Montage Eisensteinien rapide et dense de motards et d’arnaqueurs vêtus de cuir, d’accidents de la route, de stars hollywoodiennes, de bandes dessinées, d’icônes chrétiennes, d’images nazies et d’une orgie simulée, Scorpio Rising de Kenneth Anger (projeté au Walker cette semaine) est l’un des chefs-d’œuvre les plus vus et les plus influents du cinéma américain. Anger termine le film à la fin de 1963, quelques semaines seulement avant l’assassinat de Kennedy. Il résumerait plus tard Scorpio Rising comme « un miroir de la mort lié à la culture américaine », et alors que la société semblait se défaire dans les années qui suivirent, le public afflua pour regarder dans le miroir morbide de Anger.
Dans les années 1960, Anger était l’un des nombreux cinéastes d’avant-garde qui ont reçu l’attention nationale dans le cadre de la fascination du grand public pour « l’underground » et toutes choses contre-culturelles. Scorpio Rising a attiré une attention particulière après qu’un directeur de théâtre de Los Angeles a été reconnu coupable d’obscénité en 1964 pour avoir projeté le film de Anger, qui comprend de brefs flashs de nudité et un homoérotisme sans vergogne. La décision a ensuite été annulée, et en 1966, Variety a rapporté que les projections du film au Bleecker Street Cinema de Greenwich Village (sur une facture double avec The Brig de Jonas Mekas) « ont commencé à accumuler plus d’argent que les propriétaires n’en avaient jamais vu », encourageant une sortie nationale ultérieure. Cette même année, Scorpio Rising se déroule pour la première fois au Walker, dans le cadre de ce qui semble avoir été la première série du musée consacrée au cinéma expérimental américain; atypique des projections de films du Walker à l »époque, le spectacle a été présenté comme « ne convient pas aux enfants. »Ailleurs au pays, les propriétaires de théâtres rusés ont promu le travail de Anger en tant que film d’exploitation de motards et / ou pornographie « entièrement masculine », et des bootlegs en noir et blanc de 16 mm de Scorpio Rising auraient circulé dans les bars gays de la côte ouest de l’époque. La notoriété du film était telle qu’un article du New York Times de 1967 intitulé « From Underground: Kenneth Anger Rising » attribuait même la tendance de la mode pour les vestes en cuir et les vêtements de motard au succès de Scorpio Rising. Les débuts du film « ont attiré une foule qui comprenait des psychanalystes, des artistes et des critiques d’art, et une représentation de ce que l’imagination enflammée des éditorialistes de magazines d’information considère comme « la Mafia homosexuelle » des coiffeurs, des créateurs de robes et des décorateurs », a déclaré le Times. « Presque du jour au lendemain, les vitrines des élégantes boutiques du centre-ville avaient de méchantes chaînes de motos jetées sur des canapés en velours moelleux, et des mannequins en robes couture, placées entre le guidon des motos Leather Le cuir et les lunettes sont devenus des équipements standard pour les deux sexes pour faire les galeries de l’Upper East Side, ainsi que les bars du lower West. »
L’un des critiques d’art groovy que le Times a repéré au début de Scorpio Rising pourrait bien avoir été Gregory Battcock, qui a discuté du film dans un essai de 1967 sur les « Nouvelles expériences au cinéma », le qualifiant de « peut-être le titre expérimental le plus célèbre » de son époque et une « contribution appropriée à la compréhension du cinéma et de l’image « pop ». »En effet, les images de James Dean et de Lil ‘ Abner funnies de Scorpio Rising ne seraient pas déplacées dans les peintures Pop de l’époque, mais les artefacts les plus importants de la culture commerciale utilisés dans le film sont les enregistrements de rock and roll 45s que la colère utilisée comme bande-son de Scorpio Rising. Dans le film, Anger utilise treize chansons — un nombre occulte approprié pour un disciple déclaré d’Aleister Crowley – posées dos à dos sur ses 26 minutes. Aucune des chansons n’aurait été obscure pour le public américain de l’époque: tous placés très haut sur les charts Billboard, avec 10 titres classés parmi les cinq meilleurs singles. « C’était de la musique pop qui jouait à l’été 1963, lorsque je filmais », a expliqué Anger au chercheur Scott MacDonald en 2004. La programmation comprend trois groupes de filles (The Angels, Martha and the Vandellas et The Crystals) et trois idoles pour adolescents (Ricky Nelson, Bobby Vinton, Elvis Presley), huit chansons d’artistes blancs et cinq d’artistes afro-américains. Le mix capture maintenant l’esprit du rock and roll à la fin de sa première décennie, lorsque l’esthétique du « Mur du son » de Phil Spector dominait la radio, juste avant l’invasion britannique pour réorganiser le paysage musical.
