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Jean GASPARD DEBURAU-EL TRÁGICO PIERROT
Jean-Gaspard Deburau (Jan Kašpar Dvořák; 31 de julio de 1796-17 de junio de 1846), también llamado Debureau, fue un célebre mimo checo-francés. Actuó alrededor de 1819 hasta el año de su muerte en el Théâtre des Funambules, que fue inmortalizado en la película poético-realista de MARCEL CARNÉ CHILDREN OF PARADISE (1945), donde aparece (bajo su nombre artístico, «Baptiste») como un personaje principal. Su creación pantomímica más famosa fue Pierrot, un personaje que sirvió como padrino de todos los Pierrots del teatro y el arte romántico, Decadente, Simbolista y modernista temprano.Nacido en Kolín, Bohemia (ahora República Checa), Deburau era hijo de una sirvienta checa Kateřina Králová y de un ex soldado francés, Philippe-Germain Deburau, nativo de Amiens. Algún tiempo antes de 1814, cuando apareció en París, Philippe se había convertido en showman, y había comenzado a actuar al frente de una compañía nómada probablemente compuesta, al menos en parte, por sus propios hijos. Cuando la compañía fue contratada, en 1816, por el gerente de los Funambules para actos mímicos y acrobáticos, el joven Deburau fue incluido en la transacción.
Probablemente comenzó su vida profesional allí como tramoyista. Los historiadores del mimo y de los Funambules coinciden en que su debut como Pierrot no se produjo antes de 1819, quizás hasta 1825. Su «descubrimiento» por parte del público conocedor del teatro no tuvo lugar, en cualquier caso, hasta 1828, cuando el influyente escritor Charles Nodier escribió un panegírico sobre su arte para La Pandore. Nodier persuadió a sus amigos, hombres de letras, a visitar el teatro; el periodista Jules Janin publicó un libro de elogios efusivos, titulado Deburau, histoire du Théâtre à Quatre Sous, en 1832; y a mediados de la década de 1830 Deburau era conocido por «tout Paris». Théophile Gautier escribió sobre su talento con entusiasmo («el actor más perfecto que haya existido»); Théodore de Banville dedicó poemas y bocetos a su Pierrot; Charles Baudelaire aludió a su estilo de actuación como una forma de entender «La esencia de la risa» (1855).
Parece haber sido amado casi universalmente por su público, que incluía a los altos y bajos, tanto a los poetas románticos de la época como a los «hijos del paraíso» de la clase trabajadora, que se instalaban regularmente en los asientos más baratos (que también eran los más altos: el «paraíso») de la casa. Fue ante este público de artistas y artesanos que se encontró en su único elemento verdadero: cuando, en 1832, llevó su pantomima al Palais-Royal, fracasó espectacularmente. La ocasión fue una representación benéfica de una pantomima realizada anteriormente, con gran éxito, en los Funambules, e incluyó actores, no solo de los Funambules, sino también de la Gymnase, la Ópera y el bastión del arte dramático, el Théâtre-Français. Louis Péricaud, el cronista de los Funambules, escribió que » nunca hubo un desastre mayor, una derrota más completa para Deburau y sus compañeros artistas. El propio Deburau fue siseado, y prometió tocar a partir de entonces ante ningún otro público que aquellos «ingenuos y entusiastas» que eran habitués del Boulevard du Crime.
Pero algunos de los que el público, sin embargo admirar, cometió el error de confundir su creación con su personaje, y un día en 1836, como estaba paseando con su familia, fue insultado como «Pierrot» por una calle-boy, con terribles consecuencias: el niño murió de un golpe de su pesado bastón. El biógrafo de Deburau, Tristan Rémy, sostiene que el incidente pone en relieve el lado más oscuro de su arte. «La botella», escribe Rémy, » cuya etiqueta ‘Láudano’ reveló sonriendo después de que Casandro la drenara, la parte posterior de la navaja que pasó sobre el cuello del anciano, eran juguetes que no se le podía permitir tomar en serio y poner a prueba su paciencia, su reserva, su sangre fría. Y Rémy concluye: «Cuando se empolvó la cara, su naturaleza, de hecho, tomó la delantera. Se quedó entonces a la medida de su vida, amargado, vengativo e infeliz.»
En el tribunal, fue absuelto de asesinato. Carné comentó: «Se produjo un juicio en el que le tout Paris se reunió para escuchar la voz del famoso Debureau.»El compositor Michel Chion llamó a esta curiosidad sobre una voz el efecto Deburau. La idea de un efecto Deburau se ha extendido a cualquier atracción de la atención del oyente hacia un sonido inaudible, que, una vez escuchado, pierde su interés.
Cuando murió, su hijo Jean-Charles (1829-1873) asumió su papel y más tarde fundó una «escuela» de pantomima, que floreció en el sur de Francia, y luego, a finales de siglo, en la capital. Se puede trazar una línea desde esa escuela hasta el Bip de Marcel Marceau.
