Un montaje eisenstein rápido y denso de ciclistas y estafadores vestidos de cuero, accidentes de tráfico, estrellas de Hollywood, tiras cómicas, iconos cristianos, imágenes nazis y una orgía simulada, Scorpio Rising de Kenneth Anger (proyectado en The Walker esta semana) se erige como una de las obras maestras más vistas e influyentes del cine estadounidense. Anger completó la película a finales de 1963, solo unas semanas antes del asesinato de Kennedy. Más tarde resumiría Scorpio Rising como «un espejo de la muerte que respeta la cultura estadounidense», y a medida que la sociedad parecía desmoronarse en los años siguientes, el público se congregó para mirar el espejo morboso de Anger.
En la década de 1960, Anger fue uno de los cineastas de vanguardia que recibieron atención nacional como parte de la fascinación de la corriente principal con «el underground» y todas las cosas contraculturales. Scorpio Rising obtuvo especial atención después de que un director de teatro de Los Ángeles fuera declarado culpable de obscenidad en 1964 por proyectar la película de Anger, que incluye breves destellos de desnudez y homoerotismo descarado. El fallo fue anulado más tarde, y en 1966, Variety informó que las proyecciones de la película en el Cine Bleecker Street en Greenwich Village (en un proyecto doble con The Brig de Jonas Mekas) «comenzaron a acumular más dinero del que los propietarios habían visto», alentando un posterior lanzamiento nacional. Este mismo año, Scorpio Rising se estrenó por primera vez en The Walker, como parte de lo que parece haber sido la primera serie del museo dedicada al cine experimental estadounidense; atípico de las proyecciones de películas de The Walker en ese momento, el espectáculo fue anunciado como «no adecuado para niños».»En otras partes del país, los dueños de teatros astutos promovieron el trabajo de Anger como una película de explotación de motociclistas y/o pornografía «totalmente masculina», y se rumorea que los bootlegs de 16 mm en blanco y negro de Scorpio Rising circularon en los bares gay de la Costa Oeste de la época. La notoriedad de la película fue tal que un perfil del New York Times de 1967 titulado «From Underground: Kenneth Anger Rising» incluso atribuyó la tendencia de moda para chaquetas de cuero y equipo de motociclista al éxito de Scorpio Rising. El debut de la película «atrajo a una multitud que incluía psicoanalistas, artistas y críticos de arte, y una representación de lo que la imaginación inflamada de los editorialistas de revistas de noticias ven como ‘la mafia homosexual’ de peluqueros, diseñadores de vestidos y decoradores», declaró el Times. «Casi de la noche a la mañana, los escaparates de elegantes boutiques de la parte alta de la ciudad tenían cadenas de motocicletas retorcidas lanzadas sobre lujosos sofás de terciopelo, y modelos con vestidos de alta costura, colocados entre los manillares de las motocicletas Leather El cuero y las gafas se convirtieron en equipo estándar para ambos sexos para hacer las galerías en el upper East Side, así como los bares en el lower West.»
Uno de los geniales críticos de arte que The Times vio en el debut de Scorpio Rising bien pudo haber sido Gregory Battcock, quien discutió la película en un ensayo de 1967 sobre «Nuevos experimentos en el Cine», llamándola «quizás el título experimental más famoso» de su día y una «contribución apta para la comprensión del cine y la imagen ‘pop’.»De hecho, las imágenes de Scorpio Rising de James Dean y Lil’ Abner no estarían fuera de lugar en las pinturas Pop de la época, pero los artefactos más prominentes de la cultura comercial utilizados en la película son las grabaciones de caída de agujas de rock and roll 45 que Anger empleadas como banda sonora de Scorpio Rising. En la película, Anger utiliza trece canciones, un número apropiadamente oculto para un seguidor profeso de Aleister Crowley, colocadas una tras otra a lo largo de sus 26 minutos. Ninguna de las canciones habría sido oscura para el público estadounidense de la época: todos se ubicaron en las listas de Billboard, con 10 títulos clasificados como los cinco primeros sencillos. «Era música pop la que tocaba en el verano de 1963, cuando estaba filmando», explicó Anger al académico Scott MacDonald en 2004. La alineación incluye tres grupos de chicas (The Angels, Martha and the Vandellas, y The Crystals) y tres ídolos adolescentes (Ricky Nelson, Bobby Vinton, Elvis Presley), ocho canciones de artistas blancos y cinco de artistas afroamericanos. La mezcla captura ahora el espíritu del rock and roll al final de su primera década, cuando la estética «Wall of Sound» de Phil Spector dominó la radio, justo antes de que llegara la Invasión británica para reorganizar el paisaje musical.