Alors que le rock and roll avait été utilisé dans les films aussi loin que Blackboard Jungle (1955) qui présentait « Rock Around the Clock » de Bill Haley and the Comets au générique d’ouverture pour ajouter un air de délinquance juvénile, Scorpio Rising a été le premier film à utiliser la musique pop pour un effet artistique avancé plutôt que pour un simple attrait pour la jeunesse, exploitant ses pouvoirs émotionnels par un montage contrapuntique énigmatique. Comme le note Carel Rowe, les chansons « servent non seulement de moyen d’organisation, mais aussi de récit ironique. »La longue influence de Scorpio Rising peut être vue et entendue dans la bande originale rock d’Easy Rider (1969), l’utilisation pointue de la musique pop dans les films de Martin Scorsese (qui cite le fait de voir Scorpio Rising à l’université comme un événement formateur) et la conception quasi narrative du clip. Anger lui-même a continué à utiliser la musique pop et ses interprètes: L’envoûtante « Dream Lover » des Soeurs Parisiennes joue sur Kustom Kar Kommandos (1965); Les noodlings Moog de Mick Jagger fournissent le bruit de fond à Invocation of My Demon Brother (1969); et Anger commande à Jimmy Page la bande originale de Lucifer Rising (1980), qu’il remplace par la suite par une composition de prog rock à la guitare de Bobby Beausoleil, membre emprisonné de la famille Manson.
La technique d’appariement du son et de l’image de Anger a été attribuée à la fois à la théorie d’Eisenstein de l’édition « chromophonique » et à la théorie de Crowley des « correspondances » occultes entre des éléments disparates (cette dernière étant explorée de manière plus approfondie dans les écrits de Rowe sur la colère). Pour Anger, la magie et le cinéma sont le même art — « Faire un film, c’est comme lancer un sort », a—t-il déclaré au Times en 1967 – et la musique a un rôle particulier à jouer. « On peut admettre en tout cas que les longues cordes de mots formidables qui rugissent et gémissent à travers tant de conjurations ont un effet réel en exaltant la conscience du magicien à la hauteur appropriée », écrivait Crowley dans Magick in Theory and Practice (1929), « qu’ils le fassent n’est pas plus extraordinaire que la musique de toute sorte ne le fasse. »Anger inclut cette citation dans ses notes pour Scorpio Rising, publiées en 1966. Nous pourrions également envisager une influence technologique. Comme l’historien du cinéma Juan A. Suárez l’a noté, Anger cite une source d’inspiration pour la bande originale de Scorpio Rising comme une visite à Coney Island en 1962, où il a rencontré pour la première fois des adolescents jouant de la musique pop sur la plage à partir de petites radios à transistors. La musique portable a ajouté une bande-son au monde, rendant la vie quotidienne beaucoup plus semblable aux films. En même temps, l’essor du single 45rpm a permis de jouer la même chanson encore et encore, ses paroles s’enfonçant dans l’âme d’un adolescent solitaire.
Ce qui suit sont des annotations pour chaque chanson utilisée dans Scorpio Rising, répertoriées par ordre d’inclusion. Ils sont écrits après des semaines d’écoute répétée.
