El director creativo, artista y músico Fai Khadra es también un coleccionista de arte con un interés especial en el Minimalismo y el arte Conceptual, lo que lo convierte en el colaborador invitado perfecto para el Comisariado Contemporáneo de Londres, que tendrá lugar entre el 17 y el 24 de noviembre. Antes de la venta, habla de su pasión por los museos, por qué quiere animar a un público de arte nuevo y más joven y cómo cortó una pieza de su techo para instalar una estalagmita de rubí esterlina.
¿Quiénes son tus artistas favoritos?
Eso es como preguntar, ¿cuál es tu película favorita? Es una pregunta imposible. Pero siempre me atraen los artistas que han roto o empujado los límites de alguna manera, que se sienten extremadamente nuevos o valientes en su práctica. Siempre he admirado a artistas contemporáneos como Joseph Beuys, Bruce Nauman, David Hammonds, Kara Walker y Shigeko Kubota, pero no puedes olvidarte de maestros como Picasso, Rembrandt, Monet, Da Vinci y Van Gogh. Vea por qué es una pregunta imposible? Todos nos han empujado en nuevas direcciones de pensamiento. Pensar y ver el mundo, no siempre fueron aceptados al principio, pero eso es lo que significa ser radical.
¿Cómo te informas de los artistas que te interesan?
De ir a exposiciones en museos o exposiciones en galerías, tengo que ver algo en persona antes de que tenga un impacto pronunciado en mí. Por ejemplo, estaba familiarizado con el trabajo de Julie Mehretu, pero no fue hasta que vi su reciente espectáculo de LACMA cuando realmente me di cuenta de lo maestra que es en hacer obras de múltiples capas a gran escala. Para mí, gran parte de mi comprensión evoluciona a partir de una interacción personal con el trabajo que simplemente no siento remotamente.
¿Cómo describiría su estética personal?
Soy minimalista de corazón, amo a artistas como Dan Flavin y Donald Judd. Pero también amo a Mike Kelley…so Supongo que depende más del artista que de la estética. Dicho esto, si tuviera que elegir un bando, estaría sentado con los minimalistas.
¿Te consideras un coleccionista?
Me considero un coleccionista porque me encanta comprar obras de arte para mi casa para poder vivir junto a ella, pero no tengo, por ejemplo, unidades de almacenamiento en las que guardo las obras de arte como inversiones. De hecho, acabo de adquirir una estalagmita de rubí esterlina de Sotheby’s para instalarla en mi nuevo hogar, es enorme, pero tuve que vivir con ella. Como resultado, he tenido que cortar una pieza del techo, pero siempre he sido un gran fan de su trabajo, por lo que obtener esa pieza se sintió como un paso importante. Al igual que los artistas se esfuerzan por hacer algo nuevo, siento que a veces es importante comprar fuera de su zona de confort, ya sea el tamaño, el presupuesto o el tema. Grandes obras de arte y artistas pueden ser desafiantes de muchas maneras. Creo que las piezas de estalagmita de Ruby son algunas de sus mejores obras, porque eran tan ambiciosas, por lo que vale la pena la renovación adicional.
¿Cómo planea hacer crecer su colección?
A través de la compra de más arte! Sé cuál es mi lista de deseos, pero también es importante para mí construir relaciones con personas en las que confío, ya sean galeristas o curadores, que puedan señalarme en la dirección de artistas más nuevos, como Martine Syms, Dozie Kanu, Sayre Gomez.
hay museos o coleccionistas que particularmente admirar?
Me encanta visitar la Fundación Beyeler en Basilea simplemente porque tienen lo mejor de lo mejor, desde Giacometti hasta Francis Bacon. Pero también hay una pequeña joya en Los Ángeles, que una vez perteneció a un hombre llamado Frederick Weisman. Fue un coleccionista notable y, cuando murió, la casa en la que vivía, y todas las obras en ella, se conservaron como la Fundación Weisman. Me encanta poder ver cómo alguien vivía junto al arte que amaba: hay algo increíblemente convincente en entrar en el dormitorio o la sala de estar de alguien y ver un Rothko o un de Kooning en el contexto de una casa en lugar del vacío de una galería. Tan pronto como entras en el vestíbulo, ves un hermoso alambique de Clyfford; entras en la sala y hay un Picasso, De Kooning y un tocino. Es extraordinario. Las grandes colecciones reflejan la personalidad y la vida de los grandes coleccionistas y eso es algo a lo que aspirar. También me encanta que sea gratis, que cualquiera pueda reservar un recorrido y tener una interacción íntima con esas obras increíblemente impresionantes e influyentes.
