THÉÂTRE AMÉRICAIN

Les critiques sont des leaders, qu’ils le veuillent ou non, et c’est abondamment le cas de Jose Solís, qui couvre le théâtre, le cinéma et les arts, y compris pour le New York Times et l’American Theatre, depuis près de deux décennies. Depuis que j’ai commencé à travailler avec Jose, il a montré une tendance entrepreneuriale, en particulier dans la création de Token Theatre Friends, un podcast et une série Web apportant une perspective de personne de couleur aux arts de la scène, avec le rédacteur en chef de l’époque, Diep Tran. (Ils ont pris l’indépendance plus tôt cette année, et vous pouvez aller les soutenir ici; vous pouvez trouver un arriéré de leurs spectacles ici.)

Maintenant, Solís l’a refait: il a pris l’initiative quand il a vu un besoin que personne ne comblait. Dans ce cas, il s’agissait de prendre note de la relative rareté des critiques de théâtre de couleur, et de vouloir faire quelque chose à ce sujet. Galvanisé par les protestations et la prise de conscience tardive qui a suivi le meurtre de George Floyd en mai, il a lancé un laboratoire pour les personnes noires, autochtones ou de couleur (BIPOC), soutenu par une campagne GoFundMe, et a commencé à enseigner un programme à un groupe de jeunes futurs critiques. Maintenant, il a obtenu le soutien officiel du Kennedy Center, sous les auspices de son festival de théâtre universitaire, pour faire un autre tour en novembre: Son laboratoire de critiques BIPOC accepte maintenant les soumissions jusqu’en octobre. 30. Pendant 10 semaines, les critiques « commenceront par définir « Ce que Sera Ma critique » et termineront par la publication de leur première pièce payante dans un point de vente journalistique ou dans le matériel d’une compagnie de théâtre partenaire. »Ils ne réviseront pas le travail pour cette dernière pièce, mais le couvriront de manière journalistique d’une manière ou d’une autre, et leur travail peut prendre la forme d’écrits traditionnels ou de « listicles », de podcasts originaux ou de créations audiovisuelles. »

C’est un effort audacieux et passionnant, qui se tient à l’écart non seulement de l’establishment critique encore majoritairement blanc et masculin, mais aussi face à un domaine du journalisme artistique qui s’effritait déjà avant que la pandémie ne détruise l’économie et ne ferme la plupart des théâtres. J’ai récemment parlé à Jose de ses expériences, de ses perspectives incroyablement sanguines et de son fil Twitter.

ROB WEINERT-KENDT: Cela fait un moment que je ne vous ai pas parlé. Je vous suis sur Twitter et vous semblez assez occupé. En dehors des amis du théâtre Token, avez-vous écrit à la pige ?

JOSE SOLÍS : Pas vraiment. J’ai fait quelques choses pour Backstage, et depuis mars, j’ai fait une chose pour le Times, et je fais un texte de présentation mensuel pour le journal du week-end. Sinon, tout a été joli, joli, joli, assez sec.

Quel meilleur moment que de démarrer un laboratoire de critiques BIPOC, n’est-ce pas?

Oui, j’avais essentiellement besoin d’un endroit pour canaliser mon énergie.

De Twitter, je me souviens que vous avez parlé d’avoir quitté une organisation de critiques, essentiellement à cause du racisme, et d’avoir ressenti le besoin d’aider à créer vos propres institutions pour les critiques de couleur. Cet effort est-il lié à cela?