1. « Les imbéciles se précipitent (Là où les Anges ont peur de Marcher) », Ricky Nelson, 1963
Au moment où Ricky Nelson a sorti cette chanson, il était déjà bien connu du public américain comme l’une des stars de la sitcom The Adventures of Ozzie and Harriet, qui a commencé à la radio puis à la télévision du début des années 50 à 1966. Sa carrière musicale a commencé avec une reprise de » I’m Walking » de Fats Domino en 1957, faite à l’âge de 16 ans. Comme beaucoup de chansons pop de l’époque, « Fools Rush In » est également une reprise, écrite en 1940 et enregistrée par Frank Sinatra, Glenn Miller et bien d’autres: une semaine seulement après l’interprétation rockabilly de Nelson sur les ondes, Lesley Gore a sorti sa propre prise influencée par bossanova.
Comme toutes les chansons de Scorpio Rising save the last, « Fools Rush In » est une chanson d’amour. Le son doux de la voix de Nelson et de son instrumentation tourbillonnante qui l’accompagne joue sur des plans d’ouverture de pièces de moto, de bottes et de chaînes disposées sur un sol de garage crasseux; la voix de l’enfant de banlieue de la classe moyenne américaine se heurte curieusement aux images d’un milieu urbain et ouvrier. Mais au fur et à mesure que la chanson arrive à sa conclusion, Anger ajoute les rugissements d’un moteur de moto aux paroles de Nelson; une icône de scorpion fait un zoom avant et arrière rapidement, comme une transition d’une ancienne série Flash Gordon, et nous voyons le titre du film écrit en clous d’argent sur le dos d’une veste en cuir. L’homme portant la veste se retourne et nous assistons à sa poitrine nue, avec les extrémités de la ceinture de la veste battant phalliquement à sa taille. « Ouvre ton cœur », supplie Nelson, « et laisse ce fou se précipiter », alors que le personnage se dirige vers la caméra, la chair de son ventre poilu venant à la rencontre de l’objectif. Les paroles de Nelson sont ainsi intensifiées: la simple urgence romantique devient une base, le désespoir sexuel.
Le signe astrologique du Scorpion, gouverné par la planète Mars, a longtemps été associé à la virilité sexuelle, à l’excès et à la violence. Par exemple, Alan Leo, dont le travail constitue la base de l’astrologie moderne, a écrit en 1899 que les individus nés sous le signe croissant du Scorpion sont « audacieux et belliqueux, enclins à se précipiter dans les querelles » et enclins à « de nombreuses amours secrètes. »Anger a déclaré que son propre signe astrologique est le Verseau avec le Scorpion qui se lève. On pourrait imaginer que non seulement le sexe et la violence, mais aussi la mort, se glissent dans « Les imbéciles se précipitent », à travers la figure de Nelson, qui est passé, aux yeux du public, d’un garçon à un adolescent à un homme. Anger prétend également avoir été un enfant acteur (déclarant souvent qu’il est apparu à l’âge de huit ans comme le Prince Changeling dans Le Rêve d’une nuit d’été de Max Reinhardt et William Dieterle) et a terminé son premier film existant, Fireworks (1947), à l’âge de 20 ans. Le vieillissement des célébrités incite à la contemplation de notre propre mortalité: un memento mori par inadvertance se joue sur le visage de chaque étoile. En 1963, Anger, autrefois enfant terrible, était maintenant un homme de 36 ans. Il semble impossible qu’il n’aurait pas considéré le passage inexorable du temps tout en traînant avec des durs de la rue une génération plus jeune et en ajoutant des airs de teenybopper à leurs images.