Jean-Gaspard Deburau está enterrado en el cementerio Père Lachaise de París
PAPELES DE PERSONAJE
En una reseña de una pantomima en los Funambules después de la muerte de Deburau, Gautier reprochó al sucesor del mimo, Paul Legrand, por vestirse «mitad como Colin de ópera cómica, mitad como cazador tirolés», degradando así al Pierrot de Baptiste. Fue contestado por una carta del director de los Funambules, que deseaba desengañar al poeta de su «error»:»… tenemos una treintena de obras interpretadas por Debureau con diferentes trajes, y Paul simplemente ha continuado la práctica … «.Pierrot no fue la única creación de Baptiste. Como ha señalado Robert Storey, que ha sido el alumno más asiduo del repertorio del mimo, Deburau actuó en muchas pantomimas ajenas a la Commedia dell’Arte:
Probablemente fue el estudiante-marinero Blanchotin en Jack, l’orang-outang (1836), por ejemplo, y el granjero Cruchon en Le Tonnelier et le sonambule ( finales de 1838 o principios de 1839), y el cabrero Mazarillo en Fra-Diavolo, ou les Brigands de la Calabre ( 1844). Fue sin duda el cómico Jocrisse de Hurluberlu (1842) y el recluta ingenuo Pichonnot de Les Jolis Soldats ( 1843).
Al igual que las diversas encarnaciones de CHAPLIN, todas las cuales tienen cierto parecido con el Pequeño Vagabundo, estos personajes, aunque creaciones singulares e independientes, sin duda deben haber impactado a su público como Pierrot. Deburau y Pierrot eran sinónimos en el París de la Francia posrevolucionaria.
EL PIERROT de sus predecesores en los Funambules—y el de sus predecesores en las Foires St.-Germain y St.-Laurent del siglo anterior—había sido bastante diferente del personaje que Deburau eventualmente ideó. Había sido a la vez más agresivo en sus acrobacias (su «superabundancia», en palabras de Péricaud, «de gestos, de saltos») que la creación «plácida» de Baptiste, y mucho menos agresivo en su audacia y audacia. El Pierrot de Saphir el Encantador, Pantomima en 3 Partes (1817) es un tipo típico de pre-Deburau. Perezoso y sin sexo, prefiere rellenar sus entrañas a los pasatiempos amorosos de Arlequín y Claudine. Y cuando la heroicidad de Arlequín parece estar a punto de poner fin a las maquinaciones del Hechicero, la estúpida torpeza de Pierrot casi precipita el desastre. Incluso cuando invoca el coraje y el ingenio para iniciar acciones propias, como lo hace en The Pink Genie and The Blue Genie, or The Old Women Rejuvenated (1817), muestra—en las palabras de The Pink Genie al final de la pieza—»solo los signos de un corazón injusto y malvado», y por lo tanto está enterrado en una jaula en las entrañas de la tierra.
El Pierrot maduro de Deburau nunca toleró tal degradación. El poeta Gautier, a pesar de ser un gran admirador del mimo, le reprochó después de su muerte haber «desnaturalizado» el personaje: «dio patadas y ya no las recibió; Arlequín apenas se atrevía a cepillarse los hombros con el bate; Casandro se lo pensaría dos veces antes de taparse las orejas. Deburau restauró a Pierrot parte de la fuerza y la energía del tipo italiano anterior Pedrolino (aunque probablemente nunca oyó hablar de ese predecesor). Parte de esto puede deberse a lo que Rémy llama la venganza de la propia personalidad de Deburau; pero lo que parece más probable es que, con la seguridad que viene con un gran talento, Deburau forjó instintivamente un papel con una presencia escénica dominante.
También cambió el disfraz. Su gran blusa de algodón y pantalones lo liberaron de las restricciones del vestido de lana de sus predecesores, y su abandono del cuello y el sombrero con volantes le dieron prominencia a su rostro expresivo. Un solideo negro era su único stark adorno.
Pero sus verdaderas innovaciones vinieron en la pantomima misma. Sus biógrafos, así como los cronistas de los Funambules, sostienen que sus pantomimas eran todas iguales. Los » escenarios ingenuos «que» limitaban «su actuación, según su biógrafo checo, Jaroslav Švehla,» hicieron poco más que agrupar y repetir situaciones tradicionales, raídas, primitivas y, en muchos casos, absurdas e imitar gags (cascadas), insultando incluso a un gusto ligeramente refinado.»Y Adriane Déspot, autora de» Jean-Gaspard Deburau y la Pantomima en el Théâtre des Funambules», está de acuerdo: «la mayoría de las pantomimas son esencialmente las mismas; comparten la atmósfera de aventuras sin sentido, ligeras y a pequeña escala, animadas con bailes cómicos, batallas ridículas y enfrentamientos ubicados en un entorno doméstico o común.»Pero Déspota solo estaba familiarizado con un puñado de los escenarios, los pocos impresos; con mucho, el mayor número, cincuenta y seis en total, están manuscritos en los Archivos Nacionales de Francia. Y Švehla sigue líneas equivocadas al asumir que Deburau «deseaba representar a un personaje mejor» que Pierrot: Deburau estaba aparentemente orgulloso de su trabajo en los Funambules, caracterizándolo a George Sand como un» arte » (ver la siguiente sección a continuación). «Le encantaba apasionadamente», escribió Sand, «y hablaba de ello como de algo grave».
