Un montaggio rapido e denso eisensteiniano di motociclisti e imbroglioni vestiti di pelle, incidenti stradali, star di Hollywood, fumetti, icone cristiane, immagini naziste e un’orgia simulata, Scorpio Rising di Kenneth Anger (proiettato al Walker questa settimana) si erge come uno dei capolavori più visti e influenti del cinema americano. Anger completò il film alla fine del 1963, solo poche settimane prima dell’assassinio di Kennedy. Avrebbe poi riassumere Scorpio Rising come “uno specchio della morte tenuto fino alla cultura americana,” e come la società sembrava dipanarsi negli anni che seguirono, il pubblico accorse a scrutare in sguardo morboso di rabbia.
Nel 1960, Anger è stato uno dei numerosi registi d’avanguardia che hanno ricevuto l’attenzione nazionale come parte del fascino mainstream con “l’underground” e tutte le cose controculturali. Scorpio Rising ha attirato un’attenzione speciale dopo che un manager del teatro di Los Angeles è stato riconosciuto colpevole di oscenità nel 1964 per la proiezione del film di Anger, che include brevi lampi di nudità e omoerotismo sfacciato. La sentenza fu poi ribaltata, e nel 1966, Variety riferì che le proiezioni del film al Bleecker Street Cinema di Greenwich Village (su un doppio conto con The Brig di Jonas Mekas)” iniziarono a raccogliere più soldi di quanto i proprietari avessero mai visto”, incoraggiando una successiva uscita nazionale. Questo stesso anno, Scorpio Rising unspooled per la prima volta al Walker, come parte di quello che era sembra essere stata la prima serie del museo dedicata al cinema sperimentale americano; atipico delle proiezioni di film del Walker al momento, lo spettacolo è stato annunciato come “non adatto ai bambini.”Altrove in tutto il paese, i proprietari di canny theatre hanno promosso il lavoro di Anger come film di sfruttamento dei motociclisti e/o pornografia “tutta maschile”, e si dice che i bootleg 16mm in bianco e nero di Scorpio Rising siano circolati nei bar gay della West Coast del tempo. La notorietà del film era tale che un profilo del New York Times del 1967 intitolato “From Underground: Kenneth Anger Rising” attribuiva persino la tendenza della moda per giacche di pelle e abbigliamento da motociclista al successo di Scorpio Rising. Il debutto del film “ha attirato una folla che includeva psicoanalisti, artisti e critici d’arte, e una rappresentazione di ciò che l’immaginazione infiammata degli editorialisti delle riviste di notizie vede come” la mafia omosessuale “di parrucchieri, stilisti e decoratori”, ha dichiarato il Times. “Quasi durante la notte, vetrine di eleganti boutique uptown avevano catene di moto malvagi gettati su divani di velluto peluche, e modelli in abiti couture, in bilico tra il manubrio delle moto Leather Pelle e occhiali divennero attrezzatura standard per entrambi i sessi per fare le gallerie sul upper East Side, così come i bar sul lower West.”
Uno dei critici d’arte groovy the Times avvistato al debutto di Scorpio Rising potrebbe essere stato Gregory Battcock, che ha discusso il film in un saggio del 1967 su “Nuovi esperimenti nel cinema”, definendolo “forse il più famoso” titolo sperimentale del suo tempo e un “contributo adatto alla comprensione del cinema e dell’immagine ‘pop’.”In effetti, le immagini di Scorpio Rising di James Dean e Lil’ Abner funnies non sarebbero fuori luogo nei dipinti Pop del tempo, ma gli artefatti più importanti della cultura commerciale utilizzati nel film sono le registrazioni a goccia di rock and roll 45s Than Anger impiegate come colonna sonora di Scorpio Rising. Nel film, Anger usa tredici canzoni-un numero appropriatamente occulto per un presunto seguace di Aleister Crowley—stabilite back-to-back nei suoi 26 minuti. Nessuna delle canzoni sarebbe stata oscura per il pubblico americano del tempo: tutti collocati altamente nelle classifiche di Billboard, con 10 titoli classifica come primi cinque singoli. “Era musica pop che suonava l’estate del 1963, quando stavo girando”, spiegò Anger allo studioso Scott MacDonald nel 2004. La formazione comprende tre girl group (The Angels, Martha and the Vandellas e The Crystals) e tre teen idols (Ricky Nelson, Bobby Vinton, Elvis Presley), otto canzoni di artisti bianchi e cinque di artisti afro-americani. Il mix ora cattura lo spirito del rock and roll alla fine finale del suo primo decennio, quando l’estetica “Wall of Sound” di Phil Spector dominava la radio, poco prima che la British Invasion arrivasse a riorganizzare il panorama musicale.