2. « Poupée de liquidation », la petite Peggy March, 1963
L’une des coupes les plus obscures et les plus troublantes de Scorpio Rising, « Wind-Up Doll » a été publiée en face B de l’durable « I Will Follow Him » de Little Peggy March, qui apparaît plus tard dans le film. Ce sont les deux seules chansons du même artiste sur la bande originale, l’une à l’envers de l’autre. Dans les paroles, chantées plaintivement par March, une fille se compare à une poupée mécanique dans une métaphore étendue. « Remontez-moi je marche vraiment, remontez-moi je parle vraiment », chante-t-elle, en écho au langage de la publicité, avec elle-même comme marchandise: « Remontez-moi et je viendrai directement vers vous. »Rien ne pourrait être plus éloigné de l’esprit du proto-féministe « You Don’t Own Me » de Lesley Gore, sorti la même année. Ici, la jeune femme vide son être intérieur pour l’amour d’un garçon, promettant de devenir un jouet pour lui, un simple automate qui ne peut que répondre à ses actes. « Vous pouvez voir ce qui me fait tiquer, des petits ressorts et des engrenages », chante-t-elle. « Je peux vous montrer une astuce de plus: me briser le cœur, je vais pleurer de vraies larmes. »
La voix de March joue sur un montage de motards fixant des moteurs de moto intercalés avec des images de vélos jouets à remontage. Le son d’un petit moteur mécanique enroulé par une clé – un morceau intelligent d’instrumentation non traditionnelle utilisée dans la chanson — correspond parfaitement aux plans d’un motard tordant une clé pendant qu’il travaille. Ainsi naît une correspondance entre la femme, le jouet et la machine, le tout soumis à la manipulation masculine. Les motos ne sont que des jouets de grands garçons, des objets fétiches qui jouent le rôle de l’être aimé. « La machine à puissance vue comme un totem tribal », écrit Anger dans ses notes pour le film, « du jouet à la terreur. »
3. « Mon Petit Ami est De Retour », Les Anges, 1963
Le segment de ce classique du groupe de filles commence et se termine par un gros plan d’un squelette vêtu d’une robe violette. Après le début de la chanson, nous voyons bientôt que cette figure macabre décore une partie d’un garage, supervisant un jeune homme en t-shirt noir et jeans alors qu’il s’agite avec une moto. Le vélo est un mauve incongru et féminin, répétant la couleur des robes royales du squelette. Le spectateur est laissé à réfléchir si le « petit ami » dont parlent les Anges est le jeune homme, sa moto, ou bien la mort elle-même. Ce contexte accentue le sentiment de violence sexualisée dans la chanson, sous-jacent à ses paroles moqueuses de cour d’école et à ses applaudissements rythmés de comptines: si l’on écoute attentivement le récit, il s’agit d’une fille disant à l’un de ses camarades masculins que son petit ami va lui botter la merde vivante pour avoir répandu des rumeurs à son sujet. « Parce qu’il est un peu biiiig et très fort », chante-t-elle, dessinant les mots avec des insinuations coquettes.
4. » Velours bleu », Bobby Vinton, 1963
Dans Film visionnaire, P. Adams Sitney raconte une anecdote de Anger sur la façon dont le « Blue Velvet » de Vinton a été utilisé dans Scorpio Rising: « Anger a un jour décrit sa découverte de la quatrième chanson comme un exemple de « magie » », écrit-il. « Il a dit qu’il avait terminé la sélection pour toutes les autres chansons et qu’il avait besoin de quelque chose pour aller avec cet épisode, dans lequel trois cyclistes à différents endroits s’habillent rituellement de cuir et de chaînes avec le montage sautant continuellement de l’un à l’autre. La colère alluma sa radio et exerça sa volonté. Est sorti « She wore blue velvet » de Bobby Vinton, qui, lorsqu’il est joint à l’épisode, a créé précisément l’ambiguïté sexuelle que la colère voulait dans cette scène. »L’ambiguïté sexuelle décrite par Sitney est immédiatement produite par le premier plan du segment, dans lequel la caméra remonte lentement les jambes du jean du motard, s’installant sur sa taille alors qu’il boucle sa braguette ouverte sous un torse nu. Le velours bleu ne fait plus qu’un avec le denim bleu; Vinton chante sa robe en satin alors que nous voyons un jeune homme dans une veste en cuir. Dans ces paroles, le vêtement devient à la fois un fétiche sexuel et un déclencheur pour le souvenir d’un amour perdu. « Elle portait du velours bleu », chante Vinton, plaçant sa bien-aimée dans le passé, « précieuse et chaleureuse, un souvenir. »
5. « (Vous êtes le) Diable déguisé », Elvis Presley, 1963
Dans peut-être le segment le plus typiquement Pop du film, nous voyons un motard (nommé Scorpion dans les notes de Anger) se prélasser dans un appartement en désordre avec deux chats Siamois, ses murs recouverts de pin-up de James Dean comme la chambre d’une adolescente, alors qu’il fume des cigarettes et lit les bandes dessinées du dimanche. Un panneau de Dick Tracy révèle un tas de crâne et d’os; Lucy frappe Charlie Brown. La colère commence à entrecouper des photos prises sur un écran de télévision de Marlon Brando dans The Wild One (1953), dans lequel il joue le chef d’un gang de motards. Les fans de Dean et d’Elvis auraient su que les deux stars étaient célèbres pour aimer les motos; les trois idoles avaient, à divers moments, eu des penchants homosexuels. Ici encore, une adresse à une amante semble correspondre à une figure masculine. « Tu ressembles à un ange, marche comme un ange, parle comme un ange », chante Elvis. « Mais je suis devenu sage. Tu es le diable déguisé. »Dans les traditions occultes, l’invocation d’anges ou de démons fournit la source du pouvoir d’un magicien, et dans ce cas, les deux forces du bien et du mal sont devenues indiscernables.