Au cours de l’été, j’ai quitté le bureau du Théâtre. Je n’ai pas quitté l’organisation, mais j’ai quitté le conseil d’administration car les manifestations se déroulaient au cours de l’été. J’étais le seul membre du BIPOC au conseil d’administration, et je suis toujours le seul membre du BIPOC au comité de nomination. Et cela semble très grandiose, mais devoir porter le fardeau de représenter les personnes et les préoccupations du BIPOC sans aucune aide, aucune orientation ou quoi que ce soit de la part de l’organisation — c’était tout simplement trop pour moi. J’ai dû amener les gens à faire des choses au moment des manifestations; personne ne pensait à l’importance de la vie des Noirs. De plus, j’étais la seule personne du conseil à essayer activement de recruter des membres de couleur, puis je les aurais bloqués par le processus d’adhésion très archaïque et très absurde qu’ils ont — juste plus de contrôle. Ils me demandaient de faire le travail et ensuite de ne rien faire avec tout le travail que j’avais fait. Je suis juste frustré, et aussi je me sentais vraiment coupable; Je me suis dit: comment est-ce que je recrute des gens pour venir dans cet endroit où je suis traité comme ça?

Est-ce ce qui vous a donné envie de démarrer le BIPOC Critics Lab ?

En fait, j’essayais de le faire depuis des années et des années. Après mon retour du National Critics Institute à l’O’Neill, j’ai commencé à me dire : Nous étions 14 dans ma cohorte à l’O’Neill, et seulement deux d’entre nous étaient BIPOC. Je ne pense pas jusqu’à ce que TCG ait fait les Leaders croissants de la couleur avec TJ Acena en partenariat avec O’Neill qu’ils puissent obtenir une place pour une personne de couleur. Donc, pendant de nombreuses années, je parlais aux gens, y compris au Bureau d’art dramatique et aux gens qui voulaient investir en privé, aux gens qui voulaient m’aider et m’aider à trouver des subventions. Je ne savais pas à quel point tout bouge lentement aux États-Unis

Oui. Donc, le O’Neill a peut-être un meilleur bilan depuis, mais il est vrai qu’il n’y a pas d’effort équivalent conçu expressément ou principalement pour les BIPOC. Et vous en avez ressenti le besoin ?

Oui, parce que nous sommes exclus de cette conversation. La dernière chose que je suis fier d’avoir faite en tant que membre du conseil d’administration du Drama Desk, c’est que j’ai commencé cette enquête démographique, parce que je voulais que nous soyons très transparents sur qui nous sommes; Je pense que si nous ne montrons pas au monde qui nous sommes, nous ne pourrons jamais changer. Et je ne veux jamais faire ça comme une attaque ou comme un mea culpa, parce que je pense que c’est des conneries, mais je veux que nous soyons conscients de nous-mêmes. Si nous ne nous regardons pas dans le miroir, comment saurons-nous ce que nous devons changer? Donc, je plaiderais pour cela et j’aurais des arguments très forts avec les gens. Je n’oublierai jamais que lors d’une réunion d’adhésion au Drama Desk, une femme blanche âgée s’est levée et elle a dit: « Ces gens—là n’ont—ils pas leur propre truc? » » Non, non, madame.

Wow.

Et je l’ai rencontré lorsque des artistes BIPOC me demandaient ou demandaient à Diep de couvrir leurs spectacles, et je me demande pourquoi on demande à quelques personnes de faire tout cela? Il devrait y avoir un champ plus large. Il devrait y avoir une armée de critiques pour que seuls quelques-uns d’entre nous n’aient pas à faire tout cela. J’adore mon travail, j’adore aller à des émissions et interviewer des gens, mais ce n’est pas juste pour nous. Et ce n’est pas juste non plus pour les gens qui ne savent même pas qu’ils peuvent être cela. J’ai toujours cru qu’il y avait plus de gens comme nous — ça peut être juste quelques-uns d’entre nous, non? Il doit y avoir plus de monde. Donc je ne suis pas grand sur les métaphores sportives, mais je me suis dit que si je construisais un laboratoire, c’était très Champ de rêves.

Ils viendraient. Donc, vous avez déjà commencé une version du laboratoire que vous allez faire au Kennedy Center, ou est-ce une sorte de test bêta?

