las siguientes son dos interpretaciones de este clásico de Cole Porter:
Ganador de los Premios American Pianists 2015 Sullivan Fortner
Cy Walter
Contrasta esto con la escritura muy detallada, por ejemplo, una canción de Anton Webern de su Op.12, («Schien mir, als ich sah die Sonne»).
Nota en la canción de Webern, cada nota tiene algún tipo de marca adicional. El compositor ha tomado el control de cada tono, ritmo, dinámica, tempo, articulación y fraseo. No deja casi nada al azar (excepto quizás la habilidad de un músico para realizar cada detalle a la vez). El ejemplo de Webern es extremo, pero en términos generales, la notación clásica es mucho más detallada que el jazz.
El papel del intérprete de jazz siempre ha sido realizar una pieza musical de la manera más creativa e individual posible. Si bien los artistas se basan en tradiciones que se han transmitido a través de generaciones de músicos de jazz, no hay dos artistas de jazz (si son buenos) que interpreten una pieza de la misma manera. De hecho, dado el aspecto improvisado de la interpretación de jazz, rara vez dos interpretaciones de la misma pieza por el mismo artista suenan exactamente iguales.
John Salmon, amigo de la Asociación Americana de Pianistas y miembro frecuente del jurado (tanto de jazz como de música clásica), escribe: «La tradición de centrarse en el intérprete de jazz en lugar de en el trabajo que se interpreta está en el núcleo y el comienzo de toda la tradición del jazz. Los pianistas de jazz siempre trataban de superarse unos a otros, como en las famosas fiestas de alquiler de Harlem, cuando los pianistas básicamente competían entre sí y el pianista más extravagante y virtuoso ganaba el honor de la noche. El virtuosismo siempre ha estado en el centro de los artistas de jazz. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker y John Coltrane tenían grandes habilidades. Es cierto que hubo excepciones atípicas, incluido el saxofonista melancólico y decididamente no virtuoso Paul Desmond y la lírica y tenue Billie Holiday. Pero, incluso en estos casos, el foco estaba inevitablemente en cómo interpretaban los estándares de jazz casi más que el estándar de jazz en sí.»
Hay muchas escuelas de pensamiento en la interpretación clásica, y la estética cambia considerablemente con el tiempo. La música de épocas anteriores se hizo más popular en el siglo XIX, cuando se estableció un canon de la literatura, y los artistas de la época no tenían problemas para dar su propio giro a los clásicos, a menudo ignorando las marcas e incluso cambiando las notas. Gustav Mahler incluso reorganizó obras, incluidas sinfonías de Beethoven,» corrigiendo » áreas que sufrieron las limitaciones de la orquesta de principios del siglo XIX. Mahler argumentaría que estas «correcciones» estaban en consonancia con el espíritu del compositor: simplemente quería resaltar capas en la partitura.
A principios del siglo XX, el movimiento come scritto popularizado por el director Arturo Toscanini se convirtió en una estética popular. Sviatoslav Richter aplicaría esta técnica al piano. Sobre su enfoque de la interpretación, escribió: «El intérprete es realmente un ejecutante, que lleva a cabo las intenciones del compositor al pie de la letra. No añade nada que no esté ya en el trabajo. Si es talentoso, nos permite vislumbrar la verdad de la obra que es en sí misma una cosa de genio y que se refleja en él. No debería dominar la música, sino disolverse en ella.»
Aquí hay un ejemplo de Richter tocando Bach:
Mientras Toscanini y Richter encarnaban una interpretación textual (podríamos llamarlos las Scalias de la música), otros músicos del siglo XX se inclinaban por una forma más individual de tocar, no muy diferente de los músicos del siglo XIX. El director de orquesta Wilhelm Furtwängler personificó este estilo como director de orquesta, y se puede escuchar su influencia en el pianista y director de orquesta Daniel Barenboim, quien cree que el tempo, lejos de estar prescrito por una marca de metrónomo, debe estar influenciado sobre todo por la armonía. Esta tradición puede encontrar raíces en Beethoven, quien dijo sobre sus propias marcas de metrónomo que solo se aplicaban «a los primeros compases, ya que el sentimiento tiene su propio ritmo.»
Aquí está Barenboim tocando Beethoven:
Más tarde, en el siglo XX, el movimiento de interpretación históricamente informado dependería de la investigación de textos y tratados de época para intentar recrear obras musicales como sonaban en el momento de la composición. Algunos artistas se especializan en interpretar música de épocas específicas aplicando nuestro conocimiento de cómo se interpretaban las cosas hace más de 200 años. Dado que la mayoría de los instrumentos evolucionaron significativamente a lo largo del siglo XIX, algunos fabricantes de instrumentos comenzaron a construir instrumentos al estilo de épocas anteriores para interpretar música de esa época.
Este es un ejemplo de Melvyn Tan (fortepiano) y Roger Norrington (director) tocando conciertos de Beethoven con instrumentos de época:
Independientemente del estilo, la mayoría de los músicos clásicos estarían de acuerdo en que solo están tratando de expresar las intenciones del compositor, no las suyas propias. Los pianistas clásicos se ven a sí mismos más como curadores que como co-creadores. El músico se convierte en el recipiente a través del cual el compositor habla.
Como se puede imaginar, la tarea de evaluar a los pianistas de jazz es bastante diferente de la de un pianista clásico. Los jueces te dirán lo que tienen en común, sin embargo, es que deben tener una técnica excepcional y deben ser capaces de conectarse con el público. Los finalistas y ganadores de los Premios American Pianists demuestran constantemente estas cualidades, y hay muchas actuaciones para presenciar en nuestro canal de YouTube. Echa un vistazo y suscríbete hoy!
Artículo del Administrador Artístico de APA Milner Fuller con agradecimiento especial a John Salmon.
