Fai Khadra sur Son Amour de l’Art Contemporain et d’Être un Minimaliste Dans l’Âme

Directeur de création, artiste et musicien Fai Khadra est également un collectionneur d’art avec un intérêt particulier pour le minimalisme et l’art Conceptuel, ce qui fait de lui le collaborateur invité idéal pour le Commissariat Contemporain de Londres, qui se tiendra du 17 au 24 novembre. Avant la vente, il parle de sa passion pour les musées, pourquoi il veut encourager un nouveau public artistique plus jeune et comment il a découpé un morceau de son toit pour installer une stalagmite en rubis sterling.

Quels sont vos artistes préférés ?

C’est comme demander, quel est ton film préféré? C’est une question impossible. Mais je suis toujours attiré par les artistes qui ont brisé ou repoussé les limites d’une certaine manière, qui se sentent extrêmement nouveaux ou courageux dans leur pratique. J’ai toujours admiré des artistes contemporains comme Joseph Beuys, Bruce Nauman, David Hammonds, Kara Walker et Shigeko Kubota – mais vous ne pouvez pas oublier les maîtres comme Picasso, Rembrandt, Monet, Da Vinci et Van Gogh. Voyez pourquoi c’est une question impossible? Ils nous ont tous poussés dans de nouvelles directions de pensée. Penser et voir le monde, ils n’ont pas toujours été acceptés au début mais c’est ce que signifie être radical.

Comment vous renseignez-vous sur les artistes qui vous intéressent ?

D’aller à des expositions dans des musées ou des expositions de galeries – je dois voir quelque chose en personne avant que cela n’ait un impact prononcé sur moi. Par exemple, je connaissais le travail de Julie Mehretu, mais ce n’est que lorsque j’ai vu son récent spectacle LACMA que j’ai vraiment réalisé à quel point elle est une maître dans la réalisation d’œuvres multicouches à grande échelle. Pour moi, une grande partie de ma compréhension évolue à partir d’une interaction personnelle avec le travail que je ne me sens tout simplement pas à distance.

Comment décririez-vous votre esthétique personnelle?

Je suis un minimaliste dans l’âme – J’adore des artistes comme Dan Flavin et Donald Judd. Mais j’aime aussi Mike Kelley…so Je suppose que cela dépend plus de l’artiste que de l’esthétique. Cela étant dit, si je devais choisir un camp, je serais assis avec les minimalistes.

Vous considérez-vous comme un collectionneur?

Je me considère comme un collectionneur en ce sens que j’aime acheter des œuvres d’art pour ma maison afin de pouvoir vivre à côté, mais je n’ai pas, disons, d’unités de stockage dans lesquelles je garde des œuvres d’art comme investissements. En fait, je viens d’acquérir une stalagmite en rubis sterling de Sotheby’s pour l’installer dans ma nouvelle maison – c’est énorme mais je devais vivre avec. En conséquence, j’ai dû découper un morceau du toit, mais j’ai toujours été un grand fan de son travail, alors pour obtenir cette pièce, c’était une étape importante. Tout comme les artistes se poussent à faire quelque chose de nouveau, je pense qu’il est parfois important de sortir de votre zone de confort, que ce soit la taille, le budget ou le sujet. De grandes œuvres d’art et des artistes peuvent être difficiles à bien des égards. Je pense que les pièces de stalagmite de Ruby sont parmi ses meilleures œuvres, car elles étaient si ambitieuses – donc cela vaut plus que la rénovation supplémentaire.

Comment comptez-vous développer votre collection?

En achetant plus d’art! Je sais quelle est ma liste de souhaits, mais c’est aussi important pour moi de nouer des relations avec des gens en qui j’ai confiance – que ce soit des galeristes ou des conservateurs – qui peuvent me diriger vers des artistes plus récents, comme Martine Syms, Dozie Kanu, Sayre Gomez.

Y a-t-il des musées ou des collectionneurs que vous admirez particulièrement ?