Mentre il rock and roll era stato usato nei film fin da Blackboard Jungle (1955) che presentava “Rock Around the Clock” di Bill Haley e the Comets sui suoi titoli di testa per aggiungere un’aria di delinquenza giovanile, Scorpio Rising fu il primo film ad usare la musica pop per un effetto artistico avanzato piuttosto che un semplice appeal giovanile, sfruttando i suoi poteri emotivi Come nota Carel Rowe, le canzoni ” servono non solo come mezzo di organizzazione ma anche come narrazione ironica.”La lunga influenza di Scorpio Rising può essere vista e ascoltata nella colonna sonora rock di Easy Rider (1969), l’uso acuto della musica pop nei film di Martin Scorsese (che cita vedere Scorpio Rising al college come un evento formativo) e il design quasi narrativo del video musicale. Anger stesso continuò ad impiegare la musica pop e i suoi interpreti: l’inquietante “Dream Lover” delle Paris Sisters suona su Kustom Kar Kommandos (1965); i Moog noodlings di Mick Jagger forniscono il rumore di fondo a Invocation of My Demon Brother (1969); e Anger commissionò a Jimmy Page di creare una colonna sonora per Lucifer Rising (1980), sostituendola successivamente con una composizione prog rock guidata dalla chitarra di Bobby Beausoleil, membro della famiglia Manson imprigionato.
La tecnica di Anger di accoppiare il suono e l’immagine è stata rintracciata sia nella teoria di Eisenstein dell’editing “cromofonico” che nella teoria di Crowley delle “corrispondenze” occulte tra elementi disparati (quest’ultima esplorata più approfonditamente negli scritti di Rowe sulla rabbia). Per Anger, magick e cinema sono la stessa arte- “Fare un film è come lanciare un incantesimo”, ha detto al Times nel 1967—e la musica ha un ruolo speciale da svolgere. “Si può ammettere in ogni caso che le lunghe stringhe di parole formidabili che ruggiscono e gemono attraverso così tante congetture hanno un effetto reale nell’esaltare la coscienza del mago al giusto tono”, ha scritto Crowley in Magick in Theory and Practice (1929), ” che dovrebbero farlo non è più straordinario di musica di qualsiasi tipo dovrebbe farlo.”Anger include questa citazione nelle sue note per Scorpio Rising, pubblicato nel 1966. Potremmo anche considerare un’influenza tecnologica. Come ha notato lo storico del cinema Juan A. Suárez, Anger cita un’ispirazione per la colonna sonora di Scorpio Rising come una visita a Coney Island nel 1962, dove incontrò per la prima volta adolescenti che suonavano musica pop sulla spiaggia da piccole radio a transistor. La musica portatile ha aggiunto una colonna sonora al mondo, rendendo la vita di tutti i giorni molto più simile ai film. Allo stesso tempo, l’ascesa del singolo 45rpm ha permesso di riprodurre la stessa canzone più e più volte, i suoi testi affondano nell’anima di un adolescente solitario.
Quelle che seguono sono annotazioni per ogni canzone utilizzata in Scorpio Rising, elencate in ordine di inclusione. Sono scritti dopo settimane di ascolto ripetuto.
