Durante los últimos cinco años, Katherine French ha sido líder en la comunidad artística de Nueva Inglaterra en su papel de directora del Museo de Arte Danforth en Framingham, Massachusetts. Allí ha comisariado numerosas exposiciones, incluidas las que exploran el expresionismo de Boston. En 2007, recibió un premio a la excelencia curatorial del capítulo de Nueva Inglaterra de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. En 2010, fue nombrada Mejor Curadora de Arte de Fabricación Local en los Premios de Arte de Nueva Inglaterra y reconocida como Alumna Distinguida por la Universidad de Boston. Bajo su dirección, el Museo de Arte de Danforth ha sido nombrado una Organización Cultural Sobresaliente por Massachusetts Arts Education Collaborative.
Por estas razones y más, elegí entrevistar francés. Sobre todo, quería saber cómo adquirió los recursos y el compromiso para transformar un museo de ho-hum en una experiencia de arte vibrante y receptiva.
LOIS TARLOW: ¿De dónde vienes?
KATHERINE FRENCH: Vengo de una larga línea de Vermonters de la clase trabajadora. De niño, el arte no era parte de mi vida. No visité museos, sino la belleza del área de Nueva Inglaterra, particularmente cerca del lago Willoughby, en el Reino Noreste de Vermont, donde ahora viven mis padres. Esto sin duda afecta mi visión del mundo y mi forma de observar la naturaleza y el paisaje.
Cuéntenos sobre su educación.
Me gradué de la Universidad de New Hampshire en 1975 como parte de su primera clase de BFA. Estudié con Sigmund Abeles, John Hatch y Conley Harris. A excepción de Hatch, todos habían enseñado en la Universidad de Boston y se acercaban al arte con un gran interés en la creación de imágenes. Hatch había servido en la campaña del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial como topógrafo de mapas y utilizó el método de Nicolaïdes de dibujar contornos para enseñar la coordinación mano-ojo. «No es dibujar lo que aprendes», decía, » es ver.»Fue en su clase que aprendí a pensar visualmente, a traducir mi línea de visión a la página. Recuerdo pensar mientras dibujaba, ¡Dios mío! Soy capaz de grabar mi visión, de dejar lo que estoy viendo. Para mí, esto era tan fundamental como aprender a leer y escribir.
¿Puede explicarlo?
En nuestra cultura aceptamos que la mayoría de los adultos dibujan a un nivel de segundo o tercer grado, deteniéndose aproximadamente a la edad en que la lectura toma el control. Cuando empiezan a luchar con el dibujo, justo en el momento en que quieren que las cosas se vean reales, no los ayudamos a superar la joroba. Algunos niños leen sin aprender a leer, y algunos luchan con él. Y si les decimos, no nos molestaremos en enseñarles a leer, porque no van a ser escritores. Pero hacemos esto mismo cuando se trata de dibujar. En lugar de decir, Está bien, no te preocupes por dibujar, no vas a ser un artista, debemos reconocer que el dibujo puede ser una herramienta importante para registrar la experiencia. El mundo ciertamente se enriquecería si todos pudieran comunicarse visualmente.
¿Qué hiciste después de graduarte?
Fui a Nueva York para ser artista, pero conseguí un trabajo en la Colección Frick, donde catalogé fotografías de estudio para historiadores del arte: retratos masculinos o femeninos, con la cabeza mirando a la izquierda o a la derecha, con la cabeza con las manos, con la cabeza sin manos. Todas las mañanas cogía el tren de Bedford Stuyvesant a Manhattan, que era como viajar a otro país. Visité museos y recuerdo a Mark Rothko en el Guggenheim y Louise Bourgeois en el MoMA. Vi Einstein de Robert Wilson en la playa del Lincoln Center y Spaulding Gray fuera de Broadway, ambas experiencias visuales. Ann Sutherland y Linda Nochlin, que acababan de presentar su innovador espectáculo sobre mujeres artistas y pintoras feministas, estaban ganando reconocimiento. En los años setenta, la gente volvía a tomar en serio la representación, en parte debido al espectáculo Era de la Revolución que conectaba la pintura de historia francesa con la narrativa. Pude ver el trabajo de artistas como Fairfield Porter y Louisa Matthíasdóttir, así como el trabajo más político de Nancy Spero y Leon Golub.
Suena como si Nueva York fuera una buena experiencia.
Al crecer en un lugar rural, crees que la vida ocurre en otro lugar. Me mudé a Nueva York porque sentí que era el lugar donde sucedían cosas reales. Mirando hacia atrás, sé que cosas reales sucedían dondequiera que iba. Pero aprecié mucho mi tiempo en Nueva York, la intensidad de la misma.
Cuéntanos sobre mudarte a Boston en 1977.
Fue como volver a casa. Comencé a trabajar como bibliotecaria de diapositivas en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Boston, y era una mosca en la pared cuando los profesores tenían reuniones ad hoc en la biblioteca. Sentado en mi escritorio, escuché conversaciones increíbles entre Philip Guston, Joe Ablow o David Aronson. Arthur Polonsky, Jim Weeks y John Wilson me hablaron del arte. Todos solicitaron diapositivas específicas para sus clases. A veces tendemos a agrupar a los artistas de este grupo. La segunda generación de expresionistas de Boston a menudo eran radicalmente diferentes entre sí. Me sentí privilegiada de trabajar para ellos. Cuando los oí hablar de Beckmann, fue como tomar un curso de arte del siglo XX.
¿Qué más hiciste en BU?