Mientras que el rock and roll se había utilizado en películas tan lejanas como Blackboard Jungle (1955), que presentaba «Rock Around the Clock» de Bill Haley and the Comets en sus créditos iniciales para agregar un aire de delincuencia juvenil, Scorpio Rising fue la primera película en usar música pop para un efecto artístico avanzado en lugar de un mero atractivo juvenil, aprovechando sus poderes emocionales a través de una edición contrapuntística enigmática. Como señala Carel Rowe, las canciones » sirven no solo como un medio de organización, sino también como una narrativa irónica. La larga influencia de Scorpio Rising se puede ver y escuchar en la banda sonora de rock de Easy Rider (1969), el uso puntiagudo de la música pop en las películas de Martin Scorsese (quien cita ver a Scorpio Rising en la universidad como un evento formativo), y el diseño cuasi narrativo del video musical. El propio Anger continuó empleando música pop y sus intérpretes: Las inquietantes obras de «Dream Lover» de las Hermanas de París sobre Kustom Kar Kommandos (1965); Moog noodlings de Mick Jagger proporcionan el ruido de fondo a Invocation of My Demon Brother (1969); y Anger encargó a Jimmy Page que creara una banda sonora para Lucifer Rising (1980), reemplazándola posteriormente por una composición de rock progresivo impulsada por la guitarra del encarcelado miembro de la familia Manson Bobby Beausoleil.
La técnica de Anger de emparejar sonido e imagen se ha rastreado tanto a la teoría de Eisenstein de la edición » cromofónica «como a la teoría de Crowley de las» correspondencias » ocultas entre elementos dispares (esta última se explora más a fondo en los escritos de Rowe sobre la Ira). Para la ira, la magia y el cine son el mismo arte: «Hacer una película es como lanzar un hechizo», dijo al Times en 1967, y la música tiene un papel especial que desempeñar. «En cualquier caso, se puede admitir que las largas cuerdas de palabras formidables que rugen y gemen a través de tantos conjuros tienen un efecto real en exaltar la conciencia del mago al tono adecuado», escribió Crowley en Magick in Theory and Practice (1929), » que lo hagan no es más extraordinario que lo que la música de cualquier tipo debería hacer.»Anger incluye esta cita en sus notas para Scorpio Rising, publicadas en 1966. También podríamos considerar una influencia tecnológica. Como ha señalado el historiador del cine Juan A. Suárez, Anger cita una inspiración para la banda sonora de Scorpio Rising como una visita a Coney Island en 1962, donde se encontró por primera vez con adolescentes que tocaban música pop en la playa desde pequeñas radios de transistores. La música portátil agregó una banda sonora al mundo, haciendo que la vida cotidiana se parezca mucho más a las películas. Al mismo tiempo, el auge del single de 45 rpm permitió que la misma canción se tocara una y otra vez, sus letras se hundían en el alma de un adolescente solitario.
Lo que sigue son anotaciones para cada canción utilizada en Scorpio Rising, listadas en orden de inclusión. Se escriben después de semanas de escuchar repetidamente.
