» but mais en fait, c’était l’un des points les plus bas; l’un des points les plus sombres parce que lorsque vous êtes au fond, vous ne pouvez même pas voir quel chemin est en haut; tout ce que vous ressentez est ce limon sous vos pieds et c’est presque comme atterrir sur la lune: tout est silencieux, il n’y a pas de son… »
— Jonathan Donahue
Mots: Marque Porter
Sur la première ligne de « Tonite It Shows », Jonathan Donahue chante « Into a dream, J’ai pris un tour et j’ai promis de revenir » sous des cordes de guitare lentement pincées et une toile de fond classique éthérée. D’une certaine manière, cette chanson résume le monde sonore magique et très émotif de « Deserter’s Songs » – le disque classique chéri de Mercury Rev d’il y a précisément vingt ans – où l’auditeur se perd magnifiquement dans les restes tachés de larmes de rêves fanés et une mer d’angoisse et de douleur. Une ballade cosmique comme celle-ci s’infiltre « dans votre âme » et de ce voyage au cœur des ténèbres, une lumière d’espoir scintillante finit par flotter à la surface. Nous avons tous des disques chéris, ceux qui viennent dans votre vie et deviennent inconsciemment une partie de vous – ou plus précisément, votre propre moi –même – ‘Deserter’s Songs’ est l’une de ces œuvres artistiques transcendantales dont la signification ne fait qu’augmenter avec les marées de la lune.
La voix fragile et presque chuchotée de Jonathan Donahue sur l’album « Holes » jette immédiatement un sort hypnotique. Les arrangements orchestraux captent une beauté insondable. Comme Donahue le demande « Comment va cette vieille chanson? »sur le refrain de clôture, des sentiments de doute et d’incertitude envahissent. La complainte semblable à une prière « à l’infini » est imprégnée d’émerveillement enfantin: les magnifiques tapisseries sonores tissent en quelque sorte nos rêves les plus intimes en formes et motifs formidables semblables à des constellations dans des cieux éclairés par les étoiles. « Goddess On A Hiway » reste un véritable tour de force anthémique dont l’immédiateté frappante vous arrête à jamais sur vos traces.
La tournée ‘Deserter’s Songs’ du groupe pour son 20e anniversaire offre un bel aperçu de la fabrication de ce qu’ils considéraient à l’époque comme le dernier disque de Mercury Rev. Le « murmure et le strum » fragiles de ces chansons lors du spectacle (récemment joué) de Dolan – dirigé par le chanteur Donahue et le guitariste Grasshopper – ont déroulé une expérience vraiment unique (tout comme ces onze titres captés sur bande). Le choix de reprises telles que « Here » de Pavement a résonné puissamment, avec les paroles de Malkumus de « I was dressed for success / But success it never comes » reflétant la période de temps autour de « See You On The Other Side » en 1995. De plus, leur interprétation touchante de la ballade au piano cosmique Flaming Lips ‘Love Yer Brain’ (le groupe dont les premiers albums ont bien sûr joué un rôle important dans Donahue) se nichait parfaitement parmi les plans à la dérive de ‘Opus 40’ et de la sphère pop psychédélique de ‘Hudson Line.
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Pour les dates restantes de la tournée européenne ‘Deserter’s Songs’ du 20e anniversaire du groupe (et les dates américaines d’octobre), visitez ICI.
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http://www.mercuryrev.com/
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Entretien avec Jonathan Donahue.
Tout d’abord, j’aimerais que vous reveniez à l’époque de la fabrication des « Chansons des déserteurs », je sais que c’était une période sombre dans votre vie mais surtout à l’écriture de ces chansons ?
