Il semble que presque tout ce qui a jamais été enregistré finit par arriver sur Youtube — au moins pendant un certain temps. Des discours historiques de Gandhi et de Martin Luther King, Jr. aux théories du complot décousues des habitants obscurs du sous-sol, vous pouvez tout entendre. Un phénomène particulier de ces dernières années est celui de la « piste isolée », les enregistrements vocaux et d’instruments individuels de chansons bien connues, généralement tirés directement des bandes maîtresses. Nous en avons présenté beaucoup, des batteurs célèbres comme John Bonham et Stewart Copeland aux bassistes comme Sting, Paul McCartney et Queen’s John Deacon.
Aujourd’hui, nous vous apportons des morceaux isolés de certains des guitaristes les plus célèbres du rock ‘n’ roll, et nous le faisons en pleine anticipation d’une flopée d’indignés « Qu’en est-il d’untel et d’untel! » commentaire. Donc, pour anticiper certains sentiments inévitablement blessés, gardez à l’esprit que la sélection de pistes isolées en ligne est — malgré les nombreuses richesses de Youtube — plutôt limitée. Nous travaillons avec ce qui est disponible ici. Et si vous ne voyez pas votre Joe Pass ou votre Bonamassa — deux guitaristes que j’admire beaucoup — ou tout autre joueur de jazz ou de blues, c’est parce que nous nous concentrons spécifiquement sur les guitaristes de rock.
Cela dit, commençons par ce qui est sans doute la ligne de guitare la plus reconnaissable depuis le travail de Jimmy Page dans « Stairway to Heaven. »Vous avez entendu l’intro de « Sweet Child O ‘ Mine » un nombre incalculable de fois — jouée magnifiquement par Slash et ses imitateurs talentueux, et mal par des étudiants en difficulté dans les magasins de musique. Mais avez-vous déjà vraiment entendu ce que le premier guitariste de rock des années 90 fait dans le reste de la chanson? Une fois qu’Axl Rose commence à se lamenter, il est un peu difficile d’écouter autre chose. Prenez donc six minutes et parcourez toute la piste isolée ci-dessus. C’est un mélange assez étonnant d’arpèges délicats, de rythmes surpuissants et, bien sûr, des lignes de tête soutenues et de la folie wah-wah que nous connaissons de ces solos si mémorables. OnStage magazine a une belle petite ventilation de la technique et du ton de Slash. Pour une dissection très approfondie de la plate-forme exacte qu’il a utilisée en studio pour produire ces sons, consultez cet article.
Avant the mighty Slash, le guitariste rock le plus influent était sans aucun doute Eddie Van Halen, dont les manœuvres et les innovations techniques ont complètement changé la façon dont les guitaristes de rock et de métal ont abordé l’instrument. Van Halen, écrit Ultimate Classic Rock, « a pratiquement réinventé à lui seul tout le lexique de la guitare rock avec son mélange de ton, de technique et de musicalité pure. »Il l’a aussi fait à deux mains, inventant plus ou moins le tapping à deux mains », une technique dans laquelle Van Halen utilise les doigts de sa main droite pour effleurer des notes sur le manche de la guitare, ce qui lui permet de prononcer des passages très rapidement sans les limites d’un médiator. »Vous pouvez entendre plusieurs exemples dans cette liste des 10 meilleurs solos d’Eddie Van Halen.
Juste au-dessus, dans la piste de guitare isolée de « Panama », écoutez un aspect souvent méconnu du jeu de Van Halen : son travail rythmique exceptionnel. Ponctués de glissades, de plongées et de virages graveleux, et du riff familier de trois notes de la chanson, les rythmes de Van Halen sont extraordinairement fluides, musicalement expressifs et incroyablement dynamiques. Son travail solo ici est subtil – pas aussi flashy que dans tant d’autres chansons — mais cela nous permet de nous concentrer d’autant plus sur la brio de son jeu rythmique. Comme Slash, Van Halen a dû rivaliser avec un chanteur ridiculement flamboyant, et comme Slash, il apparaît souvent comme la véritable attraction principale du groupe.
