direttore Creativo, artista e musicista Fai Khadra è anche un collezionista d’arte, con un particolare interesse per il Minimalismo e l’arte Concettuale, facendo di lui l’ospite perfetto collaboratore Contemporanea a Cura di Londra, tra il 17 e 24 novembre. In vista della vendita, parla attraverso la sua passione per i musei, perché vuole incoraggiare un nuovo pubblico d’arte più giovane e come ha tagliato un pezzo dal tetto per installare una stalagmite di rubino sterling.
Chi sono i tuoi artisti preferiti?
È come chiedere, qual è il tuo film preferito? E ‘ una domanda impossibile. Ma sono sempre attratto da artisti che hanno rotto o spinto i confini in qualche modo, che si sentono estremamente nuovi o coraggiosi nella loro pratica. Ho sempre ammirato artisti contemporanei come Joseph Beuys, Bruce Nauman, David Hammonds, Kara Walker e Shigeko Kubota – ma non puoi dimenticare i maestri come Picasso, Rembrandt, Monet, Da Vinci e Van Gogh. Vedi perché è una domanda impossibile? Tutti ci hanno spinto in nuove direzioni di pensiero. Pensando e vedendo il mondo, non sono stati sempre accettati all’inizio, ma questo è ciò che significa essere radicali.
Come scopri gli artisti che ti interessano?
Dall’andare a mostre in musei o mostre in galleria – Devo vedere qualcosa di persona prima che abbia un impatto pronunciato su di me. Per esempio, avevo familiarità con il lavoro di Julie Mehretu, ma non è stato fino a quando ho visto la sua recente mostra LACMA quando ho veramente capito che cosa un maestro è nel fare tali opere su larga scala a più livelli. Per me, così tanto della mia comprensione si evolve da un’interazione personale con il lavoro che non mi sento lontanamente.
Come descriveresti la tua estetica personale?
Sono un minimalista nel cuore – amo artisti come Dan Flavin e Donald Judd. Ma poi amo anche Mike Kelley…so Suppongo che sia più dipendente dall’artista che dall’estetica. Detto questo, se dovessi scegliere da che parte stare, sarei seduto con i minimalisti.
Ti consideri un collezionista?
Mi considero un collezionista in quanto amo acquistare opere d’arte per la mia casa in modo da poter vivere accanto ad essa, ma non ho, per esempio, unità di archiviazione che conservo opere d’arte come investimenti. In effetti, ho appena acquistato una stalagmite di rubino sterling da Sotheby’s da installare nella mia nuova casa – è enorme ma ho dovuto conviverci. Di conseguenza, ho dovuto tagliare un pezzo del tetto, ma sono sempre stato un grande fan del suo lavoro in modo da ottenere quel pezzo sentito come un passo importante. Proprio come gli artisti si spingono a fare qualcosa di nuovo, sento che a volte è importante comprare dalla tua zona di comfort, sia che si tratti di dimensioni, budget o soggetto. Grandi opere d’arte e artisti possono essere impegnativi in molti modi. Penso che i pezzi di stalagmite di Ruby siano alcuni dei suoi lavori migliori, perché erano così ambiziosi – quindi vale più che la pena di rinnovare in più.
Come pensi di far crescere la tua collezione?
Attraverso l’acquisto di più arte! So qual è la mia lista dei desideri, ma è anche importante per me costruire relazioni con persone di cui mi fido – che siano galleristi o curatori – che possano indicarmi la direzione di artisti più recenti, come Martine Syms, Dozie Kanu, Sayre Gomez.
Ci sono musei o collezionisti che ammiri particolarmente?
Adoro visitare la Fondazione Beyeler di Basilea semplicemente perché hanno il meglio del meglio, da Giacometti a Francis Bacon. Ma c’è anche un piccolo gioiello a Los Angeles, che una volta apparteneva a un uomo chiamato Frederick Weisman. Era un notevole collezionista e, quando morì, la casa in cui viveva e tutte le opere in essa contenute furono conservate come Fondazione Weisman. Mi piace essere in grado di vedere come qualcuno ha vissuto accanto all’arte che amava – c’è qualcosa di incredibilmente avvincente nel camminare nella camera da letto di qualcuno, o nel soggiorno, e vedere un Rothko o un de Kooning nel contesto di una casa piuttosto che nel vuoto di una galleria. Non appena si cammina nel foyer, si vede un bellissimo Clyfford ancora; entri nel soggiorno e ci sono un Picasso, un De Kooning e un Bacon. E ‘ notevole. Grandi collezioni riflettono la personalità e la vita di grandi collezionisti e che è qualcosa a cui aspirare. Mi piace anche che sia gratuito – che chiunque possa prenotare un tour e avere un’interazione intima con quelle opere incredibilmente impressionanti e influenti.