1. «Los tontos Se apresuran (Donde Los Ángeles Temen Pisar)», Ricky Nelson, 1963
En el momento en que Ricky Nelson lanzó esta canción, ya era conocido por el público estadounidense como una de las estrellas de la comedia The Adventures of Ozzie and Harriet, que comenzó en la radio y luego en la televisión desde principios de los años 50 hasta 1966. Su carrera musical comenzó con una versión de 1957 de «I’m Walking» de Fats Domino’s, hecha cuando tenía 16 años. Al igual que muchas canciones pop de la época, «Fools Rush In» es también una versión, escrita en 1940 y grabada por Frank Sinatra, Glenn Miller y muchos otros: solo una semana después de que la versión rockabilly de Nelson llegara a las ondas, Lesley Gore lanzó su propia versión de bossanova.
Al igual que todas las canciones que aparecen en Scorpio Rising save the last, «Fools Rush In» es una canción de amor. El suave sonido de la voz de Nelson y la instrumentación sonora que lo acompaña se escucha en las tomas de apertura de piezas de motocicleta, botas y cadenas dispuestas en el sucio piso de un garaje; curiosamente, la voz del último chico de los suburbios, de clase media y de corte limpio de Estados Unidos choca con las imágenes de un medio urbano de clase trabajadora. Pero a medida que la canción llega a su conclusión, Anger agrega los rugidos de un motor de motocicleta sobre las palabras de Nelson; un icono de escorpión se acerca y se aleja rápidamente, como una transición de un viejo serial de Flash Gordon, y vemos el título de la película escrito con tachuelas plateadas en la parte posterior de una chaqueta de cuero. El hombre que lleva la chaqueta se da la vuelta y somos testigos de su pecho desnudo, con los extremos del cinturón de la chaqueta aleteando falsamente en su cintura. «Abre tu corazón», le suplica Nelson, «y deja que este tonto se apresure», mientras la figura camina hacia la cámara, la carne de su peludo estómago se encuentra con la lente. Las letras de Nelson se intensifican de este modo: la mera urgencia romántica se convierte en una desesperación sexual básica.
El signo astrológico de Escorpio, gobernado por el planeta Marte, se ha asociado durante mucho tiempo con la virilidad sexual, el exceso y la violencia. Por ejemplo, Alan Leo, cuyo trabajo forma la base de la astrología moderna, escribió en 1899 que los individuos nacidos bajo el signo ascendente de Escorpio son «audaces y belicosos, inclinados a precipitarse en peleas» y propensos a «muchos asuntos amorosos secretos».»La ira ha declarado que su propio signo astrológico es Acuario con Escorpio en ascenso. Uno podría imaginar que no solo el sexo y la violencia, sino también la muerte, se arrastra hacia «Los tontos se apresuran», a través de la figura de Nelson, quien creció, a la vista del público, de un niño a un adolescente a un hombre. Anger también afirma haber sido un actor infantil (a menudo afirma que apareció a los ocho años como el Príncipe cambiante en El sueño de una noche de verano de Max Reinhardt y William Dieterle) y completó su primera película existente, Fireworks (1947), a los 20 años. El envejecimiento de las celebridades incita a la contemplación de nuestra propia mortalidad: un recuerdo mori inadvertido se reproduce en la cara de cada estrella. En 1963, Anger, una vez un enfant terrible, era ahora un hombre de 36 años. Parece imposible que no hubiera considerado el inexorable paso del tiempo mientras pasaba el rato con duros callejeros de una generación más joven y agregaba canciones de adolescente a sus imágenes.