Jonathan Donahue: Il est difficile de dérouler un fil d’histoire sans démêler tout le pull lui-même. Mais je suppose que la période d’avant ‘Deserter’s Songs’, pour la plupart, avait en fait plus de racines que dans l’album lui–même, elle avait ses racines beaucoup plus tôt; probablement sur l’album précédent, ‘See You On The Other Side’, un album dont nous étions vraiment très heureux – moi, Grasshopper et Dave Fridmann. Je pensais que nous avions beaucoup de merveilleuses idées orchestrales et des choses qui n’étaient pas populaires à l’époque et vous devez vous rappeler en 95 que ce qui arrivait avec un nuage aussi lourd était la Britpop et que tout allait automatiquement à une chanson pop de trois minutes, des guitares agitées, des refrains bruyants et très peu d’ornementation. Et là, nous étions en train de sortir un album avec des flûtes, des cordes, des sections de cor et du matériel très émotif et nous étions tellement heureux de « See You On The Other Side » lors de sa sortie. Et puis personne ne l’a acheté. Et ce son merveilleux pour lequel nous avions imaginé et travaillé si dur; il a juste disparu dans la brume sous nos yeux et nous avons été laissés dans l’obscurité pendant trois ans. Et il n’y avait personne à blâmer, ce n’était pas la faute de la maison de disques, ce n’était pas la faute de nos fans ou quoi que ce soit, c’était juste que la musique elle-même s’était perdue dans le nuage de tonnerre de la Britpop et l’idée d’une industrie de la musique sensationnalisée où tout d’un coup il ne s’agissait pas de musique; c’est devenu la célébrité de la musique et nous étions perdus.
Nous sommes entrés dans les premiers écrits de ‘Deserter’s Songs’, nous n’y avons pas pensé alors que nous écrivions ‘Deserter’s Songs’ et ça va être ce chef-d’œuvre et toutes ces choses vont enfin se réunir pour nous, c’était en fait le contraire: le fait que nous écrivions en pensant beaucoup que ça allait être notre dernier disque. Nous n’avions pas de contrat d’enregistrement à l’époque, nous n’avions pas de manager et nous n’avions tout simplement rien. Et donc moi-même et Grasshopper et Dave Fridmann y sommes allés dans l’ensemble avec l’idée que c’est notre dernier album en tant que Mercury Rev. Et c’était essentiellement le ton fondamental des fréquences de résonance qui deviendraient plus tard l’album dont nous parlons.
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Comme tout album spécial, c’est incroyable à quel point « Deserter’s Songs » est intemporel et à quel point il est hors de l’endroit, mais d’une belle manière; il a son propre monde unique.
JD: Je veux dire pour nous, c’est le cas, mais à l’époque, nous ne pensions pas que timeless était franchement honnête, nous pensions simplement que c’était la dernière chose que nous allions faire. Et avec ça, nous sommes entrés dedans en pensant bien si nous sommes tellement hors de propos avec la musique et si nous sommes tellement démodés que tout ce que nous pouvons faire est ce qui est vraiment en nous à ce stade parce qu’il n’y avait aucune chance que nous puissions rivaliser avec le sensationnalisme de la Britpop et la célébrité des musiciens qui est devenue ce vacarme de bruit pendant cette période. Et donc nous sommes allés au seul endroit que nous connaissions et c’était ce conte de fées – disque pour enfants – son doré. Vous pouvez en fait l’entendre sur une chanson comme ‘The Funny Bird’, il y a une chanson là–dedans – je passe en revue les paroles parce que nous jouerons à nouveau certaines de ces chansons en tournée – « Farewell golden sound / Personne ne veut t’entendre maintenant » et c’était moi je suppose dire à haute voix ce qui se passait en moi – que plus personne ne voulait entendre ce son, il semblait que c’était tellement déphasé. Et à partir de là, nous sommes simplement allés plus loin dans un endroit qui était le seul endroit sûr que nous avions, presque comme un enfant: vous courez et vous cachez dans cet endroit que personne ne peut vous trouver pendant un certain temps juste pour recueillir les petits esprits que vous avez sur vous. Pour nous, c’était ce disque pour enfants de conte de fées, ce que les gens appelleraient plus tard le son Disney.
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Vous êtes capable de combiner cela si magnifiquement dans les chansons elles-mêmes. Même juste pour penser à la chanson d’ouverture ‘Holes’, elle vous mène vraiment. Je me demande si vous avez de bons souvenirs de voir cette chanson se développer à partir d’un croquis à la guitare ou au piano, puis avec tous les arrangements complexes qui la recouvrent avec les magnifiques cordes?
JD: Cela ne viendrait que plus tard, quand il a frappé les gens et quand il a été publié et quand ils ont été envoyés sous forme physique aux journalistes et aux gens du label et d’autres choses. Mais à l’époque où nous en avions fini avec ‘Deserter’s Songs’ et avec l’enregistrement, je ne pense pas que nous pensions qu’il allait sortir. Nous n’avions aucune raison de le faire – ce n’est pas seulement le fruit de mon imagination; je n’avais aucune raison; si vous regardiez le record de ‘See You On The Other Side’, il s’est vendu à zéro et personne n’attendait un record de Mercury Rev en 1998. La plupart des gens avaient pensé que nous avions rompu parce qu’à l’époque, attendre trois ans pour faire un disque semblait être une éternité et bien sûr maintenant les groupes prennent plus de temps plus on vieillit, mais à l’époque, c’était une éternité.