1. “Fools Rush In (Dove gli angeli temono di calpestare),” Ricky Nelson, 1963
Quando Ricky Nelson pubblicò questa canzone, era già noto al pubblico americano come una delle stelle della sitcom The Adventures of Ozzie and Harriet, che iniziò per la prima volta alla radio e poi andò in televisione dai primi anni ’50 al 1966. La sua carriera musicale è iniziata con una cover di Fats Domino del 1957 “I’m Walking”, fatta quando aveva 16 anni. Come molte canzoni pop del periodo, “Fools Rush In” è anche una cover, scritta nel 1940 e registrata da Frank Sinatra, Glenn Miller e numerosi altri: solo una settimana dopo che la versione rockabilly di Nelson ha colpito le onde radio, Lesley Gore ha pubblicato il suo take flesso bossanova.
Come tutte le canzoni presenti in Scorpio Rising save the last, “Fools Rush In” è una canzone d’amore. Il suono morbido della voce di Nelson e la sua strumentazione twangy addetto gioca su colpi di apertura di parti di moto, stivali, e catene disposte su un pavimento del garage sporco; la voce di ultimate clean-cut, classe media, ragazzo suburbano dell ” America si scontra curiosamente contro le immagini di un ambiente urbano, classe operaia. Ma mentre la canzone raggiunge la conclusione, Anger aggiunge i ruggiti di un motore di motocicletta sulle parole di Nelson; un’icona dello scorpione ingrandisce e si spegne rapidamente, come una transizione da un vecchio serial di Flash Gordon, e vediamo il titolo del film scritto in borchie d’argento sul retro di una giacca di pelle. L’uomo che indossa la giacca si gira e assistiamo al suo petto nudo, con le estremità della cintura della giacca che sbattono fallicamente alla vita. “Apri il tuo cuore”, supplica Nelson, “e lascia che questo pazzo si precipiti”, mentre la figura cammina verso la macchina fotografica, la carne del suo stomaco peloso che viene incontro all’obiettivo. I testi di Nelson sono così intensificati: la semplice urgenza romantica diventa una base, disperazione sessuale.
Il segno zodiacale dello Scorpione, governato dal pianeta Marte, è stato a lungo associato alla virilità sessuale, all’eccesso e alla violenza. Ad esempio, Alan Leo, il cui lavoro costituisce la base dell’astrologia moderna, scrisse nel 1899 che gli individui nati sotto il segno crescente dello Scorpione sono “audaci e bellicosi, inclini a precipitarsi in litigi” e inclini a “molte relazioni amorose segrete.”La rabbia ha dichiarato che il suo segno astrologico è l’Acquario con lo Scorpione in aumento. Si potrebbe immaginare che non solo il sesso e la violenza, ma anche la morte, si insinui in “Fools Rush In”, attraverso la figura di Nelson, che è cresciuto, agli occhi del pubblico, da un ragazzo a un adolescente a un uomo. Anger afferma anche di essere stato un attore bambino (spesso affermando che è apparso all’età di otto anni come il principe cambiante in A Midsummer Night’s Dream di Max Reinhardt e William Dieterle ) e ha completato il suo primo film esistente, Fireworks (1947), all’età di 20 anni. L’invecchiamento delle celebrità spinge alla contemplazione della nostra mortalità: un memento mori involontario gioca sul volto di ogni stella. Nel 1963, Anger, una volta un enfant terrible, era ora un uomo di 36 anni. Sembra impossibile che non avrebbe considerato il passaggio inesorabile del tempo, mentre appendere fuori con strada toughs una generazione più giovane e l ” aggiunta di brani teenybopper alle loro immagini.
2. “Bambola a vento”, la piccola Peggy March, 1963
Uno dei tagli più oscuri e inquietanti in Scorpio Rising,” Wind-Up Doll “è stato rilasciato come B-side del duraturo” I Will Follow Him ” di Little Peggy March, che appare più avanti nel film. Queste sono le uniche due canzoni dello stesso artista sulla colonna sonora, uno il rovescio della medaglia dell’altro. Nei testi, cantati lamentosamente da March, una ragazza si paragona a una bambola meccanica in una metafora estesa. “Avvolgimi Cammino davvero, avvolgimi parlo davvero”, canta, riecheggiando il linguaggio della pubblicità, con se stessa come merce: “Avvolgimi e verrò direttamente da te.”Niente potrebbe essere più lontano dallo spirito della proto-femminista di Lesley Gore “You Don’t Own Me”, pubblicato lo stesso anno. Qui, la giovane donna svuota il proprio essere interiore per amore di un ragazzo, promettendo di diventare un giocattolo per lui, un semplice automa che può solo rispondere alle sue azioni. “Puoi vedere cosa mi fa ticchettare, piccole molle e ingranaggi”, canta. “Posso mostrarti un altro trucco: spezzami il cuore, piangerò lacrime vere.”