Che consiglio daresti ai nuovi collezionisti?
Credo che il consiglio più importante per qualsiasi collezionista, nuovo o vecchio, è semplicemente quello di acquistare qualcosa che si sente si potrebbe vivere con per sempre. Non compro mai cose pensando a come potrebbe apprezzare-perché, se vivi accanto a qualcosa, dovrebbe renderti veramente felice ogni giorno. Nulla mi darà quella sensazione semplicemente a causa del suo prezzo di mercato.
Hai un periodo preferito nell’arte?
Pensavo che fosse quando l’arte divenne più minimale, intorno al tempo di Donald Judd, ma recentemente ho visitato Villa Borghese a Roma per la prima volta e ho sviluppato un ritrovato apprezzamento per Bernini: del dettaglio delle sue opere, della loro eccezionale artigianalità e della loro narrazione immersiva. Sono anche abbastanza ossessionato dal fatto che non posso mai possederne uno: c’è qualcosa di molto convincente nel fatto che esistano al di fuori del mercato. Ciò che è anche interessante è che sia Bernini che Judd sembravano molto preoccupati di come l’arte e l’architettura interagissero. La situazione di un’opera d’arte in uno spazio era importante per entrambi. Erano maestri nel creare un’opera d’arte totale a modo loro.
“Le grandi collezioni riflettono la personalità e la vita dei grandi collezionisti, e questo è qualcosa a cui aspirerò sempre.”
Il tuo gusto per l’arte è cambiato nel tempo?
Penso che il mio gusto cambierà continuamente, ma ammirerò sempre il lavoro che spinge i confini o provoca sentimenti forti. Non sono particolarmente impegnato con un lavoro che è semplicemente estetico; sono molto più incline a lavorare che mi fa sentire a disagio, o mi spinge a riconsiderare il mondo che riflette o si impegna con.
Alcuni anni fa, ad Art Basel, mi sono imbattuto in Doreen Garner, una giovane artista nera di Brooklyn che aveva realizzato una straordinaria scultura al neon che sembrava un po ‘ carne appesa. Era raccapricciante da lontano ma poi, quando ti sei avvicinato, era fatto di tutte queste belle perle. Ho scoperto che aveva creato il pezzo in risposta allo sviluppo della ginecologia moderna di James Marion Sims, e di come avesse sfruttato e torturato i corpi di donne nere in nome della scoperta scientifica perché non credeva che potessero provare dolore. È stato un lavoro estremamente difficile, ma il modo in cui è stata in grado di tradurre quella disumanità in qualcosa di così avvincente, così bello, e quindi confrontarsi con il suo pubblico, è stato incredibilmente impressionante.
Cosa rende Contemporary Curated una collaborazione interessante per te?
Penso che sia importante ed emozionante coinvolgere un pubblico più giovane nel collezionare arte contemporanea; è un campo che può sembrare così impenetrabile, così del tutto irraggiungibile, per così tante persone. Mi piacerebbe poter aprire un po ‘ la porta a una nuova generazione per la quale si è sentita esclusiva e invitarla a interagire personalmente con i pezzi.
Quando è iniziato il tuo interesse per l’arte?
Sono sempre stato interessato all’arte e i miei genitori sono anche collezionisti, quindi è probabilmente un tratto ereditato. Ho avuto la fortuna di crescere a Londra, dove la mia scuola ci avrebbe portato a mostre in luoghi come il Victoria & Albert Museum, il Tates, o il Museo di Storia Naturale. Penso che questo sia il bello di crescere in una città come Londra: c’è così tanta arte e cultura intorno a te costantemente che sei in grado di affrontarla fin dalla giovane età.
Se potessi salvare un’opera d’arte dalla distruzione, quale sarebbe?