Nous n’avions pas de label, nous avons quitté Columbia, nous n’avions pas de manager; nous n’avions tout simplement rien du tout. Et encore il n’y avait rien d’attirant ou d’être dans une sorte de pose pour être prêt à écouter un nouveau disque de Mercury Rev. Et certaines des toutes premières interviews que je me souviens avoir faites sur les chansons des déserteurs, les gens n’arrivaient tout simplement pas à croire que nous étions encore un groupe étant donné toutes les histoires qui se sont déroulées pendant les premières parties de notre carrière, je suppose, et beaucoup de choses sensationnelles qui ont été écrites qui n’étaient pas vraies: les gens pensaient que j’étais mort, les gens pensaient que Grasshopper avait disparu de la surface de la terre et que toutes ces choses étaient arrivées. Il n’y avait donc pas d’anticipation géante qu’un chef–d’œuvre arrivait – il n’y avait aucune anticipation du tout, pas même la maison de disques.
Il y a une histoire amusante à raconter, c’est à l’époque où « Deserter’s Songs » était finalement terminé au stade du mastering, nous avons trouvé un label à l’époque appelé V2 qui le sortirait en Angleterre et ils avaient une fête d’ouverture géante avec tous les groupes qu’ils avaient signés et le président est allé là-bas et tout le monde était assis autour et les gens buvaient et se prélassaient dans le champagne et disaient que ce serait un excellent label et il a énuméré tous les groupes du label et il ne nous a même pas mentionnés, et Grasshopper et j’étais juste assis là, gêné. Et je me suis bien dit, ça va sortir sous une forme de cassette ou quelque chose comme ça, mais même le label sur lequel nous venons de signer – un nouveau petit label – ils ne savent pas que nous sommes sur le label lui-même, alors nous nous sommes bien dit que c’est tout, voilà, ça va droit dans les albums perdus et mal accueillis de l’année.
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Cela a dû vraiment vous surprendre, inutile de dire que lorsque vous avez constaté qu’il y avait une telle réaction à l’album au fil du temps?
JD: L’un des premiers endroits a été l’Irlande parce que c’était l’un des premiers endroits où nous avons joué et ce n’est qu’à ce moment-là que nous avons vu que non seulement les gens l’avaient entendu, mais qu’il y avait un lien profond avec elle. Et ce n’était pas seulement une ou deux personnes qui disaient « Hé c’est un excellent record, félicitations », l’Irlande a été l’un des premiers pays où nous avons remarqué que quelque chose de différent se passait. C’est drôle parce que même le label à l’époque était tellement surpris parce qu’ils avaient mis tout cet argent dans tous ces autres groupes mais je me souviens quand ‘Deserter’s Songs’ a finalement commencé à entrer, en termes d’acclamation journalistique et de gens qui sortaient des boiseries pour acheter l’album et quand il est entré dans les charts, le label était mystifié et même le président du label ne savait même pas qui nous étions. Nous serions amenés à des réunions comme « Hey c’est Mercury Rev » et ce serait comme « Lequel est Mercury Rev? »C’était presque comme cette citation de Pink Floyd – Laquelle d’entre elles est rose? »parce que le label lui-même était pris tellement au dépourvu face à ce groupe qui avait cette histoire en damier tout d’un coup était demandé et non ces autres groupes qu’ils cultivaient de manière pop.
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En tant qu’auditeur, j’aimerais avoir un aperçu des chansons en cours d’écriture et comme vous le dites, vous et Grasshopper étiez ensemble. Cela a dû être un cas où vous vous sentiez tous les deux seuls et que vous faisiez juste cette musique ensemble?