La voce di March suona su un montaggio di motociclisti che fissano i motori delle motociclette intercut con filmati di biciclette giocattolo wind-up. Il suono di un piccolo motore a orologeria avvolto da una chiave—un po ‘ intelligente di strumentazione non tradizionale utilizzata nella canzone—si abbina perfettamente ai colpi di un motociclista che gira una chiave mentre lavora. Emerge così una corrispondenza tra la donna, il giocattolo e la macchina, tutti soggetti a manipolazione maschile. Le motociclette sono solo giocattoli di big boy, oggetti fetish che svolgono il ruolo dell’amato. “La macchina del potere vista come totem tribale”, scrive Anger nelle sue note per il film, ” dal giocattolo al terrore.”
3. “Il mio ragazzo è tornato”, gli Angeli, 1963
Il segmento impostato su questo classico del gruppo femminile inizia e termina con un primo piano di uno scheletro vestito con una veste viola. Dopo l’inizio della canzone, vediamo presto che questa figura macabra decora parte di un garage, supervisionando un giovane uomo in una maglietta nera e jeans mentre si agita con una moto. La bici è un malva incongruentemente femminile, che ripete il colore delle vesti reali dello scheletro. Lo spettatore è lasciato a riflettere se il “fidanzato” di cui parlano gli Angeli è il giovane, la sua moto, o addirittura la Morte stessa. Questo contesto aumenta il senso di violenza sessualizzata nella canzone, alla base dei suoi testi schoolyard-provocazione e ritmica conteggio-rima applausi: se si ascolta da vicino la narrazione, si tratta di una ragazza che dice uno dei suoi compagni di classe maschi che il suo ragazzo sta andando calci la merda vivente fuori di lui per diffondere voci su di lei. “Perché è un po’ biiiig e aw-ful forte”, canta, tirando fuori le parole con allusioni civettuole.
4. “Velluto blu”, Bobby Vinton, 1963
In Visionary Film, P. Adams Sitney racconta un aneddoto di Anger su come “Blue Velvet” di Vinton venne usato in Scorpio Rising: “Anger una volta descrisse la sua scoperta della quarta canzone come un esempio di” magick””, scrive. “Ha detto che aveva completato la selezione per tutte le altre canzoni e aveva bisogno di qualcosa per andare con questo episodio, in cui tre ciclisti in luoghi diversi si vestono ritualmente in pelle e catene con il montaggio saltando continuamente da uno all’altro. La rabbia accese la sua radio ed esercitò la sua volontà. È uscito “She wore blue velvet” di Bobby Vinton, che quando si è unito all’episodio ha creato proprio l’ambiguità sessuale che la rabbia voleva in questa scena.”L’ambiguità sessuale descritta da Sitney è prodotta immediatamente dal primo scatto del segmento, in cui la fotocamera si muove lentamente sulle gambe dei jeans del motociclista, sistemandosi sulla sua vita mentre fibbie la sua mosca aperta sotto un torso nudo. Velluto blu diventa uno con denim blu; Vinton canta del suo abito di raso come vediamo un giovane uomo in una giacca di pelle. In questi testi, l’abbigliamento diventa sia un feticcio sessuale che un trigger per la memoria di un amore perduto. “Indossava velluto blu”, canta Vinton, collocando la sua amata nel passato, ” preziosa e calda, un ricordo.”