6. « Prenez la route Jack, » Ray Charles, 1960
Anger emploie « Hit the Road Jack » d’une manière relativement sans ambiguïté, le jouant alors que Scorpion s’habille et se prépare à quitter son appartement, avec beaucoup de grondements de moteur posés sur le dessus. Les images basculent rapidement entre des plans de Scorpion portant un bracelet en cuir, des images de type documentaire granuleuses de motards faisant le tour de Coney Island et d’autres images de Brando sur sa moto dans La nature. Un titre de journal lit « Cycle Hits Hole & Tue deux » alors que les choristes de Charles chantent « Hit the road Jack, and don’t you come back no more. En écrivant cette scène, le critique Parker Tyler remarque que le voyage de la « tanière de la chambre d’un garçon en cuir to à la route ouverte est également symbolique en ce sens que, selon Anger, il implique un souhait de mort — libération finale dans l’espace infini. »
7. « Vague de chaleur », Martha et les Vandellas, 1963
Jusqu’à présent, les chansons ont parlé du désir en termes de désir, de perte et de rejet. Mais dans cet épisode, la colère change de vitesse et nous sommes plongés dans une célébration musicale de l’euphorie enivrante de l’amour. Alors qu’un battement de fond piétinant ouvre la chanson, Scorpion pointe son doigt dans un flacon de poudre blanche et le soulève jusqu’à sa narine, reniflant une bosse avec un rapide signe de tête en arrière. Le film montre quelques images de rouge pur, suivies d’un gros plan rapide d’un cycliste jouet aux cheveux choqués encadrant son visage de poupée Kewpie. « Chaque fois que je suis avec lui, quelque chose à l’intérieur commence à brûler, et je suis remplie de désir », explique Martha Reeves. « Serait-ce le diable en moi, ou est-ce ainsi que l’amour est censé être? »Anger ajoute un ensemble bizarre de sons animaliers à la voix de Reeves, rappelant le rire nerveux d’une hyène. Dans « Canicule », les intensités de balayage du plaisir ne peuvent pas être distinguées de la douleur. » Je ne sais pas quoi faire. J’ai la tête dans la brume. C’est comme une vague de chaleur qui brûle dans mon cœur. Je ne peux pas m’empêcher de pleurer. Ça me déchire. »
Les chercheurs et les critiques ont diversement décrit les insufflats de Scorpion en poudre comme de la cocaïne ou de la méthamphétamine; ce dernier est plus probable, compte tenu de la popularité relative du médicament à l’époque. Dans les deux cas, ce moment sert de prélude aux aventures lysergiques de l’œuvre ultérieure de Anger, dans laquelle les effets des stupéfiants, de l’art et de la sorcellerie ne font plus qu’un.