JD : Même lui et moi n’étions pas ensemble la plupart du temps. On sortait d’une période très agitée après les tournées de ‘See You On The Other Side’ et je sortais de heroine mais ce n’était pas la drogue elle-même, c’était juste plus l’obscurité qui venait: je ne sais pas d’où venait l’obscurité pas plus que je ne sais d’où venait la lumière qui deviendrait le phare qui nous en sortirait. Et c’était un moment très seul pour moi: Grasshopper avait complètement disparu de la surface de la terre et les autres gars et filles du groupe (qui est Anne à l’époque de « See You On The Other Side ») étaient tous entrés dans des retraites très profondes, certains d’entre eux ne pouvaient même plus fonctionner dans le groupe, ils en avaient juste assez. Et donc je n’avais pas de plan directeur comme OK, j’apporte dix ou onze chansons; les chansons n’étaient pas du tout comme ça; ce n’étaient que ces petites phrases lyriques à moitié mémorisées ou un moment d’accord presque de la manière dont vous vous réveilleriez et vous souviendriez d’un rêve où il n’y a pas vraiment de temps, c’est juste un sentiment que vous avez et je ferais ce que je pouvais pour préserver ce sentiment aussi longtemps que je le pouvais pour aller au piano ou à la guitare et griffonner quelque chose.
Même dans la façon dont l’album lui-même est devenu matériel à partir de l’immatériel, c’était beaucoup plus juste moi qui décrivais en utilisant des phrases et des métaphores émotionnelles que n’importe quelle notion musicale concrète. Et je pense que c’est ce que les gens entendent – en particulier sur la première face de ‘Deserter’s Songs’ – vous entendez peut–être quelque chose comme un rêve et peut-être qu’une partie de cet état intemporel n’a pas à voir avec quelque chose de conscient, cela a à voir avec quelque chose de beaucoup plus inconscient; la façon dont les rêves sont intemporels de cette façon – la façon dont la quatrième dimension astrale doit inverser le temps et l’espace que notre propre espace et temps tridimensionnels ont. Donc, ce que vous entendez sur le premier côté en particulier et ce que vous décrivez dans les « trous » était vraiment la façon dont cela s’est passé; ce n’était pas un tour de passe-passe géant, de la fumée et des miroirs.
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C’est précisément le sentiment que vous ressentez Jonathan; vous vous demandez comment cela est créé. L’album a certainement cette dimension d’un autre monde. L’album se sent comme une toile avec tous ces magnifiquement interludes où c’est comme un flux d’un sentiment presque?
JD: Oui et c’est pourquoi il est si difficile de décrire le processus ou l’écriture car cela n’a rien à voir avec la construction mentale d’un enregistrement. Et parfois, chaque groupe a un disque ou deux qui est très construit: nous savons ce que nous voulons faire, nous savons comment nous allons le faire et nous y voilà. Et il y en a comme ça où c’était très émotif et malheureusement les émotions à l’époque étaient assez mélancoliques; il y avait de la perte, du rejet, de l’abandon et de la dislocation et aucun de ces mots n’est très prometteur lorsque vous arrivez dans un studio. Et même à l’époque, nous n’avions pas d’argent pour payer un studio, une grande partie était faite dans mon grenier avec juste une bobine Tascam de huit pistes et parfois nous rassemblions de l’argent et nous faisions des enregistrements dans un studio plus approprié, mais pour la plupart, c’est exactement comme le disent les gens, c’est un disque très tard dans la nuit et c’est à ce moment–là qu’il a été enregistré – il a été enregistré très tard dans la nuit et je ne voulais pas réveiller ma copine à l’époque pour ne pas mettre de batterie dessus, je ne pouvais pas me taper des pieds parce que je la réveillais donc je ne pouvais pas me lever. j’ai dû tout faire très tranquillement et c’est pourquoi il y a très peu de tambours dessus (surtout le premier côté).
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C’est très fragile ce voyage que la musique vous emmène. Le fait que la musique soit née d’une période très sombre, je me demande même si vous jouiez ces chansons dans le grenier, avez-vous trouvé que vous vous amélioriez d’une manière ou d’une autre ou que vous vous sentiez mieux en faisant la musique d’une certaine manière?