5. “(Tu sei il) Diavolo sotto mentite spoglie, ” Elvis Presley, 1963
Nel segmento forse più tipicamente Pop del film, vediamo un motociclista (chiamato Scorpio nelle note di Anger) oziare in un appartamento disordinato con due gatti siamesi, le sue pareti coperte di pin-up di James Dean come la camera da letto di una ragazza adolescente, mentre fuma sigarette e legge i fumetti della domenica. Un pannello di Dick Tracy rivela un mucchio di teschi e ossa; Lucy clobbers Charlie Brown. La rabbia inizia a intercettare scatti presi da uno schermo televisivo di Marlon Brando in The Wild One (1953), in cui interpreta il capo di una banda di motociclisti. I fan di Dean ed Elvis avrebbero saputo che entrambe le stelle erano famose per amare le motociclette; tutti e tre gli idoli avevano, in vari punti, si diceva che avessero avuto tendenze omosessuali. Qui, ancora una volta, un indirizzo per un amante femminile sembra mappare su una figura maschile. “Sembri un angelo, cammini come un angelo, parli come un angelo”, canta Elvis. “Ma sono diventato saggio. Sei il diavolo travestito.”Nelle tradizioni occulte, l’invocazione di angeli o diavoli fornisce la fonte del potere di un mago, e in questo caso, le due forze del bene e del male sono diventate indistinguibili.
6. “Colpisci la strada Jack,” Ray Charles, 1960
Anger impiega “Hit the Road Jack” in modo relativamente inequivocabile, suonandolo come Scorpione si veste e si prepara a lasciare il suo appartamento, con una grande quantità di brontolii del motore posati in cima. Le immagini passano rapidamente tra i colpi di Scorpio che indossa un braccialetto di pelle, granuloso filmato in stile documentario di motociclisti in giro per Coney Island, e altre immagini di Brando sulla sua moto in quella selvaggia. Un titolo di giornale recita “Cycle Hits Hole & Kills Two” mentre i coristi di Charles cantano ” Hit the road Jack, e non tornare più. Scrivendo di questa scena, il critico Parker Tyler osserva che il viaggio dalla ” tana della camera da letto del ragazzo in pelle to alla strada aperta è anche simbolico in quanto, secondo Anger, comporta un desiderio di morte—rilascio finale nello spazio infinito.”
7. “Ondata di calore”, Martha e i Vandella, 1963
Finora, le canzoni hanno parlato di desiderio in termini di desiderio, perdita e rifiuto. Ma in questo episodio, la rabbia cambia marcia, e siamo gettati in una celebrazione musicale dell’euforia inebriante dell’amore. Come un backbeat stomping apre la canzone, Scorpio punta il dito in una fiala di polvere bianca e lo solleva alla narice, sbuffando un urto con un rapido cenno all ” indietro. Il film lampeggia alcuni fotogrammi di rosso puro, seguito da un rapido primo piano di un ciclista giocattolo con i capelli scioccati che incorniciano la sua faccia da bambola Kewpie. “Ogni volta che sono con lui, qualcosa dentro inizia a bruciare, e io sono pieno di desiderio,” Martha Reeves cinture fuori. “Potrebbe essere il diavolo in me, o è così che dovrebbe essere l’amore?”Anger aggiunge una bizzarra serie di suoni animaleschi alla voce di Reeves, che ricorda la risata nervosa di una iena. In “Ondata di calore”, l’intensità del piacere non può essere distinta dal dolore. “Non so cosa fare. Ho la testa nella nebbia. E ‘ come un’ondata di calore, che brucia nel mio cuore. Non riesco a trattenermi dal piangere. Mi sta facendo a pezzi.”
Studiosi e critici hanno variamente descritto gli insufflati di polvere Scorpio come cocaina o metanfetamina; quest’ultimo è più probabile, data la relativa popolarità del farmaco al momento. In entrambi i casi, questo momento funge da preludio alle avventure lisergiche del lavoro successivo di Anger, in cui gli effetti di narcotici, arte e stregoneria diventano uno.