8. « C’est un Rebelle », Les Cristaux, 1963
Alors que s’ouvre cet hymne aux mauvais garçons produit par Spector, nous suivons une vue au niveau de la botte du Scorpion qui traverse une ruelle crasseuse. « Voyez la façon dont il marche dans la rue », entonnent les filles, fonctionnant comme un chœur grec en passant par Motown. À cette colère s’ajoutent des morceaux teintés de bleu d’une image biblique ringarde, souvent citée comme le film familial The Road to Jerusalem, qui était probablement une version de film maison éditée à partir de la série télévisée The Living Bible de 1952. Comme lors de la découverte magique de « Blue Velvet » à la radio, Anger affirme qu’il a trouvé un jour la bobine de 16 mm de Road to Jerusalem assise sur le pas de sa porte, qui lui a été livrée par erreur à la place d’une église voisine. Quand Jésus guérit la vue d’un aveugle, Scorpion, vêtu d’une traînée de policier, laisse de faux billets sur des motos, et La colère jette en un clin d’œil un coup de pénis émergeant d’une paire de jeans pour un effet pleinement profane. La démarche du Scorpion correspond à celle de Jésus parcourant la Terre Sainte avec ses disciples en remorque. À travers ce montage de son et d’image, le rebelle se confond avec le sauveur, le Scorpion avec le Christ, le héros avec l’amant, le flic avec le criminel.
9. « Lumières de fête », Claudine Clark, 1962
L’exubérant « Party Lights » de Claudine Clark, une merveille à succès, ouvre ce que Anger a surnommé l’épisode de la « Nuit de Walpurgis », faisant référence à la croyance folklorique selon laquelle, le dernier soir d’avril, des hordes de sorcières se rassemblent pour adorer leurs dieux sombres. Les lumières de Noël brillent dans les rayons d’une moto garée alors que Clark et ses choristes témoignent: « Lumières de fête, je vois les lumières de fête. Ils sont rouges, bleus et verts. »Une bande de jeunes hommes arrive dans divers costumes d’Halloween démoniaques et états de déshabillage. Un motard costaud pousse la tête d’un copain vers son entrejambe vêtu d’un blanc serré; un autre passe devant dans ce qui ressemble à une tenue de Mickey Mouse. D’autres images de Jésus et de son équipage proposent des parallèles blasphématoires, mais font également ressortir les sous-entendus spirituels du langage de révélation de Clark. Dans la littérature théosophique, « Lucifer » est imaginé comme le « Porteur de Lumière », une étymologie que La Colère a souvent citée; ici, Lucifer se fond avec Jésus, « la lumière du monde » (Jean 8:12).
Le critique Tony Rayns a loué cette séquence pour son utilisation complexe du montage. « L’idéal d’Eisenstein is est étonnamment atteint dans la séquence « lumières de fête » », écrivait-il en 1969. « où l’arrangement dur et dense de la chanson matched s’accompagne d’un épaississement des termes de référence dans le montage, tandis que les paroles se rapportent explicitement au développement de l’échelle de couleurs du film and et produisent un film aussi riche en résonance que tout ce qui est propre à Eisenstein. »
10. » La torture « , Kris Jensen, 1962
11. « Point de non-retour », Gene McDaniels, 1962
» Torture » et « Point of No Return » sont deux chansons largement oubliées, et les chartes les plus basses du groupe. Kris Jensen n’a jamais vu un autre succès; Gene McDaniels travaillera plus tard principalement en tant que producteur et auteur-compositeur formidable, notamment pour Roberta Flack, insérant la conscience noire et les rythmes jazz dans la pop avec des chansons comme « Compared to What. »Ici, Jensen entonne « Tu me tortures » à un amant invisible alors que des actes plus littéraux de tourment de style fraternité apparaissent: de la moutarde chaude s’est déversée précairement près de l’entrejambe d’un homme alors que ses copains le plaçaient au sol; un plan subliminal d’un cul nu marqué par des abus suit une image de Scorpion pointant vers le bas vers sa botte, comme pour commander l’obéissance. La colère ajoute les bruits des cris d’hommes, des cris de porcins et des grondements de moteur alors que le film se lance dans le numéro plus lisse et plus optimiste de McDaniel. Mais lorsque nous voyons des images d’un rallye à moto, nous pensons à James Dean et à sa disparition à grande vitesse, et les paroles de McDaniel prennent une ironie sinistre: « Je suis au point de non-retour et pour moi, il n’y aura pas de retour en arrière. »