J’adore visiter la Fondation Beyeler à Bâle simplement parce qu’ils ont le meilleur des meilleurs, de Giacometti à Francis Bacon. Mais il y a aussi un petit bijou à Los Angeles, qui appartenait autrefois à un homme appelé Frederick Weisman. Il était un collectionneur remarquable et, à sa mort, la maison dans laquelle il vivait et toutes les œuvres qui s’y trouvaient ont été conservées en tant que Fondation Weisman. J’aime pouvoir voir comment quelqu’un vivait aux côtés de l’art qu’il aimait – il y a quelque chose d’incroyablement convaincant à entrer dans la chambre ou le salon de quelqu’un et à voir un Rothko ou un de Kooning dans le contexte d’une maison plutôt que dans le vide d’une galerie. Dès que vous entrez dans le foyer, vous voyez encore un beau Clyfford; vous entrez dans le salon et il y a un Picasso, De Kooning et un Bacon. C’est remarquable. Les grandes collections reflètent la personnalité et la vie des grands collectionneurs et c’est quelque chose à laquelle il faut aspirer. J’aime aussi que ce soit gratuit – que tout le monde puisse réserver une visite et avoir une interaction intime avec ces œuvres incroyablement impressionnantes et influentes.

Quels conseils donneriez-vous aux nouveaux collectionneurs ?

Je pense que le conseil le plus important pour tout collectionneur, nouveau ou ancien, est simplement d’acheter quelque chose avec lequel vous pensez pouvoir vivre pour toujours. Je n’achète jamais de choses en pensant à ce que cela pourrait apprécier – parce que, si vous vivez à côté de quelque chose, cela devrait vous rendre vraiment heureux tous les jours. Rien ne va me donner ce sentiment simplement à cause de son prix du marché.

Avez-vous une période préférée dans l’art?

Je pensais que c’était à l’époque où l’art devenait plus minimal, à l’époque de Donald Judd, mais j’ai récemment visité la Villa Borghese à Rome pour la première fois et j’ai développé une nouvelle appréciation du Bernin: du détail de ses œuvres, de leur savoir-faire exceptionnel et de leur narration immersive. Je suis aussi assez obsédé par le fait que je ne pourrai jamais en posséder un: il y a quelque chose de très convaincant dans le fait qu’ils existent en dehors du marché. Ce qui est également intéressant, c’est que le Bernin et Judd semblaient très préoccupés par la façon dont l’art et l’architecture interagissaient. La situation d’une œuvre d’art dans un espace était importante pour les deux. Ils étaient maîtres de la création d’une œuvre d’art totale à leur manière.

Votre goût pour l’art a-t-il changé au fil du temps?

Je pense que mon goût changera continuellement, mais j’admirerai toujours le travail qui repousse les limites ou provoque des sentiments forts. Je ne suis pas particulièrement engagé dans un travail qui est simplement esthétique; je suis beaucoup plus enclin à un travail qui me met mal à l’aise, ou me pousse à reconsidérer le monde avec lequel il reflète ou s’engage.

Il y a quelques années, à Art Basel, je suis tombée sur Doreen Garner, une jeune artiste noire de Brooklyn qui avait réalisé une étonnante sculpture au néon qui ressemblait un peu à de la viande suspendue. C’était horrible de loin, mais ensuite, quand vous vous êtes approchés, il était fait de toutes ces belles perles. J’ai découvert qu’elle avait créé la pièce en réponse au développement de la gynécologie moderne par James Marion Sims, et comment il avait exploité et torturé les corps de femmes noires au nom de la découverte scientifique parce qu’il ne croyait pas qu’elles pouvaient ressentir de la douleur. C’était un travail extrêmement difficile, mais la façon dont elle a pu traduire cette inhumanité en quelque chose de si convaincant, si beau, et ainsi confronter son public à cela, était incroyablement impressionnante.

Qu’est-ce qui fait de Contemporary Curated une collaboration intéressante pour vous ?

Je pense qu’il est à la fois important et excitant d’engager un public plus jeune dans la collecte d’art contemporain; c’est un domaine qui peut sembler si impénétrable, si totalement inaccessible, pour tant de gens. J’aimerais pouvoir ouvrir un peu la porte à une nouvelle génération pour qui elle s’est sentie exclusive et les inviter à interagir personnellement avec les pièces.

Quand votre intérêt pour l’art a-t-il commencé?

J’ai toujours été intéressé par l’art et mes parents sont aussi collectionneurs, c’est donc probablement un trait hérité. J’ai eu la chance de grandir à Londres, où mon école nous emmenait à des expositions dans des endroits comme le Victoria & Albert Museum, les Tates ou le Musée d’histoire naturelle. Je pense que c’est ce qui est beau de grandir dans une ville comme Londres: il y a tellement d’art et de culture qui se passe constamment autour de vous que vous êtes capable de vous confronter à cela dès votre plus jeune âge.