Au moment des manifestations, j’étais tellement découragé et tellement triste de ne rien pouvoir faire. J’ai donc commencé à développer mon propre programme. Ma mère est pédagogue, et je l’ai contactée et j’ai dit: « Je veux te parler de cette chose que je veux faire. »Je lui ai expliqué mon idée d’un programme de cours qui romprait fondamentalement avec l’idée d’une université similaire — je ne crois pas qu’être critique nécessite beaucoup de préparation académique, pour être honnête. Ce que nous faisons, c’est simplement donner des opinions, en gros. Alors ma mère a dit: « Ce que vous voulez faire s’appelle une éducation perturbatrice. Vous essayez de casser le système qui est déjà là. Ça va être compliqué, mais ça va être amusant. »J’ai donc développé le programme sur 10 semaines; je l’ai vu comme donnant aux gens 10 classes de maître, leur enseignant essentiellement ce que je ne savais pas quand je suis arrivé à New York pour la première fois — les choses que personne ne vous enseigne. Comme, je ne sais pas si quelqu’un t’a appris à l’école à faire du pitch ou à parler à un agent de presse, ce genre de chose. Les gens s’attendent à ce que nous le sachions sur place, et même parmi nos collègues, nous avons tendance à être très secrets sur les informations que nous partageons les uns avec les autres. Je suis une question de transparence.

Donc, sur 10 semaines, je veux que les participants puissent sortir dans le monde et savoir à quoi ils vont avoir affaire. La chose la plus importante pour moi — et c’est la seule chose que la plupart des programmes n’ont pas — est qu’à la fin du programme, je veux qu’ils aient un article publié quelque part et je veux qu’ils soient payés pour cela. Demander cela au milieu d’une pandémie est un peu fou — je veux dire, je n’ai même pas de missions. Mais une fois que j’ai développé ce programme pilote pour la recherche, j’ai réalisé que je ne faisais pas vraiment de programme pilote — je faisais déjà le programme que je voulais faire.

Alors, comment avez-vous mis en place une pièce payée pour eux?

Ce que j’ai fait, c’est qu’après avoir terminé mon premier Zoom avec la cohorte, en moins d’une heure, j’ai commencé à envoyer des courriels à des gens que je connais, des directeurs artistiques de diverses compagnies, en leur disant:  » Vous savez, il est temps pour nous tous de nous impliquer. »Et comme il n’y a vraiment pas de points de vente en ce moment — je leur ai expliqué que je ne gagnais même pas d’argent, que je travaillais à la pige —, je pense que c’est la responsabilité des compagnies de théâtre de tout le pays de nourrir les critiques. J’ai conclu des accords avec huit d’entre eux pour qu’ils commandent et publient un article de chacune des personnes de la cohorte actuelle.

C’était un peu déroutant pour eux au début; ils se disaient: nous ne voulons pas payer pour la presse, mais je leur ai expliqué que vous ne payez pas pour la presse, car nous n’allons rien revoir. Tous les écrivains vont faire un long métrage, un essai ou un Q & A avec des artistes dans la saison à venir. Beaucoup de compagnies m’ont dit que c’était arrivé au bon moment, parce qu’il y avait un manque et qu’il y avait un besoin que ces voix soient là en ce moment, avec ce qui se passe dans le monde et ce qui se passe au théâtre. Les gens ne voulaient pas revenir en arrière et simplement commencer à publier des pièces des suspects habituels.

Et vous alignez également des offres de publication pour le programme complet?

Oui, je travaille déjà dessus. Mon idée est d’impliquer à un moment donné toutes les compagnies de théâtre du pays dans ce dossier. De cette façon, ils ne peuvent pas se plaindre qu’un ou deux journaux ou publications soient les seuls à couvrir leur travail; nous ne pouvons pas compter sur un grand journal dans chaque ville pour être la seule voix critique qui compte.

Je veux dire, sur certains marchés, vous ne pouvez même pas compter sur cela — le grand journal, s’il existe encore, ne couvre tout simplement pas leur travail, en particulier le travail de petites ou de nouvelles entreprises. Alors, quel genre de choses faites-vous à vos écrivains, en l’absence de pièces à aller voir?

