Écrit par Milner Fuller. Publié dans Blog
Quel est votre pianiste de jazz préféré ?
Quel est votre compositeur classique préféré ?
Ce sont des questions qui sont le plus souvent posées aux mélomanes. Moins souvent, les questions seront inversées. Pourquoi? Le jazz est un genre axé sur l’interprète, tandis que le classique met l’accent sur le compositeur.
Pour un pianiste de jazz, composer et jouer ne font qu’un. Le compositeur et musicien Gunther Schuller a écrit un jour que « l’improvisation est le cœur et l’âme du jazz », et David Baker affirmerait que l’improvisation devrait être la pierre angulaire de l’éducation au jazz. Les racines improvisées du jazz se trouvent dans le nombre de pièces notées: plutôt que de noter chaque note, les interprètes de jazz utilisent souvent des feuilles de plomb, qui offrent la mélodie et un large aperçu de l’harmonie. C’est à l’interprète de combler les lacunes. Une norme familière pourrait ressembler à ceci sur la page:
Les feuilles de plomb donnent aux musiciens de jazz une grande liberté. Vous obtenez une mélodie et quelques accords, et le reste appartient au musicien. Voici deux interprétations de ce classique de Cole Porter:
Sullivan Fortner, lauréat des American Pianists Awards 2015
Jean-Pierre
Cela contraste avec l’écriture très détaillée, par exemple, d’une chanson d’Anton Webern tirée de son Op. 12, (« Schien mir, als ich sah die Sonne »).
Remarquez dans la chanson de Webern, chaque note a une sorte de marquage supplémentaire. Le compositeur a pris le contrôle de chaque hauteur, rythme, dynamique, tempo, articulation et phrasé. Il ne laisse presque rien au hasard (sauf peut-être la capacité d’un musicien à réaliser chaque détail à la fois). L’exemple de Webern est extrême, mais de manière générale, la notation classique est beaucoup plus détaillée que le jazz.
Le rôle de l’interprète de jazz a toujours été de réaliser un morceau de musique de manière aussi créative et individuelle que possible. Alors que les interprètes s’inspirent de traditions transmises par des générations de musiciens de jazz, aucun interprète de jazz (s’ils sont bons) n’interprétera une pièce de la même manière. En fait, compte tenu de l’aspect improvisé de la performance jazz, il est rare que deux performances d’une même pièce par le même artiste sonnent exactement de la même manière.
John Salmon, ami de l’American Pianists Association et membre fréquent du jury (jazz et classique), écrit: « La tradition de se concentrer sur l’interprète de jazz plutôt que sur l’œuvre jouée est au cœur et au début de toute la tradition du jazz. Les pianistes de jazz essayaient toujours de se surpasser les uns les autres, comme lors des célèbres soirées de location à Harlem où les pianistes s’affrontaient les uns contre les autres et où le pianiste le plus extravagant et le plus virtuose remportait l’honneur de la soirée. La virtuosité a toujours été au cœur des interprètes de jazz. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker et John Coltrane avaient des côtelettes puissantes. Certes, il y avait des exceptions aberrantes, y compris le saxophoniste mélancolique et décidément non virtuose Paul Desmond et la discrète et lyrique Billie Holiday. Mais, même dans ces cas, l’accent était inévitablement mis sur la façon dont ils interprétaient les standards de jazz presque plus que le standard de jazz lui-même. »
Il existe de nombreuses écoles de pensée dans la performance classique, et l’esthétique change considérablement avec le temps. La musique des époques précédentes est devenue plus populaire au 19ème siècle, lorsqu’un canon de la littérature a été établi, et les interprètes de l’époque n’avaient aucun problème à mettre leur propre spin sur les classiques, ignorant souvent les marques et changeant même les notes. Gustav Mahler a même réarrangé des œuvres, y compris des symphonies de Beethoven, « corrigeant » des zones qui souffraient des limites de l’orchestre du début du XIXe siècle. Mahler affirmerait que ces « corrections » étaient conformes à l’esprit du compositeur — il voulait simplement faire ressortir des couches dans la partition.
Au début du XXe siècle, le mouvement come scritto (tel qu’écrit) popularisé par le chef d’orchestre Arturo Toscanini est devenu une esthétique populaire. Sviatoslav Richter appliquerait cette technique au piano. À propos de son approche de l’interprétation, il a écrit: « L’interprète est vraiment un exécutant, exécutant à la lettre les intentions du compositeur. Il n’ajoute rien de ce qui n’est pas déjà dans le travail. S’il est talentueux, il nous permet d’entrevoir la vérité de l’œuvre qui est en soi une chose de génie et qui se reflète en lui. Il ne devrait pas dominer la musique, mais devrait s’y dissoudre. »
Voici un exemple de Richter jouant Bach:
Alors que Toscanini et Richter incarneraient une interprétation textuelle (on pourrait les appeler les Scalias de la musique), d’autres musiciens du XXe siècle étaient enclins à une façon de jouer plus individuelle, un peu comme les musiciens du XIXe siècle. Le chef d’orchestre Wilhelm Furtwängler a incarné ce style en tant que chef d’orchestre, et on peut entendre son influence sur le pianiste / chef d’orchestre Daniel Barenboim, qui estime que le tempo, loin d’être prescrit par un marquage de métronome, doit être avant tout influencé par l’harmonie. Cette tradition peut trouver ses racines chez Beethoven, qui a dit de ses propres marques de métronome qu’elles ne s’appliquaient « qu’aux premières mesures, car le sentiment a son propre tempo. »
Voici Barenboim qui joue Beethoven:
Plus tard au 20e siècle, le mouvement de la performance historiquement informée s’appuiera sur la recherche de textes et de traités d’époque pour tenter de recréer des œuvres musicales telles qu’elles sonnaient au moment de la composition. Certains interprètes se spécialisent dans l’interprétation de musique d’époques spécifiques en appliquant notre connaissance de la façon dont les choses ont été jouées il y a plus de 200 ans. Comme la plupart des instruments ont évolué de manière significative tout au long du 19ème siècle, certains fabricants d’instruments ont commencé à construire des instruments dans le style des époques précédentes pour interpréter de la musique de cette époque.
Voici un exemple de Melvyn Tan (piano-forte) et Roger Norrington (chef d’orchestre) jouant des concerti de Beethoven sur instruments d’époque:
Peu importe le style, la plupart des musiciens classiques conviendraient qu’ils essaient seulement d’exprimer les intentions du compositeur, pas les leurs. Les pianistes classiques se considèrent davantage comme des conservateurs que comme des co-créateurs. Le musicien devient le vaisseau à travers lequel le compositeur parle.
Comme on peut l’imaginer, la tâche d’évaluation des pianistes de jazz est très différente de celle d’un pianiste classique. Les juges vous diront ce qu’ils ont en commun, cependant, c’est qu’ils doivent avoir une technique exceptionnelle et qu’ils doivent pouvoir se connecter au public. Les finalistes et les gagnants des American Pianists Awards démontrent constamment ces qualités, et il y a de nombreuses performances à voir sur notre chaîne YouTube. Jetez un coup d’œil et abonnez-vous dès aujourd’hui!
Article de Milner Fuller, administrateur artistique de l’APA, remerciant tout particulièrement John Salmon.