Si vous pouviez sauver une œuvre d’art de la destruction, quelle serait-elle?

Ce devrait être la Joconde. Parce que, bien que ce ne soit pas mon préféré personnel, j’aime son impact culturel profond – cela amène les gens à s’orienter vers l’art: visiter le Louvre est devenu presque un pèlerinage. C’est donc celui qui doit être sauvé.

Si vous pouviez emmener cinq artistes – morts ou vivants – à dîner, qui seraient-ils?

Andy Warhol, Marcel Duchamp, Jackson Pollock, Walter De Maria et Frida Kahlo. Je ferais mon fameux poulet rôti.

Quelle a été la dernière exposition que vous avez vue, et pourquoi l’avez-vous aimée ?

Je viens de voir le spectacle d’Andy Warhol à la Tate, et j’ai eu la chance de recevoir une visite de l’un des directeurs du spectacle. Il a expliqué que les œuvres de Marilyn Double n’étaient pas initialement destinées par Warhol à être montrées sous forme de diptyque – qu’elles avaient simplement été vues dans son atelier l’une à côté de l’autre par les collectionneurs Burton et Emily Tremaine, qui les voulaient toutes les deux. C’est tellement intéressant pour moi que le couple ait inspiré une telle quantité de commentaires et de critiques sur le contraste qu’ils suggèrent entre la vie publique et la vie privée de Monroe – mais en fait, le récit original est différent.

Nous vivons des temps bizarres ces derniers temps. Comment vous êtes-vous maintenu engagé dans l’art et la culture?

J’ai regardé beaucoup de documentaires sur les artistes – J’ai adoré le documentaire de Duchamp, L’Art du Possible, car il donnait un aperçu si direct de son importance dans l’évolution de l’art contemporain, et un documentaire de Gerhard Richter qui explore vraiment son processus matériel.

Comment différencieriez-vous la scène artistique londonienne par rapport à LA?

Je pense que Londres a une histoire de très grande conservation. À Los Angeles, vous avez des endroits comme le Gagosian et le Broad, où vous entrerez et verrez une sculpture massive de Jeff Koons, ou une autre pièce emblématique immédiatement reconnaissable. Alors que j’ai l’impression qu’à Londres, il y a plus d’endroits comme Sadie Coles, où vous pouvez voir des artistes de renommée mondiale en plus d’être initiés à de nouveaux talents. Ce qui est intéressant, c’est de comparer les scènes de Los Angeles et de Londres avec New York. Il y a plus de similitudes entre Los Angeles et Londres. La répartition géographique et l’absence d’un quartier artistique clairement dominant. Il semble y avoir plus de place pour l’expérimentation et la prise de risques dans les deux cas, alors que New York – en raison de sa concentration et de son coût de la vie – crée une atmosphère différente. Si j’étais un artiste, je préférerais vivre et travailler à Los Angeles ou à Londres.

Comment pensez-vous que le paysage numérique change le monde de l’art, et aimez-vous l’art numérique?

Je pense qu’il y a eu une richesse d’art vidéo incroyablement bon récemment d’artistes comme Kahlil Joseph et Arthur Jafa. Outre les conversations que leur travail suscite, je pense que l’existence même de leur genre de pièces soulève des questions intéressantes sur la propriété. Je pense également qu’il est intéressant d’observer des artistes décider de s’engager ou non dans le paysage numérique – par exemple, en regardant quelqu’un comme Richard Prince, qui n’est même pas de la génération numérique, mais utilise toujours les médias sociaux de manière si intelligente pour ses œuvres.

Vous avez grandi à Londres, vécu au Moyen-Orient et vivez maintenant à Los Angeles. Comment votre éducation a-t-elle influencé votre goût pour l’art?

En étant capable de déménager et de vivre dans différents endroits, j’ai été exposé à tant de types d’art différents: de l’art islamique à l’art occidental plus traditionnel et enfin à l’art contemporain, avec lequel je me sens le plus à l’aise car je pense qu’il peut englober tous les univers en un seul. J’ai aussi eu la chance de nouer des amitiés avec différentes personnes qui m’ont beaucoup appris sur différents artistes. Kim Jones, m’a présenté des groupes d’artistes que je ne connaissais pas tant avant, comme le set de Bloomsbury. Je pense que l’exposition est la clé: plus vous vous immergez dans différentes époques ou cultures artistiques, plus vous pouvez comprendre vos goûts personnels.