JD: J’aimerais pouvoir vous dire qu’il y avait une qualité de guérison dans l’écriture, mais il n’y en avait pas à l’époque – peut-être que cela est venu plus tard à un moment donné. Mais au moment où vous ne pensez pas « Hé, je suis au fond de l’océan du désespoir et un chef-d’œuvre est en route », tout ce que vous pensez, c’est que je suis au fond de l’océan du désespoir et que tout est sombre et que tout est fortement pressurisé, comme être au fond d’une vraie mer: il fait sombre et les créatures autour de vous ne ressemblent pas à des dauphins brillants qui vivent sur la surface supérieure, ce sont toutes ces créatures préhistoriques aux traits très étranges et d’un autre monde. Et c’est ce que je retiens de cette période. Cela devient parfois déroutant pour les fans parce qu’ils veulent vous demander « comment c »était? Ça devait être magique ? Écrire ce chef-d’œuvre a dû être le meilleur moment de votre vie? »mais en fait, c’était l’un des plus bas; l’un des plus sombres parce que lorsque vous êtes au fond, vous ne pouvez même pas voir quel chemin est en haut; tout ce que vous ressentez, c’est ce limon sous vos pieds et c’est presque comme atterrir sur la lune: tout est silencieux, il n’y a pas de son, vous avez l’impression de ces pas qui vont, il n’y a pas d’air autour de vous pour faire un son, il n’y a pas d’oxygène pour respirer, tout est interne à ce moment-là. Tout est dans votre propre casque spatial.
Donc, l’environnement dans lequel vous vous promenez au jour le jour – et c’est la même chose pour quiconque a traversé une dépression certainement – est que tout est interne, que vous soyez dans une foule ou dans une pièce par vous-même; tout est à l’intérieur de vous et tout à l’extérieur semble être étouffé – sous l’eau ou dans un espace essayant de percer un casque sur la lune. J’aimerais pouvoir être plus optimiste, mais c’est ce qu’il y avait à l’époque. Bien sûr, j’essaie de regarder en arrière avec un sentiment beaucoup plus optimiste, mais à l’époque, ce n’était pas le cas.Même quand l’album a été terminé, Dave et moi et Grasshopper nous nous sommes regardés et nous avons dit « Eh bien c’est tout », autant le mettre sur cassette car c’est la seule façon de le sortir et de le donner à nos amis (sur cassette). Et même – je pense que Dave m’a dit ça – sur les cassettes master 2″ (les cassettes multi-pistes géantes sur lesquelles vous enregistrez), il n’a jamais dit Mercury Rev, il a dit Harmony Rockets qui était un projet parallèle, donc nous n’appelions même pas ce qui allait devenir « Deserter’s Songs » Mercury Rev, c’était sous le nom Harmony Rockets parce que nous pensions que ça n’allait pas sortir. Donc, toutes les bandes de 2″jusqu’à ce qu’elles soient perdues dans le déluge que j’avais ici dans les Catskills il y a environ sept ans, elles ont toutes dit Harmony Rockets sur les bandes maîtresses.
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Vous souvenez-vous des moments où les membres du Groupe qui étaient voisins dans la région, se joignaient à vous pour certains enregistrements (et tous les joueurs ajoutés)?
JD: Curieusement, quand nous avions demandé à Levon Helm de jouer sur la chanson ‘Opus 40’, en regardant en arrière, c’était en fait – et même pour Garth aussi – des temps assez sombres pour eux aussi ici dans les Catskills. C’était avant que les Midnight Rambles de Levon ne décollent et donc au milieu des années 90, lorsque nous leur avions demandé de jouer, curieusement, ils étaient eux-mêmes dans un espace très sombre, tout comme nous. Je ne connais pas tous les détails de leur vie, mais je sais que d’une certaine manière, il y avait des parallèles entre ce que traversaient Levon et Garth et avec ce que nous étions: personne n’attendait un nouvel album du Groupe, les gens pensaient qu’ils étaient perdus dans l’éther et même eux-mêmes traversaient des moments très sombres individuellement. Nous étions donc tous les deux en studio d’enregistrement, mais ni le groupe ni les individus n’étaient à un point culminant. C’était avant les Midnight Rambles et avant que Levon ne recommence à enregistrer et gagne une récompense renouvelée non seulement pour le Groupe, mais pour Levon Helm lui-même et donc, d’après mes propres souvenirs, il y avait un certain nombre d’animaux blessés qui jouaient ensemble.
Levon n’est pas venu avec un bon coup et a promené tout le monde – il s’est porté comme un homme devrait: très subtilement, très silencieusement. Et nous étions également à la même température; fragile comme vous le dites, presque comme une truite – trop de soleil dans le ruisseau, vous cherchez juste de l’ombre, le moindre éclair et vous vous précipitez quelque part. De cette façon, il n’y avait pas de grande fanfare; nous étions sur la lune pour jouer avec Levon et Garth, mais même le label a dû rappeler « Qui est Levon Helm? Qui est Garth Hudson ? Oh oui, on s’en souvient un peu, ils ont joué à Woodstock « . Mais ce n’était pas comme si des sauveurs venaient et tout d’un coup, tout le monde disait: « Oh mon dieu, vous avez des musiciens célèbres, ça va être fantastique ». À l’époque, nous étions tous sur la très étrange alimentation sombre qui n’avait pas de vent, nous flottions juste là, sans vent. Heureusement des années à venir, Levon a commencé les Midnight Rambles et les choses se sont allées dans une si grande direction pour lui, mais à l’époque, ce n’était pas du tout comme ça.