12. « Je Vais Le Suivre », Petite Peggy March, 1963
À présent, le montage de Anger atteint un pic de fièvre: des images d’Hitler apparaissent avec celles du Christ, la prétendue co-star de Anger, Mickey Rooney, dans le rôle de Puck d’Un rêve nocturne d’été, et Scorpion agitant un drapeau à tête de mort, puis pissant dans son casque sur l’autel d’une église sombre. Les sons des avions zoomés, des explosions et des cris se mélangent à la voix de March alors qu’elle chante son culte désespéré et abject de « lui. »Le nazisme est assimilé au christianisme et le rebelle est un dictateur déguisé. Notre familiarité avec la chanson pop canonique de March s’évapore alors que ses paroles se révèlent pour ce qu’elles sont vraiment: un hymne au masochisme et à la dissolution complète du soi. Alors qu’elle chante le point culminant de la chanson, chaque mot est alimenté par la poussée brutale des cordes de violon. Elle hurle ces mots par grappes de trois, comme pour l’invoquer par une incantation:
JE L’AIME
JE L’AIME
JE L’AIME
ET OÙ IL VA
JE VAIS SUIVRE
JE VAIS SUIVRE
JE VAIS SUIVRE
JE VAIS SUIVRE
IL VA TOUJOURS ÊTRE
MON VÉRITABLE AMOUR
MON VÉRITABLE AMOUR
MON VÉRITABLE AMOUR
À PARTIR DE MAINTENANT JUSQU’À
POUR TOUJOURS
POUR TOUJOURS
POUR TOUJOURS
POUR TOUJOURS
Depuis au moins sa 1964 procès pour obscénité, Scorpion Rising a été interprété comme un film « antifasciste ». Rowe a cité Anger en disant: « Je trouve ridicule l’idée que quiconque soit le Leader », et, en effet, la philosophie Crowleyenne approuve un individualisme radical. Mais si Scorpio Rising fournit une critique du fascisme, il ne le fait qu’en évoquant les intensités perverses de ses plaisirs, en dessinant l’attrait érotique de la domination et de la soumission.
13. « Essuyez », Les Surfaris, 1963
Face B du tube désormais inconnu de Surfari, « Surfer Joe », cet instrumental étendu commence par un son écrasant suivi d’un caquetage de stoner allongé et chambré d’écho qui mène aux seuls mots de la chanson: « Hahahahahaha wipe wipe out. »Des images nocturnes de motards parcourant les rues de Brooklyn se transforment en une tempête de feu rouge et noir de crânes, de chaînes, de go-go girls, de chrome étincelant et d’une sirène clignotante, culminant dans l’apparition d’un motard au sol, accueilli par les bruits des flics qui arrivent. Sur le bras du motard, on pouvait à peine lire le slogan beatnik de son tatouage: BÉNI, BÉNI OUBLI. Avec la mort du motard, sa soumission à la machine va jusqu’à l’autodestruction.
« Wipe Out » est la seule piste de Scorpio Rising qui n’est pas une chanson d’amour. Au lieu de cela, il célèbre courtiser le danger sur les vagues de l’océan. Mais marque également un changement radical dans la musique américaine et la culture des jeunes qui l’ont soutenue. « Wipe Out » annonce la fin de l’innocence timide de la musique pop, annonçant le règne à venir du rock garage à guitare. Les rythmes noueux de « Wipe Out » conduiraient à d’autres formes d’oubli — des friches adolescentes épaisses de brume violette — qui évolueraient à leur tour dans le nihilisme du heavy metal et du punk. Ainsi, la finale de Scorpio Rising peut être lue soit comme annonçant la mort de la pop américaine, soit comme évoquant sa transformation occulte.
Scorpio Rising de Kenneth Anger est projeté au Walker le 20 août 2015, dans le cadre du Cinéma Pop International.
