írta Milner Fuller. Blog
ki a kedvenc jazz zongoristád?
ki a kedvenc klasszikus zeneszerzője?
ezek a kérdések a leggyakrabban feltett zene szerelmeseinek. Ritkábban fordul elő a kérdés. Miért? A Jazz előadóközpontú műfaj, míg a klasszikus hangsúlyozza a zeneszerzőt.
egy jazz zongorista számára a zeneszerzés és az előadás egy és ugyanaz. A zeneszerző/zenész Gunther Schuller egyszer azt írta, hogy” az improvizáció a jazz szíve és lelke”, David Baker pedig azzal érvel, hogy az improvizációnak a jazz oktatás sarokkövének kell lennie. A jazz improvizációs gyökerei abban kereshetők meg, hogy hány darabot jegyeznek fel: ahelyett, hogy minden hangot leírnának, a jazz-előadók gyakran használnak ólomlemezeket, amelyek a dallamot és a harmónia széles körvonalát kínálják. Az előadó feladata, hogy kitöltse a hiányosságokat. Egy ismerős szabvány így nézhet ki az oldalon:
az Ólomlapok nagy szabadságot adnak a jazz zenészeknek. Kapsz egy dallamot és néhány akkordot, a többi pedig a zenészen múlik. Az alábbiakban két értelmezése ennek Cole Porter klasszikus:
2015 American Pianists Awards győztes Sullivan Fortner
Cy Walter
ezzel szemben a rendkívül részletes írással, mondjuk Anton Webern dalával op. 12, (“Schien mir’ s, als ich sah die Sonne”).
figyelem Webern dalában, minden egyes hangnak van valamilyen kiegészítő jelölése. A zeneszerző átvette az irányítást minden hangmagasság, ritmus, dinamika, tempó, artikuláció és megfogalmazás felett. Szinte semmit sem hagy a véletlenre (kivéve talán a zenész azon képességét, hogy minden részletet egyszerre megvalósítson). A Webern példa szélsőséges, de általában véve a klasszikus jelölés sokkal részletesebb, mint a jazz.
a jazz előadóművész szerepe mindig is az volt, hogy egy zeneművet a lehető legkreatívabban és egyénileg valósítson meg. Míg az előadók olyan hagyományokra támaszkodnak, amelyeket jazz zenészek generációi adtak át, nincs két jazz előadó (ha jók), akik ugyanúgy előadnak egy darabot. Valójában, tekintettel a jazz előadásának improvizációs aspektusára, ritkán hangzik pontosan ugyanaz a művész ugyanazon darabjának két előadása.
az American Pianists Association barátja és gyakori zsűritagja (mind a jazz, mind a klasszikus) John Salmon azt írja: “az a hagyomány, hogy a jazz előadóra összpontosítanak, nem pedig az előadott munkára, az egész jazz hagyomány alapja és kezdete. A Jazz-zongoristák mindig megpróbálták felülmúlni egymást, mint a híres harlemi bérleti partikon, amikor a zongoristák alapvetően versenyeztek egymással, és a legextravagánsabb és virtuózabb zongorista nyerte el az éjszaka becsületét. A virtuozitás mindig is a jazz előadók középpontjában állt. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker és John Coltrane hatalmas sikert arattak. Igaz, voltak kiugró kivételek, köztük a sóvárgó és határozottan nem virtuóz szaxofonos Paul Desmond és a visszafogott, lírai Billie Holiday. De még ezekben az esetekben is elkerülhetetlenül az volt a hangsúly, hogy szinte jobban értelmezik a jazz szabványokat, mint maga a jazz szabvány.”