2. «Muñeca de cuerda», Pequeña Peggy March, 1963
Uno de los cortes más oscuros e inquietantes de Scorpio Rising, «Wind-Up Doll» fue lanzado como cara B de la pequeña Peggy March, «I Will Follow Him», que aparece más adelante en la película. Estas son las dos únicas canciones del mismo artista en la banda sonora, una es la otra cara de la otra. En la letra, cantada lastimeramente por March, una niña se compara a sí misma con una muñeca mecánica en una metáfora extendida. «Enrolla, realmente camino, enrolla, realmente hablo», canta, haciéndose eco del lenguaje de la publicidad, con ella misma como mercancía: «Enrolla y vendré directamente a ti.»Nada podría estar más lejos del espíritu de la proto-feminista de Lesley Gore «You Don’t Own Me», lanzada el mismo año. Aquí, la joven vacía su propio ser interior por el amor de un niño, prometiendo convertirse en un juguete para él, un mero autómata que solo puede responder a sus acciones. «Puedes ver lo que me motiva, pequeños resortes y engranajes», canta. «Puedo mostrarte un truco más: romperme el corazón, lloraré lágrimas de verdad.»
La voz de March se reproduce sobre un montaje de motociclistas arreglando motores de motocicleta intercalados con imágenes de bicicletas de juguete de cuerda. El sonido de un minúsculo motor mecánico que es enrollado por una llave, un poco inteligente de instrumentación no tradicional utilizada en la canción, coincide perfectamente con las tomas de un motociclista que tuerce una llave mientras trabaja. Así surge una correspondencia entre la mujer, el juguete y la máquina, todos sujetos a la manipulación masculina. Las motocicletas son solo juguetes para niños grandes, objetos fetichistas que juegan el papel de los seres queridos. «La Máquina de Poder vista como un tótem tribal», escribe Anger en sus notas para la película, «del juguete al terror.»
3. «Mi Novio Ha Vuelto», Los Ángeles, 1963
El segmento de este clásico de grupo de chicas comienza y termina con un primer plano de un esqueleto vestido con una túnica púrpura. Después de que comienza la canción, pronto vemos que esta figura macabra decora parte de un garaje, supervisando a un joven con una camiseta negra y jeans mientras se queja con una motocicleta. La bicicleta es un malva incongruente y femenino, que repite el color de las túnicas reales del esqueleto. El espectador debe reflexionar sobre si el «novio» del que hablan los Ángeles es el joven, su motocicleta o, de hecho, la Muerte misma. Este contexto aumenta la sensación de violencia sexualizada en la canción, subyacente a su letra de burla en el patio de la escuela y al aplauso de rima de conteo rítmico: si uno escucha de cerca la narrativa, se trata de una chica que le dice a uno de sus compañeros de clase masculinos que su novio le va a patear la mierda viviente por difundir rumores sobre ella. «Porque es un poco biiiig y fuerte», canta, dibujando las palabras con insinuaciones coquetas.
4. «Terciopelo azul», Bobby Vinton, 1963
En Visionary Film, P. Adams Sitney relata una anécdota de Anger sobre cómo «Terciopelo Azul» de Vinton llegó a ser utilizado en Scorpio Rising: «Anger describió una vez su búsqueda de la cuarta canción como un ejemplo de ‘magia'», escribe. «Dijo que había completado la selección para todas las otras canciones y necesitaba algo para este episodio, en el que tres ciclistas en diferentes lugares se visten ritualmente con cuero y cadenas con el montaje saltando continuamente de uno a otro. La ira encendió su radio y ejerció su voluntad. Salió ‘She wore blue velvet’ de Bobby Vinton, que cuando se unió al episodio creó precisamente la ambigüedad sexual que la ira quería en esta escena.»La ambigüedad sexual que describe Sitney es producida inmediatamente por la primera toma del segmento, en la que la cámara recorre lentamente las piernas de los jeans de motociclista, colocándose en su cintura mientras abrocha su bragueta abierta debajo de un torso desnudo. El terciopelo azul se convierte en uno con el denim azul; Vinton canta de su vestido de satén mientras vemos a un joven con una chaqueta de cuero. En estas letras, la ropa se convierte a la vez en un fetiche sexual y en un detonante para el recuerdo de un amor perdido. «Vestía terciopelo azul», canta Vinton, colocando a su amada en el pasado, » preciosa y cálida, un recuerdo.»