8. “È un ribelle”, i Cristalli, 1963
Come questo paean Spector-prodotto per bad boys si apre, seguiamo una vista a livello di avvio di Scorpione arrancare attraverso un vicolo sporco. “Vedi il modo in cui cammina per la strada”, intonano le ragazze, funzionando come un coro greco attraverso Motown. A questa rabbia si aggiungono i frammenti blu di un quadro biblico di formaggio, spesso citato come Film per famiglie The Road to Jerusalem, che era probabilmente una versione home-movie curata dalla serie televisiva The Living Bible del 1952. Come per la scoperta magica di “Blue Velvet” alla radio, Anger afferma di aver trovato il mulinello 16mm di Road to Jerusalem seduto sulla sua porta di casa un giorno, erroneamente consegnato a lui invece di una chiesa vicina. Quando Gesù guarisce la vista di un cieco, Scorpione, vestito di polizia trascinare, lascia biglietti falsi in moto, e la rabbia getta in un batter-e-ti-perdere-it colpo di un pene che emerge da un paio di jeans per effetto completamente profano. L’andatura dello Scorpione corrisponde a quella di Gesù che arrancava attraverso la Terra Santa con i suoi discepoli al seguito. Attraverso questo montaggio di suono e immagine, il ribelle si fonde con il salvatore, lo Scorpione con Cristo, l’eroe con l’amante, il poliziotto con il criminale.
9. “Luci di festa”, Claudine Clark, 1962
L’esuberante “Party Lights” di Claudine Clark apre quello che Anger ha soprannominato l’episodio della “Notte di Valpurga”, facendo riferimento alla credenza folcloristica che, l’ultima sera di aprile, orde di streghe si riuniscono per adorare i loro dei oscuri. Le luci di Natale brillano nei raggi di una moto parcheggiata come testimoniano Clark e i suoi coristi: “Luci di festa, vedo le luci di festa. Sono rossi, blu e verdi.”Una banda di giovani arriva in vari costumi di Halloween demoniaci e stati di spogliarsi. Un motociclista muscoloso infila la testa di un amico verso il suo cavallo tighty-whitey-rivestito; un altro freme passato in quello che sembra un vestito di Topolino. Altre immagini di Gesù e del suo equipaggio propongono paralleli blasfemi, ma disegnano anche le suggestioni spirituali del linguaggio della rivelazione di Clark. Nella letteratura teosofica, “Lucifero” è immaginato come il “Portatore di luce”, un’etimologia che la rabbia ha spesso citato; qui, Lucifero si fonde con Gesù,” la luce del mondo ” (Giovanni 8:12).
Il critico Tony Rayns ha elogiato questa sequenza per il suo complesso uso del montaggio. “L’ideale di Eisenstein is è sorprendentemente raggiunto nella sequenza “party lights””, scrisse nel 1969. “dove l’arrangiamento duro e denso della canzone matched è accompagnato da un ispessimento dei termini di riferimento nel montaggio, mentre allo stesso tempo i testi si riferiscono esplicitamente allo sviluppo del film della sua scala cromatica produces e produce una produzione cinematografica ricca di risonanza come qualsiasi cosa di Eisenstein.”
10. “Tortura”, Kris Jensen, 1962
11. “Punto di non ritorno”, Gene McDaniels, 1962
“Torture” e “Point of No Return” sono due canzoni in gran parte dimenticati, e il più basso Cartellone charters del gruppo. Kris Jensen non ha mai visto un altro successo; Gene McDaniels avrebbe poi lavorato principalmente come produttore e compositore formidabile, in particolare per Roberta Flack, inserendo coscienza nera e ritmi jazz nel pop con canzoni come “Compared to What.”Qui Jensen intona” Mi stai torturando ” a un amante invisibile mentre appaiono atti più letterali di tormento in stile fraternità: la senape calda versata precariamente vicino al cavallo di un uomo mentre i suoi amici lo lottano a terra; un colpo subliminale di un culo nudo sfregiato dall’abuso segue un’immagine dello Scorpione che punta verso il basso verso il suo stivale, come per comandare l’obbedienza. La rabbia aggiunge i rumori degli uomini che gridano, strilli porcini e altri brontolii del motore mentre il film prosegue nel numero più fluido e ottimista di McDaniel. Ma mentre vediamo le riprese di un rally motociclistico, ripensiamo a James Dean e alla sua scomparsa ad alta velocità, e i testi di McDaniel assumono una cupa ironia: “Sono al punto di non ritorno e per me non ci sarà più ritorno.”