Voyez, c’est une autre chose qu’il est vraiment important de souligner: le programme n’est pas nécessairement ouvert uniquement aux personnes qui veulent être critiques en tant qu’écrivains. C’est très important pour moi d’ouvrir cela aux gens qui ne veulent pas écrire. En fait, l’une des choses que j’ai incluses dans le formulaire de candidature était que j’accueillais même les candidatures non verbales. Je veux dire, j’adore écrire et je sais que vous aimez écrire et nous aimons les mots. Mais je pense que la critique écrite est une forme de contrôle; vous savez, l’anglais n’est pas ma langue maternelle, par exemple, et je connais des collègues pour qui l’anglais n’est pas nécessairement leur langue maternelle et qui sont très conscients de leur grammaire et de leur orthographe, ce qui les empêche même d’essayer. Mais ils savent parler — ils savent communiquer. Donc, je veux aussi que les gens qui se sentent plus à l’aise avec le podcasting, ou qui se sentent plus à l’aise pour faire des vidéos, puissent se faire de la place. C’est aussi une forme de critique très avant-gardiste.

Je veux dire, vous avez vu ce que Diep et moi avons fait avec notre spectacle; vous nous avez vus grandir et essayer de nouvelles choses. Il est donc très important pour moi de laisser de la place à l’expérimentation et au plaisir. Donc, parmi les choses que nous avons faites avec la première cohorte, c’est qu’ils ont regardé certaines des pièces que PBS a enregistrées, mais ils ont aussi été attrayants et des choses comme le Festival Corkscrew.

C’était fascinant.

Ouais, super cool. Chacun a donc dû faire un très court exercice audio, et lors de la dernière session, nous avons travaillé sur la façon de faire un essai personnel. Je veux juste qu’ils soient très à l’aise avec tout cela, car le terrain exige que nous fassions tellement de choses différentes qu’on ne nous apprend pas à faire. Je n’avais jamais été sur un podcast auparavant avant que Lindsay Barenz ne m’invite à être sur Maxamoo, et je n’avais jamais été devant une caméra avant d’être comme, Je veux faire des amis de théâtre symboliques. Mais ce sont les choses que nous devons essayer. Et il ne manque pas de théâtre à regarder en ce moment; en fait, l’un des plus grands défis pour moi chaque semaine avec la cohorte actuelle est de réduire les choses que je veux qu’ils regardent.

Sur une note personnelle, Jose, je suis impressionné que vous ayez décidé: « J’ai fait cela pendant un moment, je peux l’enseigner aux autres. »C’est une confiance que je n’ai pas nécessairement, sauf dans le cadre de mon travail, et je voulais juste vous demander, a-t-il fallu un acte de foi pour que vous disiez simplement: « Oui, je suis une autorité en la matière »?

Je ne sais pas. Maintenant, tu me rends nerveux! Peut-être que cela ressemble à des conneries, mais chaque fois que j’écris quelque chose, chaque fois que j’enregistre un épisode du podcast, chaque fois que j’enseigne un cours, chaque fois que je parle aux étudiants, je fais un acte de foi. Je suis terrifiée à chaque fois. Je ne sais pas où je vais atterrir. Je ne sais même pas nécessairement que j’ai quelque chose à enseigner, mais tout ce que je sais que je peux faire, c’est partager mes expériences, et je pense que c’est de l’enseignement. L’une des toutes premières choses que j’ai dites à la cohorte actuelle était :  » Dans cet espace où nous sommes en ce moment, il n’y a ni bien ni mal. »Il n’y a pas de structure de pouvoir, c’est pourquoi je ne les appelle pas des étudiants; je les appelle des futurs critiques. J’apprends d’eux autant que j’espère qu’ils le sont de moi.