5. «(Tú eres el) Diablo Disfrazado», Elvis Presley, 1963
En quizás el segmento Pop más típico de la película, vemos a un motociclista (llamado Escorpio en las notas de Anger) descansando en un apartamento desordenado con dos gatos siameses, sus paredes cubiertas con pin-ups de James Dean como el dormitorio de una adolescente, mientras fuma cigarrillos y lee los cómics del domingo. Un panel de Dick Tracy revela una pila de cráneo y huesos; Lucy golpea a Charlie Brown. Anger comienza a intercalar tomas tomadas de una pantalla de televisión de Marlon Brando en The Wild One (1953), en la que interpreta al líder de una banda de motociclistas. Los fans de Dean y Elvis habrían sabido que ambas estrellas eran famosas por amar las motocicletas; en varios momentos, se rumoreaba que los tres ídolos tenían inclinaciones homosexuales. Aquí, de nuevo, una dirección a una amante femenina parece mapearse con una figura masculina. «Pareces un ángel, caminas como un ángel, hablas como un ángel», canta Elvis. «Pero me di cuenta. Eres el diablo disfrazado.»En las tradiciones ocultas, la invocación de ángeles o demonios proporciona la fuente del poder de un mago, y en este caso, las dos fuerzas del bien y del mal se han vuelto indistinguibles.
6. «Toma el camino», Ray Charles, 1960
Anger emplea «Hit the Road Jack» de una manera relativamente inequívoca, jugando como Scorpio se viste y se prepara para salir de su apartamento, con una gran cantidad de ruidos de motor colocados en la parte superior. Las imágenes cambian rápidamente entre tomas de Escorpio con una pulsera de cuero, imágenes granuladas de estilo documental de ciclistas recorriendo Coney Island y más imágenes de Brando en su motocicleta en The Wild One. El titular de un periódico dice «El ciclo golpea el agujero & Mata a dos» mientras los coristas de Charles cantan «Hit the road Jack, and don’t you come back no more». Al escribir esta escena, el crítico Parker Tyler comenta que el viaje desde el » estudio de la habitación del niño de cuero to al camino abierto también es simbólico en el sentido de que, según Anger, implica un lanzamiento final de death wish en el espacio infinito.»
7. «Ola de calor», Martha y los Vandellas, 1963
Hasta ahora, las canciones han hablado sobre el deseo en términos de anhelo, pérdida y rechazo. Pero en este episodio, la ira cambia de marcha, y nos lanzamos a una celebración musical de la embriagadora euforia del amor. Mientras un latido al fondo abre la canción, Escorpio inclina su dedo en un frasco de polvo blanco y lo eleva a su fosa nasal, resoplando un chichón con un rápido movimiento de cabeza hacia atrás. La película muestra unos fotogramas de color rojo puro, seguido de un primer plano rápido de un ciclista de juguete con el cabello sorprendido enmarcando su cara de muñeca de juguete. «Cada vez que estoy con él, algo dentro comienza a arder, y me lleno de deseo», se abrocha Martha Reeves. «¿Podría ser el diablo en mí, o es así como se supone que es el amor?»Anger agrega un extraño conjunto de sonidos animales a la voz de Reeves, que recuerdan a la risa temblorosa de una hiena. En «Ola de calor», las intensidades de barrido del placer no se pueden distinguir del dolor. «No se que hacer. Tengo la cabeza nublada. Es como una ola de calor, ardiendo en mi corazón. No puedo evitar llorar. Me está destrozando.»
Estudiosos y críticos han descrito de diversas maneras los insuflados de Escorpio en polvo como cocaína o metanfetamina; lo último es más probable, dada la popularidad relativa de la droga en ese momento. En cualquier caso, este momento sirve como preludio a las aventuras lisérgicas del trabajo posterior de Anger, en el que los efectos de los narcóticos, el arte y la brujería se convierten en uno.
