Dans l’anonymat de ses peintures, Jordan Kasey reflète des scènes psychologiques et mystérieuses. Elles suscitent des sentiments complexes par leurs couleurs profondes et leur atmosphère presque terrifiante. Pourtant, entre tout le mystère, ils se sentent également très familiers. Nous avons parlé à Kasey de son travail intuitif.
Dans vos tableaux, vous choisissez des figures anonymes. Pourquoi ça ?
« Plutôt que d’utiliser les traits expressifs du visage pour communiquer l’émotion, je préfère laisser toute l’histoire que je raconte se dérouler à travers la lumière, la couleur, l’espace et le rythme global. Si j’inclus un visage dans mes peintures, c’est juste un outil de plus pour dépeindre un moment intérieur. Parfois, je commence une peinture avec un visage dedans, mais au fur et à mesure que la composition s’élabore avec le temps, elle peut être recadrée, puis je me dis « Eh, je suppose qu’elle n’en avait pas vraiment besoin ». J’aime que les figures soient anonymes car pour moi ce ne sont pas des portraits d’individus. Ils sont l’idée d’une personne qui forme un véhicule pour raconter une histoire à travers la forme. »
Ces derniers temps, vous donnez plus de personnalité à vos personnages, est-ce une évolution ?
» J’ai toujours été intéressé par l’idée que la figure se dissout ou fasse partie de son environnement. Au fur et à mesure que j’explore différentes sortes de lumière et d’espace, les figures elles-mêmes s’adaptent. De même, ces dernières années, j’ai davantage expérimenté la texture, ce qui a inévitablement conduit à différentes approches pour traiter la figure. »
Vous avez dit un jour que vous vous souciiez de peindre des figures avec une identité, pourquoi ?
« Il y a des années, alors que je passais de la peinture de paysages imaginaires au travail avec la figure, les gens ne se contentaient pas d’entrer dans la scène sur la toile. Au contraire, au cours de quelques années, les formations rocheuses dans les paysages ont commencé à prendre des rôles figuratifs dans les compositions jusqu’à ce qu’elles évoluent vers ces formes humaines ressemblant à des roches. Dans les années précédentes, j’hésitais à ajouter des détails tels que les cheveux, le teint et les vêtements qui leur donneraient une identité et les contextualiseraient dans une période ou une culture, tout simplement parce que ce n’était pas ce qu’ils étaient pour moi. Mais cette tendance était limitante et elle n’a pas duré. Les vêtements, les variations de tonus de peau, bien que les associations de genre irréalistes ou vagues comme les cheveux longs, sont devenus des véhicules pour la couleur, la texture, la lumière et l’humeur. Pour moi, il est important qu’ils se sentent juste assez fiables pour occuper un espace familier, tout en restant pas tout à fait humains. »
Vous évoquez des scènes psychologiques dans vos tableaux, pourquoi ?
« C’est intéressant pour moi de travailler avec une image ou une « histoire » qui est plus psychologique que narrative, parce que j’aime le défi et le processus de trouver un moyen de partager visuellement, de manière aussi immédiate, des moments tels que le visionnement d’un tableau. J’aime qu’il y ait un sentiment de mystère ou de tension dans une peinture une fois que c’est fait, même si je commence par une idée de composition assez simple. Ces images ne servent pas à expliquer quoi que ce soit ou à répondre à une question spécifique, mais reconnaissent une désarticulation ou une qualité onirique dans la vie quotidienne. »
Ont-ils un rapport avec des événements de votre vie?
« D’une certaine manière oui, parce que chacun d’entre nous doit puiser dans des choses que nous avons vues et vécues dans nos vies. Mais ce ne sont pas des illustrations directes d’événements ou de souvenirs. »
Quel sentiment voulez-vous que les gens ressentent quand ils voient votre travail?
« J’espère que les tensions, entre la lumière et l’obscurité, les couleurs vives et les atmosphères étranges, les décors familiers et les sens du mystère, etc., peuvent conduire à des sentiments ou des réactions très complexes, et j’aime quand les gens ne peuvent pas tout à fait expliquer ou mettre le doigt sur ce qu’ils aiment ou ressentent de mon travail. »
Je suis vraiment excité par ce sur quoi je travaille et excité de voir où cela me mènera.
Que pouvez-vous me dire sur l’utilisation de la couleur dans vos peintures ?
« J’aime les couleurs vives, elles sont amusantes pour moi et j’utilise la couleur de manière assez intuitive. Je change souvent beaucoup les couleurs tout en travaillant sur une peinture jusqu’à ce qu’elle se sente bien. »
Qu’est-ce qui vous inspire à faire une peinture ?
« J’ai juste des idées de peintures à faire, et elles subissent souvent beaucoup de changements pendant que je travaille dessus, et quelque chose qui est comme une histoire pour moi se développe à travers ce processus. Pour la crème glacée, je voulais une image de deux personnes se faisant face sur un comptoir comme si elles regardaient à travers un miroir. Ensuite, j’ai eu l’idée d’avoir également deux ombres de profil se rencontrant. Parce que les visages des deux personnages sont obscurcis, les visages d’ombre, même s’ils ne sont pas les leurs, prennent leur place. Il y a une figure rouge et une figure bleue, et il y a une face d’ombre rouge et une face d’ombre bleue. Pour moi, c’est l’histoire – deux, une sorte de confrontations parallèles stupides. La glace est arrivée à la dernière minute, en partie pour justifier le retrait de la chemise de la figure rouge en confirmant l’élément de chaleur. Quand j’ai commencé la peinture, il avait un pull, mais à ce moment-là, je travaillais sur deux peintures de figures en pulls rouges avec le dos vers moi et c’était un peu bizarre. Aussi, l’été est arrivé. Ça devient super chaud dans mon studio, alors le pull a dû partir. J’ai caché la crème glacée dans une ombre où elle pouvait rester fraîche. C’était comme le chaînon manquant d’un puzzle. »
Les résultats vous surprennent-ils jamais ?
» Toujours. Les petits échecs, le retravaillage, les erreurs et l’expérimentation conduisent à des résultats inattendus. Si je ne me surprenais pas en train de faire une peinture et que je n’avais pas l’impression qu’elle avait pris une vie propre, cela me semblerait vraiment ennuyeux et donc infructueux. J’adore me sentir comme « Je ne savais pas que ce serait ça!’. »
Les mains dans vos tableaux sont très expressives, pourquoi ?
« Avoir des mains et des pieds expressifs et naturalistes peut faire en sorte que les figures se sentent engagées et ancrées dans leur environnement. Les figures ne sont pas anatomiquement correctes, mais le réalisme des mains et des pieds implique une expérience tactile à laquelle le spectateur peut se rapporter. Aussi, parce que les visages sont souvent recadrés ou peu expressifs, je m’intéresse à la façon dont le geste des mains peut révéler l’émotion à la place. Je dessine mes propres mains et pieds pour référence générale. »
Que pouvons-nous encore attendre de vous ?
» Ma prochaine exposition personnelle sera avec la Galerie Nicelle Beauchene en 2021. Sinon, je me prévois de continuer à peindre. Je suis vraiment excité par ce sur quoi je travaille et excité de voir où cela me mènera. »
Cette interview a été initialement publiée dans Imagicasa Art 2019. Vous pouvez toujours commander ce numéro sur notre boutique en ligne pour lire d’autres histoires inspirantes sur l’art sous toutes ses formes et styles.
Images: Avec l’aimable autorisation de l’artiste
