kirjoittanut Milner Fuller. Posted in Blog
Who ’ s your favorite jazzpianist?
kuka on suosikkisi klassisesta säveltäjästä?
näitä kysymyksiä kysytään yleisimmin musiikin ystävien keskuudessa. Harvemmin kysymykset kääntyvät toisinpäin. Miksi? Jazz on esiintyjäpainotteinen genre, kun taas klassinen korostaa säveltäjää.
jazzpianistille säveltäminen ja esiintyminen ovat yksi ja sama asia. Säveltäjä / muusikko Gunther Schuller kirjoitti kerran, että” improvisaatio on jazzin sydän ja sielu”, ja David Baker olisi sitä mieltä, että improvisaation pitäisi olla jazzkasvatuksen kulmakivi. Jazzin improvisaatiojuuret löytyvät siitä, kuinka monta kappaletta nuotitetaan: sen sijaan, että jokainen nuotit kirjoitettaisiin muistiin, jazzin Esittäjät käyttävät usein lyijylakanoita, jotka tarjoavat melodian ja harmonian laajan ääriviivat. On esiintyjän tehtävä täyttää aukot. Tuttu standardi saattaa näyttää sivulla jotakuinkin tältä:
Lyijylakanat antavat jazzmuusikoille paljon vapautta. Saat melodian ja sointuja, ja loppu on muusikosta kiinni. Seuraavassa kaksi tulkintaa tästä Cole Porter-klassikosta:
2015 American Pianists Awards-voittaja Sullivan Fortner
Cy Walter
vertaa tätä erittäin yksityiskohtaiseen kirjoittamiseen, esimerkiksi Anton Webernin lauluun hänen Op. 12-teoksestaan (”Schien mir’ s, als ich sah die Sonne”).
huomaa Webernin kappaleessa, että jokaisessa nuotissa on jonkinlainen lisämerkintä. Säveltäjä on ottanut hallintaansa jokaisen sävelkorkeuden, rytmin, dynamiikan, tempon, artikulaation ja fraseerauksen. Hän ei jätä juuri mitään sattuman varaan (paitsi ehkä muusikon kyvyn oivaltaa jokainen yksityiskohta kerralla). Webernin esimerkki on äärimmäinen,mutta yleisesti ottaen klassinen notaatio on paljon jazzia yksityiskohtaisempi.
jazzesiintyjän tehtävä on aina ollut toteuttaa jokin musiikkikappale mahdollisimman luovasti ja yksilöllisesti. Vaikka esiintyjät ammentavat perinteestä, joka on periytynyt jazzmuusikoiden sukupolvelta toiselle, yksikään toinen jazz-esittäjä (jos he ovat yhtään hyviä) ei esitä teosta samalla tavalla. Kun otetaan huomioon jazzesityksen improvisatorinen aspekti, harvoin saman artistin kaksi saman teoksen esitystä kuulostavat täsmälleen samalta.
American Pianists Associationin ystävä ja usein tuomariston jäsen (sekä jazz että klassinen) John Salmon kirjoittaa: ”perinne keskittyä jazz-esiintyjään eikä esitettävään työhön on koko jazzperinteen ydin ja alku. Jazzpianistit yrittivät aina päihittää toisensa, kuten kuuluisissa Harlemin vuokrajuhlissa, joissa pianistit periaatteessa kilpailivat toisiaan vastaan ja tuhlailevin ja virtuoosisin pianisti voitti illan kunnian. Virtuositeetti on aina ollut jazz-esiintyjien ytimessä. James P. Johnsonilla, Fats Wallerilla, Art Tatumilla, Charlie Parkerilla ja John Coltranella oli mahtavat kyljykset. Poikkeuksiakin tosin oli, kuten haikea ja selvästi virtuoositon saksofonisti Paul Desmond ja hillitty, lyyrinen Billie Holiday. Mutta näissäkin tapauksissa keskityttiin väistämättä siihen, miten he tulkitsivat jazzstandardeja lähes enemmän kuin itse jazzstandardi.”
klassisessa esityksessä on monia koulukuntia, ja estetiikka muuttuu ajan myötä huomattavasti. Aikaisempien aikakausien musiikista tuli suositumpaa 1800-luvulla, kun kirjallisuuden kaanon perustettiin, eikä silloisilla esiintyjillä ollut vaikeuksia laittaa klassikoille omaa pyöritystä, usein sivuuttaen merkinnät ja jopa vaihtuvat nuotit. Gustav Mahler jopa järjesteli uudelleen teoksia, kuten Beethovenin sinfonioita, ”korjaten” alueita, jotka kärsivät 1800-luvun alun orkesterin rajoituksista. Mahlerin mukaan nämä ”korjaukset” olivat säveltäjän hengen mukaisia—hän halusi vain tuoda partituuriin kerroksia.