8. «Es un Rebelde», Los Cristales, 1963
A medida que se abre este himno a los chicos malos producido por Spector, seguimos una vista a nivel de bota de Escorpio caminando a través de un callejón mugriento. «Vea la forma en que camina por la calle», entonaron las chicas, funcionando como un coro griego a través de Motown. A esta Ira se añaden fragmentos de color azul de una imagen de la Biblia cursi, a menudo citada como El Camino a Jerusalén de la Película Familiar, que probablemente fue una versión de película casera editada de la serie de televisión de 1952 The Living Bible. Al igual que con el descubrimiento mágico de «Terciopelo Azul» en la radio, Anger afirma que encontró el carrete de 16 mm de Camino a Jerusalén sentado en su puerta un día, entregado por error a él en lugar de una iglesia cercana. Cuando Jesús cura la vista de un ciego, Escorpio, vestido con ropa de policía, deja boletos falsos en motocicletas, y la ira lanza un parpadeo y te perderás la toma de un pene que emerge de un par de jeans para un efecto completamente profano. El andar de Escorpio coincide con el de Jesús caminando a través de la Tierra Santa con sus discípulos a cuestas. A través de este montaje de sonido e imagen, el rebelde se fusiona con el salvador, Escorpio con Cristo, el héroe con el amante, el policía con el criminal.
9. «Luces de fiesta», Claudine Clark, 1962
La exuberante «Luces de fiesta» de Claudine Clark, la maravilla de un solo éxito, abre lo que Anger ha apodado el episodio «Walpurgis Night», haciendo referencia a la creencia folclórica de que, en la última noche de abril, hordas de brujas se reúnen para adorar a sus dioses oscuros. Luces de Navidad brillan en los radios de una motocicleta estacionada mientras Clark y sus coristas testifican: «Luces de fiesta, veo las luces de fiesta. Son rojos, azules y verdes.»Una banda de hombres jóvenes llegan en varios disfraces demoníacos de Halloween y estados de desnudez. Un motorista musculoso empuja la cabeza de un amigo hacia su entrepierna ajustada y blanca; otro pasa con lo que parece un traje de Mickey Mouse. Más imágenes de Jesús y su tripulación proponen paralelos blasfemos, pero también dibujan las insinuaciones espirituales del lenguaje de la revelación de Clark. En la literatura Teosófica, «Lucifer» es imaginado como el «Portador de Luz», una etimología que la Ira ha citado con frecuencia; aquí, Lucifer se funde con Jesús, «la luz del mundo» (Juan 8:12).
El crítico Tony Rays ha elogiado esta secuencia por su complejo uso de edición. «El ideal de Eisenstein is se logra sorprendentemente en la secuencia de ‘luces de fiesta'», escribió en 1969. «donde el arreglo duro y denso de la canción matched se combina con un engrosamiento en los términos de referencia en el montaje, mientras que al mismo tiempo las letras se relacionan explícitamente con el desarrollo de la escala de colores de la película.y produce una producción cinematográfica tan rica en resonancia como cualquier otra de Eisenstein.»
10. «Tortura», Kris Jensen, 1962
11. «Punto de No Retorno», Gene McDaniels, 1962
«Torture» y «Point of No Return» son dos canciones en gran parte olvidadas, y los charters de Billboard más bajos de the bunch. Kris Jensen nunca vio otro éxito; Gene McDaniels más tarde trabajaría principalmente como productor y compositor formidable, sobre todo para Roberta Flack, insertando la conciencia negra y los ritmos de jazz en el pop con canciones como «Compared to What».»Aquí Jensen entona» Me estás torturando » a un amante invisible a medida que aparecen actos más literales de tormento al estilo de la fraternidad: mostaza caliente se vierte precariamente cerca de la entrepierna de un hombre mientras sus amigos lo tiran al suelo; una toma subliminal de un culo desnudo marcado por el abuso sigue una imagen de Escorpio apuntando hacia abajo a su bota, como para ordenar obediencia. La ira agrega los ruidos de los hombres gritando, los chillidos de los cerdos y más ruidos del motor a medida que la película se convierte en el número más suave y optimista de McDaniel. Pero al ver imágenes de un rally de motos, recordamos a James Dean y su fallecimiento a alta velocidad, y las letras de McDaniel adquieren una triste ironía: «Estoy en el punto de no retorno y para mí no habrá vuelta atrás.»