Gracias a la remisión de matrícula, completé dos programas de maestría mientras estaba en BU, primero en escritura creativa (trabajando con Leslie Epstein, John Irving y Richard Yates) y más tarde en educación artística de estudio (trabajando con Jan Olson). Estos siguieron naturalmente de mis estudios en la UNH, donde había recibido dos títulos en arte e inglés. Al estudiar pintura y escritura creativa, buscaba alrededor de dos áreas diferentes para llegar al mismo lugar. Me interesaba contar historias complejas y representativas, poder crear un mundo entero dentro de una pintura o una novela. Aunque no me convertí en pintor, novelista o incluso maestro, mi educación en artes visuales y lingüísticas es importante para mí. Lo uso a diario. No soy un creador de arte, sino un intérprete. Creo situaciones para que el arte florezca.
No siempre viviste en Boston. Has pasado tiempo en Europa.
Durante un tiempo trabajé en Londres en una bolsa de trabajo con un bibliotecario de diapositivas en el Politécnico del Noreste de Londres. Durante un año entero viví en su piso en Hackney e hice su trabajo. Vivía en mi apartamento en Cambridge e hizo mi trabajo. Hice algunos amigos maravillosos-artistas, plateros, fabricantes de instrumentos musicales-y experimenté lo que era vivir fuera de la propia cultura. Esto me hizo posible convertirme en mi propia persona, ser una autoridad para mí mismo. Una vez allí, también conocí a mi esposo, un conservador de instrumentos musicales antiguos que trasladó su negocio a Boston después de casarnos. Seguí trabajando en BU, incluso después de que nacieron mis dos hijas. Sé que muchas mujeres sienten que los niños impiden su progreso en las artes. Mis hijos me ayudaron a entender cómo ver. Los niños garabatean o dibujan en el momento en que recogen un objeto, incluso antes. Un bebé que agita los brazos o golpea al aire está dejando una marca en el mundo, es realmente un arte de performance temprano.
¿Fue esto cuando se interesó en la educación?
Sí, comencé a tomar cursos de posgrado en el programa de educación artística de BU y a ofrecerme como voluntario para enseñar clases de arte en la escuela de mis hijos (un programa bilingüe criollo haitiano en Cambridge) o en clases de arte comunitario de verano en el norte de Vermont. Luego, a principios de los 90, me dieron el trabajo de dirigir las galerías Sherman y 808 en BU y comencé a comisariar espectáculos de exalumnos. Empecé a hacer espectáculos más profesionales, una encuesta de Neil Welliver o la Bienal de Grabadores de Boston. Me enviaron al Smithsonian para un taller intensivo y comencé a pensar en mí como un profesional de museos. En lugar de escribir ficción, estaba escribiendo ensayos curatoriales sobre artistas y su trabajo.
Aproximadamente a esta hora dejaste BU y fuiste a Montserrat.
Sí, tomé un trabajo como directora de galería en el Colegio de Arte de Montserrat en 2002 y comencé a pensar en mí principalmente como curadora, alguien que puede interpretar lo que hace un artista y enfocar el proceso creativo de manera más nítida. Los artistas pueden existir perfectamente sin curadores, pero los curadores no pueden existir sin artistas. En cierto modo, estoy actuando como lo haría un buen editor para un escritor. De todos modos, soy mucho mejor curadora por haber pasado tiempo en Montserrat. En BU entendí el proceso por dentro y por fuera, el acto de dibujo y pintura observacional. En Montserrat estaba lidiando con video e instalación, y artistas que trabajaban de maneras en las que nunca tuve ninguna expectativa de pensar. Montserrat se convirtió en mi escuela de posgrado para estudios curatoriales, y me habría quedado si no hubiera sido directora de este museo.
Cuéntanos sobre el Danforth.
Aquí he encontrado un hogar natural en un museo comunitario que de ninguna manera es de élite. Mi amigo John Stomberg (ahora director asociado del Museo de Arte de la Universidad Williams) me advirtió que este podría ser el trabajo de su vida. Eso ha resultado ser cierto. La institución durará más allá de mi mandato, y encuentro una verdadera satisfacción al saber que he ayudado a crear un lugar para que los artistas existan.
Has trabajado duro en el Danforth. ¿Qué sigue en el horizonte?
Trabajo duro, pero esto es más importante que solo yo. Una persona no puede hacerlo sola. Como activista de la comunidad, entusiasma a la gente con una artista como Joan Snyder y creo un lugar para que su espectáculo se realice. Arreglaré el techo con goteras. Contrato suficiente personal para programas educativos. No niego que estoy empujando las cosas. Algunos miembros de mi personal se preguntan cuándo terminará esto. Sin embargo, el museo no puede seguir existiendo a menos que este edificio llame la atención, y estoy decidido a resolver nuestros problemas de instalaciones. Cuando me preguntas si podría considerar ir a otra parte, simplemente no lo veo. No tengo gusto por ir a un lugar que no tenga problemas que resolver. No sería tan interesante.
¿Qué diferencia al Danforth de otros museos?
Este museo ha abrazado el arte regional de una manera que nos hace únicos. Me inspira mucho visitar los estudios para ver a artistas ubicados en Nueva Inglaterra, y estoy convencido de que algunas de las mejores obras de arte contemporáneo se están haciendo en nuestro propio patio trasero, y aparecen en nuestras exposiciones anuales Fuera de la Pared. Y hemos proporcionado un hogar para el expresionismo de Boston. Tengo un gran interés en los artistas de Boston y me acerco a ellos sabiendo lo que es haber sido pintor. Pero no hay una sola historia, hay muchas. En el tiempo que me queda, espero escribir un libro que cuente algunas
de esas historias detrás del expresionismo de Boston. Me encantaría escribir ese libro.
Lois Tarlow es artista, escritora, profesora y observadora de aves.