El hecho es que cuatro tipos distintos de pantomima sostenían el escenario en los Funambules, y para cada Deburau creaban un Pierrot ahora sutilmente, ahora dramáticamente diferente.
La Pantomima Rústica: Haciendo un gesto hacia las raíces de Pierrot fuera de la Commedia dell’Arte, hacia el Pierrot campesino de tradición bucólica (como el Pierrot de Don Juan de Molière ), la acción de estos escenarios se desarrolla en una aldea o pueblo. Pierrot es el héroe: es honesto, de buen corazón, pero pobre (y egoísta, cómicamente ingenuo). A través de un acto de coraje, es capaz de superar los escrúpulos del padre de su amada—una Lisette, o Finetta, o Babette—y ganarla en el desenlace. Estas piezas aparecieron al final de la carrera del mimo, todas menos una de las que existen se interpretaron por primera vez en la década de 1840. Ejemplos: Los Cosacos, o La Granja Incendiada (1840); La boda de Pierrot (1845).
La Melo-Pantomima: Encontrando su inspiración en los populares melodramas de bulevar que no tienen conexión con la Commedia dell’Arte, estos escenarios presentan a Pierrot, no como un héroe, sino como un subalterno, a menudo un soldado, a veces un retenedor que trabaja al servicio del héroe de la pieza. Están ambientados en lugares exóticos—África, América, Malta, China—y la acción es (o está destinada a ser) tremendamente dramática, plagada de secuestros villanos, enfrentamientos violentos, y rescates espectaculares y reveses de fortuna, a menudo provocados por la inteligencia y audacia de Pierrot. También fueron adiciones relativamente tardías al repertorio. Ejemplos: La Pagoda Encantada (1845); El Corsario Argelino, o La Heroína de Malta (1845).
La Pantomima realista: Estas son las piezas con las que Déspota parece más familiar. Están ubicados en lugares urbanos comunes (tiendas, salones, calles públicas) y generalmente están poblados por la burguesía parisina (tenderos, comerciantes, aparcacoches). Pierrot es el centro de atención en estos escenarios, pero es un Pierrot que a menudo es muy diferente del personaje descrito hasta ahora. «Libidinoso y sin escrúpulos», escribe Robert Storey, » a menudo rencoroso y cruel, solo se redime por su inocencia criminal.»Roba a una benefactora, se aprovecha escandalosamente de un ciego, mata a un vendedor ambulante para adquirir las prendas con las que presume cortejar a una duquesa. Este es el Pierrot descrito por Charles Nodier como un «Satanás ingenuo y payaso».»(Solo cuando la pantomima ha sido escrita por el propio Deburau, como La Baleine (La Ballena) de 1833, nos encontramos, como era de esperar, con un Pierrot menos diabólico, uno que de hecho merece la mano de Columbine.) Ejemplos: Pierrot y Sus Acreedores (1836); Pierrot y el Ciego (1841)
El Juego de Hadas Pantomímico: La clase más grande y popular de pantomimas, de las cuales hay tres subclases:
El Juego de Hadas Pantomímico Pierrotique: Pierrot es el único personaje de la Commedia dell’Arte (excepto Casandro, que a veces hace una aparición). Al igual que la acción en las otras subclases, la trama se desarrolla en el país de las hadas, que está poblado por hechiceros y hechiceras, ogros y magos, hadas y encantadores. Pierrot suele ser enviado en una búsqueda, a veces para lograr una meta amorosa (para sí mismo o su maestro), a veces para demostrar su temple, a veces para reparar una injusticia. Los escenarios son fantásticos y góticos, la acción extraña y frenética, y la comedia muy amplia. Ejemplos: El Hechicero o El Protector de Demonios (1838); Pierrot y Croquemitaine, o Los Ogros y los mocosos (1840).
El juego de hadas Arlequín Pantomímico: La base para las pantomimas que todavía se representan en Bakken en Dinamarca. En el paisaje descrito anteriormente (y poblado por los mismos espíritus en guerra), Arlequín, el amante, se lleva a Columbine, desencadenando una persecución por parte de su padre, Casandro y su sirviente Pierrot. El final de sus aventuras es, por supuesto, su unión, bendecida a regañadientes por sus perseguidores. Ejemplos: Pierrot Everywhere (1839); Los Tres jorobados (1842).
El Juego de Hadas Arlequín Pantomímico al Estilo Inglés: Toma prestada la «apertura» de la pantomima inglesa de principios del siglo XIX: al subir el telón, dos pretendientes están en disputa por la misma joven, y su padre, un avaro, elige al más rico de los dos. Un hada aparece para proteger al sentimental más merecedor (Arlequín, después de su transformación), y para cambiar a todos los personajes a los tipos de Comedia. Entonces comienza la persecución. Ejemplos: The Ordeals (1833); Love and Folly, or The Mystifying Bell (1840).
(Fuente: wikipedia)