12. «Lo Seguiré,» Pequeña Peggy March, 1963
A estas alturas, el montaje de Anger alcanza un punto álgido: las imágenes de Hitler aparecen con las de Cristo, el supuesto coprotagonista de Anger Mickey Rooney como Puck de un Sueño Nocturno de Verano, y Escorpio agitando una bandera de cabeza de muerte, y luego meándose en su casco en el altar de una iglesia oscurecida. Los sonidos de aviones con zoom, explosiones y gritos se mezclan con la voz de March mientras canta su adoración desesperada y abyecta a «él».»El nazismo se equipara con el cristianismo, y el rebelde es un dictador disfrazado. Nuestra familiaridad con la canción pop canónica de March se evapora a medida que sus letras se revelan como lo que realmente son: un himno al masoquismo y la completa disolución del yo. Mientras canta el clímax de la canción, cada palabra es impulsada por el empuje brutal de las cuerdas de violín. Grita estas palabras en grupos de tres, como para invocarlo a través de un encantamiento:
YO LO AMO
YO LO AMO
YO LO AMO
Y DONDE ÉL VA
VOY A SEGUIR
VOY A SEGUIR
VOY A SEGUIR
ÉL SIEMPRE VA A SER
MI VERDADERO AMOR
MI VERDADERO AMOR
MI VERDADERO AMOR
a partir DE AHORA HASTA el
SIEMPRE
SIEMPRE
SIEMPRE
por lo menos Desde su 1964 obscenidad juicio, Scorpio Rising ha sido interpretada de una «anti-fascista» de la película. Rowe ha citado a Anger diciendo: «Encuentro ridícula la idea de que alguien sea el Líder», y, de hecho, la filosofía Crowleyana respalda un individualismo radical. Pero si el Levantamiento de Escorpio ofrece una crítica del fascismo, solo lo hace evocando las intensidades perversas de sus placeres, extrayendo el atractivo erótico de la dominación y la sumisión.
13. «Wipe Out», El Surfaris, 1963
Un breakout B-lado a La Surfari ahora desconocidos de su hit «Surfer Joe,» extended instrumental comienza con un sonido estridente seguido por una, eco-septadas stoner cacareo que conduce a la canción sólo palabras: «Jajajajajaja … barrido.»Las imágenes nocturnas de ciclistas corriendo por las calles de Brooklyn se convierten en una tormenta de fuego roja y negra de calaveras, cadenas, chicas go-go, cromo reluciente y una sirena parpadeante, que culmina con la aparición de un ciclista tendido en el suelo, recibido por los sonidos de los policías que llegan. En el brazo del motociclista apenas leíamos el eslogan Beatnik de su tatuaje: BENDITO, BENDITO OLVIDO. Con la muerte del motorista, su sujeción a la máquina llega hasta el punto de la autodestrucción.
«Wipe Out» es la canción de Scorpio Rising que no es una canción de amor. En cambio, celebra el peligro de cortejar en las olas del océano. Pero también marca un cambio en la música estadounidense y la cultura juvenil que la apoyó. «Wipe Out» presagia el final de la inocencia tímida de la música pop, anunciando el reinado venidero del rock de garaje impulsado por la guitarra. Los ritmos retorcidos de» Wipe Out » conducirían a otras formas de olvido—páramos adolescentes densos de neblina púrpura—que a su vez evolucionarían hacia el nihilismo del heavy metal y el punk. Por lo tanto, el final de Scorpio Rising puede leerse como un anuncio de la muerte del pop estadounidense o como un conjuro de su transformación oculta.
Las pantallas Scorpio Rising de Kenneth Anger en The Walker el 20 de agosto de 2015, como parte del Cine Pop Internacional.