Dovrebbe essere la Gioconda. Perché, anche se non è il mio preferito, mi piace il profondo impatto culturale che ha – spinge le persone a muoversi verso l’arte: visitare il Louvre è diventato quasi come un pellegrinaggio. Quindi è quello che deve essere salvato.
Se potessi portare a cena cinque artisti – vivi o morti-chi sarebbero?
Andy Warhol, Marcel Duchamp, Jackson Pollock, Walter De Maria e Frida Kahlo. Farei il mio famoso pollo arrosto.
Qual è stata l’ultima mostra che hai visto e perché l’hai amata?
Ho appena visto lo spettacolo di Andy Warhol alla Tate, e ho avuto la fortuna di ottenere un tour da uno dei registi dello spettacolo. Ha spiegato che le opere d’arte Double Marilyn non erano inizialmente destinate da Warhol ad essere mostrate come un dittico-che semplicemente erano state viste nel suo studio l’una accanto all’altra dai collezionisti Burton ed Emily Tremaine, che le volevano entrambe. È così interessante per me che l’abbinamento ha ispirato una tale ricchezza di commenti e critiche sul contrasto che suggeriscono tra la vita pubblica e privata di Monroe, ma in realtà la narrazione originale è diversa.
Abbiamo vissuto in tempi bizzarri di recente. Come ti sei mantenuto impegnato nell’arte e nella cultura?
Ho visto molti documentari sugli artisti – ho amato il documentario di Duchamp, The Art Of The Possible, perché ha dato una visione così diretta della sua importanza nell’evoluzione dell’arte contemporanea, e un documentario di Gerhard Richter che esplora davvero il suo processo materiale.
Come differenzieresti la scena artistica londinese rispetto a quella di Los Angeles?
Penso che Londra abbia una storia di curatela davvero grande. A Los Angeles, hai posti come il Gagosian e Il Broad, dove entrerai e vedrai un’enorme scultura di Jeff Koons, o un altro pezzo iconico che è immediatamente riconoscibile. Mentre mi sento come, a Londra, ci sono più posti come Sadie Coles, dove si possono vedere artisti di fama mondiale oltre ad essere introdotti a nuovi talenti. Ciò che è interessante è confrontare le scene di Los Angeles e Londra con New York. Ci sono più somiglianze tra Los Angeles e Londra. La diffusione geografica e la mancanza di un chiaro distretto artistico dominante. Sembra che ci sia più spazio per la sperimentazione e l’assunzione di rischi in entrambi, mentre New York-a causa della sua concentrazione e del costo della vita – crea un’atmosfera diversa. Se fossi un artista preferirei vivere e lavorare a Los Angeles o Londra.
“Penso che sia interessante osservare gli artisti decidere se impegnarsi o meno con il panorama digitale”
Come pensi che il panorama digitale stia cambiando il mondo dell’arte, e ti piace l’arte digitale?
Penso che ci sia stata una ricchezza di video arte incredibilmente buona recentemente da artisti come Kahlil Joseph e Arthur Jafa. Oltre alle conversazioni che il loro lavoro provoca, penso che l’esistenza stessa del loro tipo di pezzi sollevi domande interessanti sulla proprietà. Penso anche che sia interessante osservare gli artisti che decidono se impegnarsi o meno con il panorama digitale – ad esempio, guardando qualcuno come Richard Prince, che non è nemmeno della generazione digitale, ma usa ancora i social media in modo così intelligente per le sue opere.
Sei cresciuto a Londra, hai vissuto in Medio Oriente e ora vivi a Los Angeles. In che modo la tua educazione ha influenzato il tuo gusto per l’arte?
Essendo in grado di trasferirsi e vivere in luoghi diversi, sono stato esposto a tanti diversi tipi di arte: dall’arte islamica all’arte occidentale più tradizionale e poi, infine, all’arte contemporanea, che mi sento più a mio agio perché sento che può comprendere tutti gli universi in uno. Ho anche avuto la fortuna di costruire amicizie con persone diverse che mi hanno insegnato molto su artisti diversi. Kim Jones, mi ha fatto conoscere gruppi di artisti di cui non conoscevo molto prima, come il set di Bloomsbury. Penso che l’esposizione sia fondamentale: più ti immergi in epoche o culture artistiche diverse, più riesci a capire il tuo gusto personale.