¿Qué consejo darías a los nuevos coleccionistas?
Creo que el consejo más importante para cualquier coleccionista, nuevo o viejo, es simplemente comprar algo con lo que sientas que podrías vivir para siempre. Nunca compro cosas pensando en cómo podrían apreciarse, porque, si vives junto a algo, debería hacerte realmente feliz todos los días. Nada me va a dar esa sensación simplemente por su precio de mercado.
¿Tienes una época favorita en el arte?
Solía pensar que fue cuando el arte se volvió más minimalista, alrededor de la época de Donald Judd, pero recientemente visité Villa Borghese en Roma por primera vez y desarrollé una nueva apreciación por Bernini: por el detalle de sus obras, su artesanía excepcional y su narración inmersiva. También estoy bastante obsesionado por el hecho de que nunca podré tener uno: hay algo muy convincente en el hecho de que existan fuera del mercado. Lo que también es interesante es que tanto Bernini como Judd parecían muy preocupados por cómo interactuaban el arte y la arquitectura. La situación de una obra de arte en un espacio era importante para ambos. Eran maestros de crear una obra de arte total a su manera.
«Grandes colecciones reflejan la personalidad y la vida de los grandes coleccionistas, y eso es algo que siempre soñamos.»
¿Ha cambiado su gusto por el arte con el tiempo?
Creo que mi gusto cambiará continuamente, pero siempre admiraré el trabajo que empuja los límites o provoca sentimientos fuertes. No estoy particularmente comprometido con el trabajo que es simplemente estético; estoy mucho más inclinado a trabajar que me hace sentir incómodo, o me empuja a reconsiderar el mundo que refleja o con el que se relaciona.
Hace unos años, en Art Basel, me encontré con Doreen Garner, una joven artista negra de Brooklyn que había hecho una increíble escultura de neón que se parecía un poco a carne colgada. Era espantoso desde lejos, pero luego, cuando te acercaste, estaba hecho de todas estas hermosas perlas. Descubrí que ella había creado la pieza en respuesta al desarrollo de la ginecología moderna por James Marion Sims, y cómo había explotado y torturado los cuerpos de mujeres negras en nombre de un descubrimiento científico porque no creía que pudieran sentir dolor. Fue un trabajo extremadamente difícil, pero la forma en que fue capaz de traducir esa inhumanidad en algo tan convincente, tan hermoso, y así confrontar a su audiencia con él, fue increíblemente impresionante.
¿Qué hace que Contemporary Curated sea una colaboración interesante para ti?
Creo que es importante y emocionante involucrar a un público más joven en el coleccionismo de arte contemporáneo; es un campo que puede sentirse tan impenetrable, tan completamente inalcanzable, para tanta gente. Me encantaría poder abrir un poco la puerta a una nueva generación para la que se ha sentido exclusiva e invitarlos a interactuar personalmente con las piezas.
¿Cuándo comenzó su interés por el arte?
Siempre me ha interesado el arte y mis padres también son coleccionistas, por lo que probablemente sea un rasgo heredado. Tuve la suerte de crecer en Londres, donde mi escuela nos llevaba a exposiciones en lugares como el Victoria & Albert Museum, el Tates o el Museo de Historia Natural. Creo que eso es lo hermoso de crecer en una ciudad como Londres: hay tanto arte y cultura sucediendo a tu alrededor constantemente que eres capaz de enfrentarte cara a cara desde una edad temprana.
Si pudiera salvar una obra de arte de la destrucción, ¿cuál sería?