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Vous avez déjà mentionné les disques Disney et comment cela provenait des sons et des disques de votre enfance avec lesquels vous avez grandi?
JD: En regardant en arrière, c’était nous qui retournions – en utilisant cette petite phrase folle de Guns N’ Roses – au seul endroit sûr où, enfant, vous cacheriez. Et pour nous, c’était des disques pour enfants, je n’ai pas grandi avec du rock sur le bout de ma langue; j’ai grandi dans les montagnes loin de là. Je n’ai pas grandi en pensant que je serais dans les Ramones et en voulant rejeter la société et me promener et cracher sur les visages des personnes âgées, je n’ai pas grandi comme ça; J’ai grandi dans les bois et j’ai grandi avec des disques pour enfants et Disney tous les dimanches soir à 7 heures et c’était l’endroit où nous sommes retournés. C’est l’une des formes de musique dont moi-même, Grasshopper et Dave Fridmann, nous nous sentons tous assez proches: nous ne nous attachons pas aux disques des Sex Pistols ou à un groupe de rock lourd. Nous nous associons à ce conte de fées subtil, silencieux et qui nage et je pense que c’est pour cela que nous avons si bien travaillé ensemble dans le passé que nous n’avions pas à beaucoup expliquer ce son. Et encore une fois, il serait en vogue plus tard, après « Deserter’s Songs », mais à l’époque, ce n’était pas dans la conscience collective.
C’était en fait la mauvaise chose à faire; « Deserters » était le disque commercialement incorrect à faire à l’époque, tout était de trois minutes et demie avec des rickenbackers jangly et des refrains anthémiques et de la grosse batterie. Et nous sortons ici ‘Opus 40’ en single et la batterie est très lente et très calme d’une certaine manière. Heureusement, nous avions « Goddess On A Hiway » sur le disque, qui était une chanson beaucoup plus ancienne que Grasshopper avait trouvée et que j’avais depuis longtemps oubliée. Et nous étions à court de matériel pour même faire un album complet et il a dit « Eh bien, il y a celui que je me souviens que nous avions fait dans les années 80 en tant que démo » et j’ai dit « Je ne sais pas » et il a poussé pour ça. Et heureusement, c’était une chanson qui allait trouver son chemin dans certaines des mains d’attente de la pop et de la radio à ce moment-là. À part ça, il n’y a rien sur l’album qui soit comme ça. Commercialement, ce n’était pas l’album avec lequel même la maison de disques pensait pouvoir faire quoi que ce soit. Si ce n’était pas les fans qui l’achetaient, si ce n’était pas les journalistes de l’époque qui disaient « Hé écoute ça d’un groupe que nous pensions tous mort », il ne serait jamais sorti des portes selon la maison de disques (ils n’auraient jamais rien mis derrière).
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En ce qui concerne le son de Disney, une chanson qui se réunit vraiment comme par magie est « Pick Up If You’re There », j’adore le mot parlé qui arrive vers la fin et la façon dont tout est entrelacé.
JD: C’est un autre des états de rêve avec Garth Hudson parlant à la fin. C’est drôle que vous le mentionniez parce que probablement si je suis honnête avec moi-même, cette chanson est la plus proche de la façon dont le temps nageait en moi. J’aime beaucoup ‘Holes’ et les autres chansons, mais s’il y a un drone sympathique global à travers le contenu émotionnel en moi pour cet album, c’est ‘Pick Up If You’re There’ qui était vraiment juste une phrase qui était sur un répondeur que je me souviens d’avoir quitté pour un ami, ‘Hey si tu es là, ramasse’ et bien sûr ils ne l’ont pas fait, mais ça m’a collé parce que je pense que je l’ai dit comme quatre ou cinq fois sur le répondeur de cette personne. Et cela semblait résumer tout le ciel de cette période, il semblait avoir toutes les constellations et les jumeaux émotionnels des étoiles.
