Scritto da Milner Fuller. Pubblicato in Blog
Chi è il tuo pianista jazz preferito?
Chi è il tuo compositore classico preferito?
Queste sono le domande che vengono poste più comunemente tra gli amanti della musica. Meno spesso le domande saranno invertite. Perché? Il jazz è un genere incentrato sull’esecutore, mentre la classica enfatizza il compositore.
Per un pianista jazz, comporre e suonare sono la stessa cosa. Il compositore/musicista Gunther Schuller una volta scrisse che “l’improvvisazione è il cuore e l’anima del jazz”, e David Baker avrebbe sostenuto che l’improvvisazione dovrebbe essere la pietra angolare dell’educazione jazz. Le radici improvvisative del jazz possono essere trovate in quanti pezzi sono notati: piuttosto che avere ogni nota scritta, gli esecutori jazz spesso usano fogli di piombo, che offrono la melodia e un ampio profilo dell’armonia. Spetta al performer colmare le lacune. Uno standard familiare potrebbe essere simile a questo nella pagina:
I fogli di piombo danno ai musicisti jazz una grande libertà. Ottieni una melodia e alcuni accordi, e il resto dipende dal musicista. Di seguito sono due interpretazioni di questo classico di Cole Porter:
2015 American Pianisti vincitore di Premi Sullivan Fortner
Cy Walter
Contrasto questo altamente dettagliata di scrivere, di dire, di un brano di Anton Webern dalla sua Op. 12, (“Schien mir, als ich sah die Sonne”).
Nota nella canzone di Webern, ogni singola nota ha una sorta di marcatura aggiuntiva. Il compositore ha preso il controllo di ogni passo, ritmo, dinamica, tempo, articolazione e fraseggio. Non lascia quasi nulla al caso (tranne forse la capacità di un musicista di realizzare ogni dettaglio in una sola volta). L’esempio Webern è estremo, ma in generale, la notazione classica è molto più dettagliata del jazz.
Il ruolo dell’esecutore jazz è sempre stato quello di realizzare un brano musicale nel modo più creativo e individuale possibile. Mentre gli artisti attingono alle tradizioni che sono state tramandate attraverso generazioni di musicisti jazz, non ci sono due artisti jazz (se sono buoni) eseguiranno un pezzo allo stesso modo. Infatti, dato l’aspetto improvvisativo della performance jazz, raramente due esecuzioni dello stesso pezzo dello stesso artista suoneranno esattamente allo stesso modo.
Amico dell’American Pianists Association e frequente membro della giuria (sia jazz che classica) John Salmon scrive: “La tradizione di concentrarsi sull’esecutore jazz piuttosto che sul lavoro eseguito è al centro e all’inizio di tutta la tradizione jazzistica. I pianisti jazz cercavano sempre di superarsi a vicenda, come nelle famose feste di Harlem rent quando i pianisti si sfidavano l’uno contro l’altro e il pianista più stravagante e virtuosistico vinceva l’onore della serata. Il virtuosismo è sempre stato al centro degli artisti jazz. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker e John Coltrane avevano braciole potenti. È vero, ci sono state eccezioni più anomale, tra cui il sassofonista malinconico e decisamente non virtuosistico Paul Desmond e la sommessa e lirica Billie Holiday. Ma, anche in questi casi, l’attenzione era inevitabilmente sul modo in cui interpretavano gli standard jazz quasi più dello standard jazz stesso.”
Ci sono molte scuole di pensiero nella performance classica, e l’estetica cambia considerevolmente nel tempo. Musica di epoche precedenti è diventato più popolare nel 19 ° secolo, quando è stato istituito un canone di letteratura, e artisti al momento non ha avuto problemi a mettere la propria rotazione sui classici, spesso ignorando marcature e anche cambiare le note. Gustav Mahler ha persino riarrangiato opere, tra cui sinfonie di Beethoven,” correggendo ” aree che soffrivano dei limiti dell’orchestra del primo xix secolo. Mahler avrebbe sostenuto che queste “correzioni” erano in linea con lo spirito del compositore—voleva semplicemente far emergere strati nella partitura.
All’inizio del XX secolo, il movimento come scritto (as written) reso popolare dal direttore d’orchestra Arturo Toscanini divenne un’estetica popolare. Sviatoslav Richter avrebbe applicato questa tecnica al pianoforte. Sul suo approccio all’esecuzione, scrisse: “L’interprete è davvero un esecutore, portando alla lettera le intenzioni del compositore. Non aggiunge nulla che non sia già nel lavoro. Se ha talento, ci lascia intravedere la verità dell’opera che è di per sé una cosa di genio e che si riflette in lui. Non dovrebbe dominare la musica, ma dovrebbe dissolversi in essa.”
Ecco un esempio di Richter che suona Bach:
Mentre Toscanini e Richter avrebbero incarnato un’interpretazione testuale (potremmo chiamarli le Scalie della musica), altri musicisti del 20 ° secolo erano inclini a un modo di suonare più individuale, non diversamente dai musicisti del 19 ° secolo. Il direttore Wilhelm Furtwängler ha incarnato questo stile come direttore d’orchestra, e si può sentire la sua influenza sul pianista / direttore Daniel Barenboim, il quale crede che il tempo, lungi dall’essere prescritto da una marcatura metronomica, dovrebbe essere influenzato soprattutto dall’armonia. Questa tradizione può trovare radici in Beethoven, che ha detto circa i suoi segni metronomo che hanno applicato solo ” alle prime misure, come sentimento ha il suo tempo.”
Ecco Barenboim che suona Beethoven:
Più tardi nel 20 ° secolo, il movimento di performance storicamente informato si basava sulla ricerca di testi e trattati d’epoca per tentare di ricreare le opere musicali come suonavano al momento della composizione. Alcuni artisti sono specializzati nell’esecuzione di musica di epoche specifiche applicando la nostra conoscenza di come le cose sono state eseguite oltre 200 anni fa. Poiché la maggior parte degli strumenti si è evoluta in modo significativo nel corso del 19 ° secolo, alcuni produttori di strumenti hanno iniziato a costruire strumenti nello stile delle epoche precedenti per eseguire musica di quell’epoca.
Ecco un esempio di Melvyn Tan (fortepiano) e Roger Norrington (direttore) che suonano i concerti di Beethoven su strumenti d’epoca:
Indipendentemente dallo stile, la maggior parte dei musicisti classici sarebbe d’accordo sul fatto che stanno solo cercando di esprimere le intenzioni del compositore, non le loro. I pianisti classici si considerano più curatori che co-creatori. Il musicista diventa la nave attraverso la quale il compositore parla.
Come si può immaginare, il compito di valutare i pianisti jazz è ben diverso da quello di un pianista classico. I giudici ti diranno che cosa hanno in comune, però, è che devono avere una tecnica eccezionale e devono essere in grado di connettersi al pubblico. I finalisti e i vincitori dei American Pianists Awards dimostrano costantemente queste qualità, e ci sono molte esibizioni da testimoniare sul nostro canale YouTube. Date un’occhiata e iscriviti oggi!
Articolo di APA Artistic Administrator Milner Fuller con un ringraziamento speciale a John Salmon.