Joue à « Oiseau libre », mec. Non, pas tout ça. Mais écoutez ce solo, les 4 minutes et plus, ci-dessus, joué par Allen Collins. L’attaque à trois guitares de Lynyrd Skynyrd de Collins, Ed King et Gary Rossington a peut-être semblé extravagante, ou tout simplement indulgente, mais elle a servi un objectif important: reproduire parfaitement les enregistrements de l’album sur scène. Le chef d’orchestre Ronnie Van Zandt « était un fervent adepte de la perfection — à tel point que tout le monde était censé jouer plus ou moins les mêmes solos que sur l’album », écrit le blog One Week // One Band, « parce que c’est ce que le public est venu entendre. »Le solo hurlant de Collin – numéro 3 du top 100 mondial de la guitare – est né par hasard, tout comme la chanson entière, en fait, reconstituée de manière impromptue par le groupe pendant les répétitions. Mais pourquoi « Oiseau libre » ne semble-t-il jamais se terminer? Rossington a l’histoire:
… Nous avons commencé à le jouer dans des clubs, mais c’était juste la partie lente. Puis Ronnie a dit: « Pourquoi ne ferais-tu pas quelque chose à la fin de ça pour que je puisse faire une pause de quelques minutes? »j’ai donc trouvé ces trois accords à la fin et Allen les a joués, puis j’ai joué en solo, puis il a joué en solo… tout a évolué à partir d’un jam un soir. Nous avons donc commencé à le jouer de cette façon, mais Ronnie n’arrêtait pas de dire: « Ce n’est pas assez long. Fais-le plus longtemps. »
Sur la version studio, « Collins a joué lui-même tout le solo sur sa Gibson Explorer. » Dit Rossington, « Il était mauvais. Il était super mauvais ! Il était mauvais jusqu’à l’os bad comme il le faisait, il était tellement chaud! Il l’a juste fait une fois et l’a fait à nouveau et cela a été fait. »Et là, vous l’avez.
Si cette liste n’avait pas de Clapton, je recevrais probablement des menaces de mort. Heureusement, nous avons un morceau de Clapton isolé, mais pas d’un groupe de Clapton. Au lieu de cela, ci-dessus, écoutez son travail d’invité sur la chanson des Beatles écrite et chantée par George Harrison « While My Guitar Gently Weeps » de 1968. Dans un précédent article sur cet enregistrement magistralement emblématique, Mike Springer décrivait la technique et l’équipement de Clapton: « Pour donner l’impression d’une personne pleurant et pleurant, Clapton utilisait les doigts de sa main frettée pour plier profondément les cordes, dans un vibrato descendant très expressif. Il jouait une Gibson Les Paul de 1957, une guitare qu’il avait déjà possédée mais qu’il avait donnée à Harrison, qui la surnommait Lucy.' »
J’admets que j’ai grandi en supposant que Harrison jouait les rôles principaux dans cette chanson, une hypothèse qui a coloré mon évaluation du jeu de Harrison en général. Mais s’il n’est certainement pas en reste, il a même admis qu’il valait mieux laisser cela à l’homme qu’ils appellent « Slowhand » (un surnom, d’ailleurs, qui n’a rien à voir avec son jeu). Typiquement humble et discret, Harrison a décrit à Guitar World en 1987 comment Clapton est venu en tant qu’invité sur la chanson:
Non, mon ego préférerait qu’Eric joue dessus. Je vais vous dire, j’ai travaillé sur cette chanson avec John, Paul et Ringo un jour, et ils ne s’y intéressaient pas du tout. Et je savais en moi que c’était une belle chanson. Le lendemain, j’étais avec Eric, et j’allais à la session, et j’ai dit: « Nous allons faire cette chanson. Allez et jouez dessus. » Il a dit: « Oh, non. Je ne peux pas faire ça. Personne ne joue jamais sur les disques des Beatles. » J’ai dit : « Écoute, c’est ma chanson, et je veux que tu joues dessus. »Alors Eric est entré, et les autres gars étaient aussi bons que l’or – parce qu’il était là. De plus, cela m’a laissé libre de simplement jouer du rythme et de faire la voix. Alors Eric a joué ça, et j’ai trouvé ça vraiment bien. Ensuite, nous l’avons réécouté, et il a dit: « Ah, il y a un problème, cependant; ce n’est pas assez Beatley » – alors nous l’avons passé dans l’ADT, pour le faire vaciller un peu.