Une des plus belles choses, et je vous promets que c’était une coïncidence, c’est que nous nous retrouvons le dimanche. J’étais très consciente qu’il se passe tellement de choses en ce moment dans le monde, et la dernière chose que je voulais faire était d’ajouter le stress d’avoir une séance le mercredi à 10h45 ou quelque chose comme ça. Cela ne rentre pas dans le monde réel, ce qui est l’une des choses que les programmes et les ateliers exigent souvent des gens; si nous voulons en faire partie, nous devons prendre congé du travail, arrêter de vivre notre vie régulière. Nous nous sommes donc installés le dimanche, et ils sont un peu devenus comme une église. Nos séances ont commencé à 60 minutes, parce que je veux être très respectueux de leur temps. Et maintenant, nous finissons par parler pendant plus de deux heures parfois, et c’est devenu un très bel espace.

Une critique publiée est loin d’être la dernière étape du processus; c’est à ce moment que la conversation devrait s’ouvrir. Donc, s’il y a quelque chose que je veux vraiment que les futurs critiques apprennent, c’est que votre voix n’est pas un mandat sacré. Ce n’est pas le dernier mot.

Je me demande si vous pourriez parler des médias sociaux, et si cela fait partie de ce que vous enseignez ou parlez de vos sessions?

Oui, c’est très important pour moi qu’ils connaissent très bien l’importance des médias sociaux. Autant Twitter peut être un paysage infernal complet, comme vous l’avez dit, vous suivez ce que je fais sur Twitter. Et j’ai eu de très bonnes choses professionnelles et personnelles de Twitter. Mais pourquoi j’aime autant Twitter — j’ai mis le président en sourdine, évidemment, donc je ne vois rien de ce qu’il dit – est-ce que quand j’étais petite, je lisais les critiques de films de Lisa Schwarzbaum dans Entertainment Weekly, et j’avais des conversations imaginaires avec elle, comme, « Lisa, pourquoi dis-tu ça? Pourquoi y penses-tu ? »La beauté de Twitter est que les critiques sont là et que ces conversations n’ont plus besoin d’être imaginaires. Et je veux que mes futurs critiques soient à l’aise avec cela.

Pour moi, une critique publiée est loin d’être la dernière étape du processus; c’est alors que la conversation devrait s’ouvrir. Donc, s’il y a quelque chose que je veux vraiment que les futurs critiques apprennent, c’est que votre voix n’est pas un mandat sacré. Ce n’est pas le dernier mot. Nous sommes là pour parler aux gens, pour entretenir le dialogue, pour avoir une conversation avec eux.

Cette conversation peut devenir laide, n’est-ce pas? Cela amène à une question plus large que j’ai sur la critique, pas seulement au sens académique, mais au sens littéral d’être critique, comme parfois dire des choses négatives et porter des jugements. C’est aussi lié aux relations que vous nouez avec les institutions théâtrales. Sentez-vous que vous avez la liberté sur Twitter, où les artistes de théâtre et les institutions vous suivent, de dire: « C’était décevant » ou « Qu’est-ce qui se passe avec ça? »Ou si les compagnies de théâtre paient vos futurs critiques pour leur écriture, leur place est-elle pour leur point de vue honnête?

Je sais ce que vous voulez dire, mais l’idée de conflit d’intérêts pour moi est une autre forme de suprématie blanche et de contrôle des barrières. Une des choses que je dis aux critiques et à tous ceux qui me posent des questions sur la critique, c’est que je n’écrirais jamais, ou ne dirais jamais dans une émission ou un podcast, quelque chose que je ne dirais pas à la personne en face de lui. Et si nous supprimons la couche de cruauté et de méchanceté dans l’établissement critique actuel, où saccager un spectacle ressemble presque à ce spectacle de Joan Crawford, où les gens aiment partager des critiques méchantes et aiment se moquer des gens — si nous supprimions cette méchanceté de la critique, la plupart du temps, nous réaliserions que ces critiques n’ont vraiment rien à dire. C’est juste de l’intimidation, non?