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Sur l’album suivant ‘All Is Dream’ avez-vous trouvé que c’était une période plus heureuse et qu’il était plus facile pour vous de créer (surtout après avoir joué tant de spectacles bien reçus)?
JD: Je ne dirai pas que « Tout est rêve » était un endroit plus heureux, mais c’était en quelque sorte un lieu de guérison. Mais le temps qui entourait les « Déserteurs » et avant qu’il ne laisse une telle cavité émotionnelle en moi – et pour Grasshopper aussi – que tout guérissait après les Chansons de « Déserteurs » dans l’ensemble, vous savez que n’importe quelle quantité de lumière sur le groupe, sur notre musique guérissait par rapport au fond de la mer et juste le manque de direction dans n’importe quel sens. C’est toujours avec moi et parfois j’aimerais que ce ne soit pas le cas: j’aimerais être « Oh le déserteur était le meilleur moment de ma vie » et comme « Oh mon Dieu, j’aimerais y retourner » mais je ne le ferais pas. Autant que les fans aimeraient entendre ‘Holes’ #2 ou ‘Goddess On A Hiway’ #14, je n’y retournerais pas volontiers. C’était sombre, dépourvu de lumière et de son.
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Pour les spectacles à venir, vous avez écrit magnifiquement sur vos pensées de ces spectacles particuliers à travers l’Europe et ces versions des chansons sont comment elles ont vraiment commencé?
JD: D’une certaine manière, ce sera presque le grenier où ils ont été écrits. Et bien sûr, il y a des différences, mais d’une certaine manière, cela pourrait être un moyen de trouver un sentiment de fermeture et peut-être d’ouvrir aux gens un peu la façon dont les chansons sont vraiment nées. Il n’y avait pas de confiance dans les chansons et dans l’écriture de la chanson en 96 / 97, je ne peux pas faire semblant ou je ne peux pas la blanchir en disant que je savais exactement ce que je voulais faire et j’en étais toujours sûr – je ne l’étais pas. Donc, ces chansons auront un murmure et un grattage très forts parce que c’était comme ça à deux heures du matin dans mon grenier ne voulant pas réveiller quelqu’un alors je fredonnais dans un petit magnétophone à cassettes et j’espère que les gens viendront les oreilles ouvertes vers cet élément de ces chansons.
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Ce sera une expérience si spéciale parce que c’est l’un de ces albums qui est un moment si déterminant dans le paysage musical dans son ensemble.
JD: Nous avons aussi hâte, moi et Grasshopper. D’une certaine manière, nous pouvons interpréter les chansons là où ce n’est pas dans un festival devant 25 000 personnes et vous n’avez pas besoin de jouer à travers des amplificateurs forts avec le batteur qui s’éloigne juste pour garder l’attention des gens. Nous pouvons interpréter les chansons de la manière dont elles nous ont d’abord été révélées, c’était la façon dont elles ont émergé dans ma conscience. Je vais donc faire ce que je peux tout au long de la soirée pour laisser l’auditeur entrer dans le genre de dialogue intérieur qui se passait. Et pour votre propre référence, nous ne jouons pas l’album d’avant en arrière, ce que nous faisons, c’est essayer de guider l’auditeur tout au long du voyage qui a créé l’album (pas la séquence finale de l’album elle-même). Et donc il y aura non seulement beaucoup de « Chansons de déserteurs », mais il y aura quelques chansons très spéciales qui ont conduit à une partie de la période des « Déserteurs » ou reflétaient où nous en étions à ce moment-là parce que personne ne vit dans une bulle, « Déserteurs » n’a pas été créé dans une biosphère qui n’était en contact avec rien d’autre.
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Ces spectacles irlandais seront vraiment très spéciaux.
JD: C’est drôle parce que nous faisons beaucoup de ces spectacles en Irlande et encore une fois, c’est l’un des tout premiers pays qui nous a donné une balle dans le bras, cela nous a ramené à la vie parce que c’était l’un des tout premiers endroits où nous avons joué où tout d’un coup nous pouvions le voir dans les yeux des gens – et ce n’était pas seulement des journalistes ou un gars & R, c’était en fait des fans et nous pouvions le voir dans leurs yeux. Je me souviens de certains des premiers endroits où nous avons joué à Dublin, des endroits plus grands que nous n’avions jamais joué auparavant, c’était la Boîte rouge: vous pouviez simplement le sentir et d’une manière qui nous électrisait psychologiquement plus que n’importe quel acheteur de billets à l’époque.