a klasszikus performanszban sok gondolkodási iskola létezik, és az esztétika az idő múlásával jelentősen megváltozik. A korábbi korszakok zenéje a 19.században vált népszerűbbé, amikor létrehozták az irodalom kánonját, és az akkori előadóknak nem volt gondjuk a saját pörgetésüket a klasszikusokra helyezni, gyakran figyelmen kívül hagyva a jelöléseket, sőt a jegyzeteket is megváltoztatták. Gustav Mahler még a műveket is átrendezte, beleértve Beethoven szimfóniáit is,” kijavítva ” azokat a területeket, amelyek a 19.század eleji zenekar korlátaitól szenvedtek. Mahler azzal érvel, hogy ezek a “javítások” összhangban voltak a zeneszerző szellemével—egyszerűen csak rétegeket akart kihozni a partitúrából.
a 20.század elején az Arturo Toscanini karmester által népszerűsített come scritto (írás szerint) mozgalom népszerű esztétikává vált. Sviatoslav Richter ezt a technikát alkalmazná a zongorára. Az előadás megközelítéséről azt írta: “a tolmács valóban végrehajtó, a zeneszerző szándékait betű szerint hajtja végre. Nem tesz hozzá semmit, ami már nem szerepel a munkában. Ha tehetséges, lehetővé teszi számunkra, hogy bepillantsunk a munka igazságába, amely önmagában zseniális dolog, és amely tükröződik benne. Nem szabad uralnia a zenét, hanem fel kell oldódnia benne.”
itt van egy példa arra, hogy Richter Bachot játszik:
míg Toscanini és Richter egy szöveges értelmezést testesít meg (nevezhetnénk őket a zene skáláinak), más 20.századi zenészek inkább az egyénibb játékmód felé hajlottak, nem ellentétben a 19. századi zenészekkel. Wilhelm Furtw, a karmester ezt a stílust testesítette meg karmesterként, és hallhatjuk hatását Daniel Barenboim zongoraművészre, aki úgy véli, hogy a tempót, amelyet messze nem metronóm jelölés ír elő, mindenekelőtt a harmóniának kell befolyásolnia. Ez a hagyomány gyökeret verhet Beethovenben, aki saját metronóm jelöléseiről azt mondta, hogy csak “az első mérésekre vonatkoztak, mivel az érzésnek megvan a maga tempója.”
itt Barenboim játszik Beethoven:
később, a 20. században a történelmileg megalapozott performanszmozgalom a korabeli szövegek és értekezések kutatására támaszkodott, hogy megkísérelje újra létrehozni a zeneműveket, ahogyan azok a kompozíció idején hangzottak. Egyes előadók speciális korszakok zenéjének előadására szakosodtak azáltal, hogy ismereteinket alkalmazták arról, hogy a dolgok hogyan zajlottak több mint 200 évvel ezelőtt. Mivel a legtöbb hangszer a 19.század folyamán jelentősen fejlődött, egyes hangszergyártók a korábbi korszakok stílusában kezdtek hangszereket építeni, hogy abból a korszakból zenét adjanak elő.
itt egy példa a Melvyn Tan (fortepiano) és Roger Norrington (karmester) játszik Beethoven concerti a korabeli eszközök:
stílustól függetlenül a legtöbb klasszikus zenész egyetért abban, hogy csak a zeneszerző szándékait próbálják kifejezni, nem a sajátjukat. A klasszikus zongoristák inkább kurátoroknak, mint társalkotóknak tekintik magukat. A zenész lesz az a hajó, amelyen keresztül a zeneszerző beszél.
elképzelhető, hogy a jazz zongoristák értékelésének feladata egészen más, mint egy klasszikus zongoristáé. A bírók elmondják, mi a közös bennük, hogy kivételes technikával kell rendelkezniük, és képesnek kell lenniük arra, hogy kapcsolatba lépjenek a közönséggel. Az American Pianists Awards döntősei és nyertesei következetesen demonstrálják ezeket a tulajdonságokat, és számos előadásnak lehet tanúja YouTube-csatornánkon. Nézd meg és iratkozz fel még ma!
Milner Fuller, az APA Művészeti adminisztrátorának cikke, külön köszönet John Salmonnak.