1900-luvun alussa kapellimestari Arturo Toscaninin popularisoimasta come scritto-liikkeestä tuli suosittu estetiikka. Sviatoslav Richter soveltaisi tätä tekniikkaa pianoon. Lähestymistavastaan esittämiseen hän kirjoitti: ”tulkki on todella teloittaja, joka toteuttaa säveltäjän aikeita kirjaimellisesti. Hän ei lisää mitään, mikä ei ole jo työssä. Jos hän on lahjakas, hän antaa meille mahdollisuuden nähdä totuuden työstä, joka on itsessään nerokas ja joka heijastuu häneen. Hänen ei pitäisi hallita musiikkia, vaan sulautua siihen.”
tässä on esimerkki Richterin soittamasta Bachista:
siinä missä Toscanini ja Richter ilmentäisivät tekstimuotoista tulkintaa (voisimme kutsua heitä musiikin Scalioiksi), muut 1900-luvun muusikot olivat taipuvaisia yksilöllisempään soittotapaan, toisin kuin 1800-luvun muusikot. Kapellimestari Wilhelm Furtwängler kuvasi tätä tyyliä kapellimestarina, ja voit kuulla hänen vaikutuksensa pianisti/kapellimestari Daniel Barenboimiin, joka uskoo, että tempoon, joka ei suinkaan ole metronomin määräys, pitäisi vaikuttaa ennen kaikkea harmonialla. Tämä perinne voi löytää juurensa Beethovenista, joka sanoi omista metronomimerkinnöistään, että ne soveltuivat vain ”ensimmäisiin mittoihin, sillä tunteella on oma temponsa.”
tässä Barenboim soittaa Beethovenia:
myöhemmin 1900-luvulla historiallisesti informoitu performanssiliike tukeutui perioditekstien ja tutkielmien tutkimukseen pyrkiessään luomaan uudelleen musiikkiteoksia sellaisina kuin ne kuulostivat sävellyshetkellä. Jotkut esiintyjät erikoistuvat tiettyjen aikakausien musiikin esittämiseen soveltamalla tietoamme siitä, miten asioita esitettiin yli 200 vuotta sitten. Koska useimmat soittimet kehittyivät merkittävästi koko 1800-luvun ajan, jotkut soitinvalmistajat alkoivat rakentaa soittimia aiempien aikakausien tyyliin esittääkseen tuon aikakauden musiikkia.
tässä on esimerkki Melvyn Tanin (fortepiano) ja Roger Norringtonin (kapellimestari) soittamasta Beethovenin konserttia periodisoittimilla:
tyylistä riippumatta useimmat klassiset muusikot ovat samaa mieltä siitä, että he yrittävät vain ilmaista säveltäjän aikeita, eivät omia aikeitaan. Klassiset pianistit pitävät itseään enemmän kuraattoreina kuin kanssasoittajina. Muusikosta tulee astia, jonka kautta säveltäjä puhuu.
kuten arvata saattaa, jazzpianistien arviointitehtävä on aivan erilainen kuin klassisen pianistin. Tuomarit kertovat, mitä yhteistä heille on kuitenkin se, että heillä täytyy olla poikkeuksellinen tekniikka, ja heidän täytyy pystyä saamaan yhteys yleisöön. American Pianists Awards-kilpailun finalistit ja voittajat osoittavat johdonmukaisesti näitä ominaisuuksia, ja YouTube-kanavallamme on monia esityksiä todistettavana. Tutustu ja tilaa jo tänään!
APA: n taiteellisen ylläpitäjän Milner Fullerin artikkeli erityiskiitoksin John Salmonille.