Pour moi, le conflit d’intérêts ne peut exister si nous nous traitons les uns les autres comme des êtres humains. Et ce que je veux ramener, c’est un sentiment de gentillesse — pas une gentillesse de conneries, ou un faux genre d’être gentil avec les gens – mais de l’humanité, vous savez. Je veux que les critiques se souviennent que chaque œuvre d’art, surtout si c’est un spectacle, surtout si c’est du théâtre, il y a des centaines de personnes dont le travail est en jeu. Tout le monde met du temps, des efforts et de l’amour dans ce qu’il fait. C’est très Mr. Rogers, mais je leur dis d’être le genre de critique que vous voudriez connaître, le genre de critique auquel vous voudriez aller pour la conversation. Pas pour des conseils, pas pour des recommandations, mais juste pour parler d’art.

J’entends ce que vous dites, mais je veux insister sur une chose. Vous semblez encadrer la méchanceté critique en termes de coups de poing, et c’est une chose très réelle, car les critiques les plus puissants sont encore pour la plupart des hommes blancs et ils ont des positions de pouvoir, sans aucun doute. Mais y a-t-il une place pour la critique qui dénonce sans crainte les excès du théâtre, ses préjugés et son racisme, qui prend note de l’écriture ou de la production paresseuse ou mauvaise? Après tout, non seulement les critiques ont du pouvoir; les théâtres, en particulier mais pas seulement les théâtres commerciaux, ont de l’argent publicitaire derrière eux et un pouvoir institutionnel, et cela doit être critiqué sans crainte et de manière indépendante. Y a-t-il de la place pour la jérémiade dans votre vision de la critique?

Oui, bien sûr. Mais tant qu’il est encadré, non seulement par le critique, mais par les médias qu’ils représentent et les spécialistes du marketing, en tant qu’opinions. Parce que la critique, c’est l’opinion. C’est une question de goût. Et ce qui me dérange, c’est quand ceux qui ont une voix critique trop puissante sont capables de laisser les gens sans travail, et quand les critiques apprécient l’idée d’avoir ce pouvoir, comme, « Oh, je peux clore le spectacle avec ça. »Ce n’est pas cool. Ce n’est pas juste. L’autre chose que j’espère que nous verrons moins est: j’ai l’impression que certains critiques sont des scénaristes frustrés, et au lieu de s’occuper de l’œuvre d’art qu’ils ont devant eux, ils traitent de ce qu’ils auraient pu écrire et de ce que cela aurait pu être. Qui s’en soucie ? C’est ce avec quoi nous devons travailler, alors parlez-en. Ne pas comprendre les choix des artistes parce que vous ne les auriez pas faits — ce n’est pas de la critique.

J’enseignais un cours de critique à un groupe d’enfants, comme des élèves de sixième année, et j’essayais de trouver des exemples positifs de critiques dans les médias, et il n’y en a pas! Il y a Addison Dewitt, Anton Ego, le personnage que joue Lindsay Duncan dans « Birdman »We Nous sommes tous considérés comme des monstres.

Vous avez mentionné que vous ne pensez pas qu’il y ait nécessairement une exigence académique pour la critique, et je suis d’accord. Pensez-vous qu’un domaine d’éducation que les critiques pourraient utiliser est de faire plus de reportages et de journalisme sur le théâtre, de voir ce que font les personnes impliquées et d’en apprendre davantage sur le processus, afin qu’elles comprennent mieux ce qu’elles évaluent?

Je suis content que vous l’ayez mentionné parce que lorsque j’étais sur ma boîte à savon, j’ai oublié d’en parler. C’est précisément pourquoi je ne crois pas au conflit d’intérêts, Rob, et pourquoi je pense que le conflit d’intérêts est le contrôle d’accès et la suprématie blanche. J’écoutais récemment Eula Biss, elle parlait à Krista Tippett dans le podcast On Being, et elle disait qu’à cause du racisme, les Blancs ont perdu la possibilité d’avoir des relations significatives avec les membres de la communauté BIPOC. Je pense que cela vaut pour les critiques. Nous nous sommes retirés. Nous nous sommes exclus de l’écosystème parce que nous pensons que nous appartenons à l’extérieur.