Tendría que ser la Mona Lisa. Porque, aunque no es mi favorito personal, me encanta el profundo impacto cultural que tiene: hace que la gente se mueva hacia el arte: visitar el Louvre se ha convertido casi en una peregrinación. Así que ese es el que tiene que ser salvado.
Si pudieras llevar a cenar a cinco artistas, vivos o muertos, ¿quiénes serían?
Andy Warhol, Marcel Duchamp, Jackson Pollock, Walter De Maria y Frida Kahlo. Haría mi famoso pollo asado.
¿Cuál fue la última exposición que viste y por qué te encantó?
Acabo de ver el espectáculo de Andy Warhol en la Tate, y tuve la suerte de recibir una gira de uno de los directores del espectáculo. Explicó que las obras de arte Dobles de Marilyn no estaban pensadas inicialmente por Warhol para mostrarse como un díptico, sino que simplemente habían sido vistas en su estudio una al lado de la otra por los coleccionistas Burton y Emily Tremaine, que las querían a ambas. Es muy interesante para mí que el emparejamiento haya inspirado una gran cantidad de comentarios y críticas sobre el contraste que sugieren entre la vida pública y privada de Monroe, pero en realidad, la narrativa original es diferente.
Hemos estado viviendo en tiempos extraños de los últimos tiempos. ¿Cómo te has mantenido comprometido con el arte y la cultura?
Vi muchos documentales sobre artistas-Me encantó el documental de Duchamp, El Arte de lo Posible, porque dio una visión tan directa de su importancia en la evolución del arte contemporáneo, y un documental de Gerhard Richter que realmente explora su proceso material.
¿Cómo diferenciarías la escena artística de Londres de la de Los Ángeles?
creo que Londres tiene una historia de gran curación. En Los Ángeles, tienes lugares como el Gagosian y El Broad, donde entrarás y verás una enorme escultura de Jeff Koons u otra pieza icónica que se reconoce instantáneamente. Mientras que siento que, en Londres, hay más lugares como Sadie Coles, donde puedes ver artistas de renombre mundial además de ser introducidos a nuevos talentos. Lo interesante es comparar las escenas de Los Ángeles y Londres con Nueva York. Hay más similitudes entre Los Ángeles y Londres. La extensión geográfica y la falta de un distrito artístico claramente dominante. Parece que hay más espacio para la experimentación y la asunción de riesgos en ambos, mientras que Nueva York, debido a su concentración y costo de vida, crea una atmósfera diferente. Si fuera artista, preferiría vivir y trabajar en Los Ángeles o Londres.
«Creo que es interesante observar a los artistas decidir si se involucran o no con el paisaje digital»
¿Cómo crees que el panorama digital está cambiando el mundo del arte, y te gusta el arte digital?
Creo que ha habido una gran cantidad de videoarte increíblemente bueno recientemente de artistas como Kahlil Joseph y Arthur Jafa. Además de las conversaciones que provoca su trabajo, creo que la existencia misma de su tipo de piezas plantea interesantes preguntas sobre la propiedad. También creo que es interesante observar a los artistas que deciden si se involucran o no con el panorama digital, por ejemplo, mirar a alguien como Richard Prince, que ni siquiera es de la generación digital, pero aún usa las redes sociales de una manera tan inteligente para sus obras.
Creciste en Londres, viviste en Oriente Medio y ahora vives en Los Ángeles. ¿Cómo ha influido tu educación en tu gusto por el arte?
Al poder mudarme y vivir en diferentes lugares, he estado expuesto a muchos tipos diferentes de arte: desde el arte islámico hasta el arte occidental más tradicional y, finalmente, el arte contemporáneo, con el que me siento más cómodo porque siento que puede abarcar todos los universos en uno. También he tenido la suerte de construir amistades con diferentes personas que me han enseñado mucho sobre diferentes artistas. Kim Jones, me presentó a grupos de artistas de los que no sabía mucho antes, como el set de Bloomsbury. Creo que la exposición es clave: cuanto más te sumerjas en diferentes épocas artísticas o culturas, más podrás entender tu gusto personal.