C’est le vacillement, je pense que cela m’a fait penser à Harrison, mais maintenant en l’écoutant à nouveau ci-dessus, tiré de son contexte Beatley, j’entends juste Clapton.
Juste au-dessus, nous avons un guitariste dont la plupart des gens n’ont probablement jamais entendu parler. Mais pour certains fans et joueurs de musique des années 90, y compris moi-même, John Squire était un héros méconnu d’un groupe britannique dont beaucoup estimaient qu’il méritait plus d’attention que Blur et Oasis réunis. Je parle des Stone Roses, des collègues de Madchester de groupes comme Les Happy Mondays et Les Caméléons. Bien que la scène dans son ensemble ait prospéré sur des grooves de danse revival des années soixante avec des drogues plus dures, Squire s’est distingué par sa confiance en soi tranquille, sa deuxième carrière de peintre et son jeu bluesy inspiré de Hendrix. J’ai appris par cœur ses solos outro sur le barnburner du groupe « I Am The Resurrection », un travail méchamment inventif que tous ceux qui connaissent bien le groupe connaissent bien.
Malheureusement, la suite de leur premier album éponyme de 1989, The Second Coming de 1994, a été boudé par la critique et presque ignoré par les anciens fans. Un timing malheureux, je dirais. Jack White et les Black Keys n’avaient pas encore rendu le blues rock cool, et le groupe était principalement passé de jouer comme the Byrds à jouer comme the Yardbirds. Juste au-dessus de ce deuxième et dernier disque mal aimé, écoutez le jeu isolé de Squire sur « Love Spreads », une chanson deuxième après « Driving South » comme l’appropriation la plus puissante du blues par le groupe. Squire, dans mon livre, est un guitariste criminellement sous-estimé qui a fait certains de ses meilleurs travaux sur un album criminellement sous-estimé.
Enfin, un excellent travail de guitare d’un guitariste que j’aime, jouant avec un groupe que je n’aime pas. Mais même si je n’aime pas les chansons des Red Hot Chili Peppers, je suis émerveillé par leur musicalité époustouflante. Alors que le bassiste Flea attire le plus l’attention, leur guitariste de longue date, John Frusciante, est tout autant, sinon plus, un joueur hors pair. Prodige musical, Frusciante – qui a remplacé Hillel Slovak après l’overdose de ce dernier en 1988 — a rejoint le groupe à seulement 18 ans et a complètement transformé leur son du jour au lendemain avec, écrit David Fricke de Rolling Stone, « Hendrixian force. »
Dans la ballade autrefois incontournable de RHCP — « Under the Bridge » – il concocte une « mélodie beatlesque poignante » accompagnée de léchages funk et de phrases d’accords trempées de refrains. Frusciante joue avec une personnalité distinctive qui est immédiatement reconnaissable, que ce soit avec les Piments Chili, le Mars Volta, le Duran Duran (!), ou ses propres disques solo totalement bizarres. Musicien toujours imprévisible, ses expériences autrefois amateures avec la musique électronique sont devenues une acid house à part entière qui ne ressemble en rien à John Frusciante. Super truc, mais j’espère qu’il reprendra la guitare bientôt.
Alors oui, j’aurais pu inclure des morceaux isolés de Dimebag Darrell ou Jake E. Lee, de brillants guitaristes à la fois. Et beaucoup de gens semblent aimer ces septuples vengés, même si ce n’est pas mon thé à la tasse. Mais cette liste n’est qu’un échantillon et ne prétend pas être complète. S’il vous arrive de trouver des pistes de guitare isolées en ligne que vous pensez que nos lecteurs devraient entendre, publiez-les dans les commentaires.
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Josh Jones est un écrivain et musicien basé à Durham, en Caroline du Nord. Suivez-le sur @jdmagness.