J’enseignais un cours de critique à un groupe d’enfants, comme des élèves de sixième année, et j’essayais de trouver des exemples positifs de critiques dans les médias, et il n’y en a pas! Il y a Addison Dewitt, qui est délicieuse mais si méchante. Il y a Anton Ego dans Ratatouille. Vous vous souvenez du personnage que joue Lindsay Duncan dans Birdman ? Elle est vicieuse. On est tous vus comme des monstres.

Ce que j’aime chez Anton Ego, c’est que bien qu’il soit dépeint comme un méchant — et qu’il ressemble à un croisement entre Charles Isherwood et Ben Brantley —, il est conquis à la fin, car il a en fait l’humanité et le goût de reconnaître: « Oh mon Dieu, c’est la meilleure chose que j’ai jamais mangée. »Je pense qu’il est en quelque sorte justifié à la fin. Au moins, je m’en tiens à ça.

Oh, totalement, mais à ce moment-là, le film est presque terminé, et il a passé toute sa vie à souffrir. Mais je ne pense pas que vous, et je sais que je ne le sais certainement pas, alliez au théâtre dans l’espoir d’enlever quelque chose. Chaque fois que je vois un spectacle, même en zoom en ce moment, il y a un sentiment de possibilité et d’émerveillement. Je n’arrête pas de dire aux gens que les critiques ont plus en commun avec les pom-pom girls que toute autre profession à laquelle je peux penser. Parce que nous aimons trop cela, nous aimons tellement en parler, c’est pourquoi nous gagnons à peine de l’argent avec notre profession.

Je veux ramener les critiques dans l’écosystème. Imaginez combien nous avons perdu en tant que critiques parce que nous ne venons pas aux répétitions, parce que nous ne parlons pas aux réalisateurs de leur processus, ou nous ne parlons pas à l’actrice, parce que nous avons toujours été de l’autre côté. Nous avons tellement perdu. Je pense qu’il est temps de nous rappeler que nous sommes dans la même équipe.

Je suis d’accord avec une partie de cela, mais je ne pense pas que je le dirais ainsi. Mon sentiment est que la valeur d’un critique, ce qu’il a uniquement à offrir, est sa propre réponse subjective, et le travail consiste à être aussi honnête que possible à ce sujet. Et beaucoup de gens n’ont pas la force de caractère, si vous voulez l’appeler ainsi, pour être aussi honnêtes qu’ils pourraient l’être s’ils ont l’impression qu’ils vont nuire à une amitié ou à un futur chèque de paie, ou se faire traîner sur Twitter. Je veux m’assurer qu’il y a de la place pour la voix indépendante et subjective, et c’est ce qui est en danger.

En parlant de danger, le domaine du journalisme artistique ne regorge pas vraiment d’opportunités, alors pour quels postes éduquez-vous ces futurs critiques? Ou pensez—vous que c’est un autre cas de, si vous le construisez, ils viendront – que ce sont les voix qui manquent au domaine, et peut-être qu’une des raisons pour lesquelles le journalisme artistique est en déclin est parce que ces gens ont été exclus?

Je pense que précisément. Nous maintenons depuis si longtemps que les critiques sont sur des piédestaux, comme si nous étions la Cour suprême. Ce n’est pas ce que nous sommes vraiment. Et ce qui m’excite tant dans cette cohorte, c’est qu’il y a des gens parmi eux qui ne veulent pas être des critiques sans citation, mais qui veulent être, par exemple, des modérateurs culturels, comme avoir leur propre talk-show, ce genre de chose. Et si nous donnons aux gens les outils et montrons aux gens à quoi ressemble le terrain, et si nous permettons aux gens de tomber amoureux du terrain et de jouer avec les dramaturges, peut-être avec les acteurs, qui sait le genre de flux que nous pouvons créer? Peut—être qu’être juste un critique n’a plus de sens – évidemment, cela n’a aucun sens. Par exemple, si je n’écrivais que des critiques, je mourrais de faim encore plus que je ne le suis maintenant. C’est un moment où vous devez porter tant de chapeaux différents. Donc, fondamentalement, je me considère comme quelqu’un qui donne aux gens leur nouvelle garde-robe de printemps.