12. “Lo seguirò”, la piccola Peggy March, 1963
Ormai, il montaggio di Anger raggiunge un tono di febbre: le immagini di Hitler appaiono con quelle di Cristo, il presunto co-protagonista di Anger Mickey Rooney come Puck da Sogno di una notte di mezza estate, e lo Scorpione agita una bandiera di morte, poi piscia nel suo casco sull’altare di una chiesa oscurata. I suoni di zoom aerei, esplosioni, e urla si mescolano con la voce di Marzo mentre canta della sua adorazione disperata e abietta di “lui.”Il naziismo è equiparato al cristianesimo, e il ribelle è un dittatore mascherato. La nostra familiarità con la canonica canzone pop di March evapora mentre i suoi testi si rivelano per quello che sono veramente: un inno al masochismo e alla completa dissoluzione del sé. Mentre canta il culmine della canzone, ogni parola è alimentata dalla spinta brutale delle corde del violino. Lei guaisce queste parole in gruppi di tre, come per evocare ” lui ” attraverso un incantesimo:
IO LO AMO
IO LO AMO
IO LO AMO
E DOVE SI VA
IO SEGUIRÒ
IO SEGUIRÒ
IO SEGUIRÒ
CHE SARÀ LUI A ESSERE SEMPRE
IL MIO VERO AMORE
IL MIO VERO AMORE
il MIO VERO AMORE
DA OGGI FINO al
SEMPRE
SEMPRE
SEMPRE
almeno Dal 1964 anno oscenità di prova, Scorpio Rising è stato interpretato un “anti-fascista” del film. Rowe ha citato la rabbia dicendo: “Trovo ridicola l’idea che qualcuno sia il leader”, e, in effetti, la filosofia Crowleyan sostiene un individualismo radicale. Ma se Scorpio Rising fornisce una critica al fascismo, lo fa solo evocando le intensità perverse dei suoi piaceri, tirando fuori il fascino erotico sia del dominio che della sottomissione.
13. “Spazzare via”, i Surfisti, 1963
Un breakout B-side al successo ormai sconosciuto del Surfari “Surfer Joe”, questo strumentale esteso inizia con un suono che si schianta seguito da una schiamazzata stoner che porta alle uniche parole della canzone: “Hahahahahaha wipe wipe out.”Filmati notturni di motociclisti che si aggirano per le strade di Brooklyn si trasformano in una tempesta di fuoco rossa e nera di teschi, catene, ragazze go-go, cromo scintillante e una sirena lampeggiante, che culmina nell’apparizione di un motociclista prono a terra, incontrato dai suoni dei poliziotti in arrivo. Sul braccio del motociclista potremmo a malapena leggere lo slogan Beatnik del suo tatuaggio: BENEDETTO, BENEDETTO OBLIO. Con la morte del motociclista, la sua sottomissione alla macchina va fino al punto di autodistruzione.
“Wipe Out” è la traccia singola in Scorpio Rising che non è una canzone d’amore. Invece, celebra corteggiare il pericolo sulle onde dell’oceano. Ma segna anche un imminente cambiamento epocale nella musica americana, e la cultura giovanile che lo ha sostenuto. “Wipe Out” fa presagire la fine della timida innocenza della musica pop, annunciando il prossimo regno del garage rock guidato dalla chitarra. I ritmi nodosi di “Wipe Out” porterebbero ad altre forme di oblio—terre desolate adolescenti spesse con purple haze—che a loro volta si evolverebbero nel nichilismo dell’heavy metal e del punk. Quindi il finale di Scorpio Rising può essere letto come l’annuncio della morte del pop americano o la sua trasformazione occulta.
Scorpio Rising screens di Kenneth Anger al Walker August 20, 2015, come parte del cinema pop internazionale.
