Musica onstage
Gli eventi musicali di Kabuki possono essere suddivisi in attività onstage (debayashi) e gruppi offstage (geza). Nelle opere derivate dai drammi dei burattini i musicisti gidayū, chiamati qui chobo, sono posizionati sulla loro piattaforma tradizionale fuori dal palco a sinistra o dietro un’alcova con tende sopra l’uscita di scena a sinistra. Se vengono utilizzati altri generi, gli artisti vengono posizionati sul palco in base alle esigenze sceniche del gioco. Ci sono alcuni spettacoli in cui sono richiesti diversi tipi di musica sul palco, una situazione chiamata kake-ai. La scena di danza più comune oggi, tuttavia, è quella in cui il gruppo sul palco è composto da musicisti nagauta e Noh hayashi. Il samisen e cantanti sono posti su un montante sul retro del palco, e la hayashi sedersi davanti a loro a livello del pavimento—così, il loro altro nome, shitakata, che significa “quelli sotto.”
Ci sono tanti tipi diversi di danze che richiedono diversi tipi di musica come ci sono nell’opera cinese o occidentale. In una visione generale, forse il lato più intrigante di quella varietà è la relazione delle parti più antiche di tamburo e flauto con le melodie vocali e samisen del periodo Tokugawa. In pezzi totalmente in stile Kabuki, i tamburi tsuzumi suonano uno stile chiamato chirikara dopo la mnemonica con cui la parte viene appresa. I modelli di quello stile seguono da vicino il ritmo della parte samisen. Se viene utilizzato anche il flauto Noh, è limitato ai segnali di cadenza; se viene sostituito un semplice flauto di bambù (takebue o shinobue), suona una versione ornata (ashirai) della melodia. Ci sono molte sezioni, tuttavia, in cui i modelli di batteria e melodie Noh flauto discussi in precedenza sono combinati con melodie samisen. In un repertorio classico di centinaia di pezzi, ci sono diverse combinazioni, ma a molti ascoltatori quelle situazioni sembrano piuttosto sconcertanti a prima vista, con apparentemente due tipi di musica in corso allo stesso tempo. Se la situazione è da un gioco derivato da un precedente dramma Noh e utilizza il pieno hayashi, un ascoltatore nota prima che il flauto non è nella stessa tonalità del samisen, né sta giocando la stessa melodia. I tamburi a loro volta non sembrano relazionarsi ritmicamente alla melodia, come fanno nello stile chirikara. La batteria e il flauto, infatti, stanno suonando schemi stereotipati chiamati normalmente di otto battute come nel Noh. La differenza essenziale tra loro e la melodia samisen è che non sembrano auralmente avere lo stesso primo battito. Una data melodia samisen spesso fare spazio attraverso il silenzio per una chiamata vocale importante nei modelli di batteria, ma la deliberata mancanza di coordinamento di beat “one” crea una tensione ritmica vitale che rende la musica guidare in avanti fino a quando non si risolve ad una cadenza comune. Ogni parte è internamente rigida e progressiva, ma il suo conflitto con le altre parti costringe la musica (e l’ascoltatore) a spostare l’evento musicale attraverso un continuum temporale verso un reciproco completamento.
La musica per flauto Noh è spesso correlata al ritmo del bastone-tamburo taiko, quindi possono essere considerati un’unità comune piuttosto che parti separate. Ci sono situazioni in cui i tamburi tsuzumi suonano pattern chirikara a sostegno della melodia samisen mentre il flauto taiko e Noh suonano pattern Noh o pattern di batteria più tardi chiamati Kabuki “fuori sincronizzazione” con l’altra musica. In questi momenti si può notare che nella musica da ballo Kabuki, come nella musica classica occidentale, ci sono tre tipi di esigenze musicali. In Occidente sono melodia, ritmo e armonia. In questa musica sono melodia, ritmo e una terza unità di un tamburo e un flauto che funziona come armonia anche se il suo suono è totalmente diverso. Se questa terza caratteristica giapponese è chiamata unità di dinamismo, allora si può dire che il dinamismo nagauta e l’armonia tradizionale occidentale servono entrambi a colorare la linea, a creare una tensione che spinge la musica in avanti e ad aiutare a standardizzare il design formale del pezzo chiarendo le cadenze o creando la necessità di esse. Tutto ciò riporta il punto precedente che la musica non è una lingua internazionale. Gli aspetti altrettanto logici ma diversi della musica giapponese e della musica occidentale sono certamente più evidenti e sorprendenti.
Gli aspetti formali della musica Kabuki sono vari quanto i giochi con cui la musica è connessa. Nei pezzi di danza derivati da giochi Noh, molti dei termini sezionali del Noh di cui sopra si trovano. La forma di danza classica Kabuki è spesso costituita da sezioni divise nella tradizionale disposizione tripartita come mostrato di seguito:
(1) deha o jo
oki michiyuki
(2) chūha o ha
kudoki, monogatari, odori ji
(3) iriha o kyū
chirashi, dangire.
In generale, l’oki rappresenta tutti i tipi di sezioni strumentali introduttive (aigata, o in questo caso maebiki) o parti vocali (maeuta) prima dell’ingresso del ballerino. Il michiyuki di solito incorpora la sezione di percussioni come il ballerino entra. Il termine kudoki si trova nella storia antica della musica samisen come una forma di musica romantica ed è usato qui per la sezione più lirica, in cui le percussioni sono raramente ascoltate. Il monogatari (storia) si riferisce alla trama specifica della danza, e l’odori ji è la sezione principale della danza, un po ‘ come il kuse o mai della forma Noh più antica. Durante quella sezione, il flauto di bambù può apparire per contrasto e, in stile Noh, il tamburo taiko può essere importante. Il chirashi contiene musica più attiva e la cadenza finale si verifica durante il dangire. Ci sono infinite varianti ed estensioni di questa forma, ma i molti tratti strumentali e stilistici specifici che si trovano in ciascuna delle sezioni aiutano l’ascoltatore a prendere coscienza della progressione logica e necessaria di un dato pezzo attraverso un momento di tempo al suo giusto finale.
La maggior parte delle prime raccolte (shōhon) di musica sul palco consisteva nel testo e nella mnemonica samisen (kuchi-jamisen, mouth samisen) di interludi strumentali (ai-no-te). Nel 18 ° secolo alcune delle forme liriche cominciarono ad usare sillabe per rappresentare le posizioni di diteggiatura sullo strumento, un sistema chiamato iroha-fu. Nel 1762 un insieme di cerchi con varie marcature extra insieme al numero di stringa furono combinati in un libro chiamato Ongyoku chikaragusa per creare un sistema più accurato, se complicato. Ulteriori perfezionamenti ritmici furono creati nel Genkyoku taishinsho del 1828, ma fu solo nel periodo moderno che i numeri arabi in stile francese chevé (apparentemente appresi in Germania da Tanaka Shōhei) furono combinati con dispositivi ritmici e misurati occidentali per creare notazioni che potevano essere lette a vista senza l’aiuto di un insegnante. Tre variazioni su tale tecnica costituiscono la base della maggior parte delle moderne notazioni samisen, anche se pezzi occasionali possono essere trovati nella notazione occidentale pure. Pertanto, è possibile acquistare ampi repertori di musica nagauta, kouta o kiyomoto per esibirsi o studiare da soli. A motivare tali cambiamenti notazionali è stato il crescente interesse durante la metà del 19 ° secolo nella musica samisen composta per l’esecuzione di concerti (ozashiki) piuttosto che come accompagnamento di danza. Tale tradizione è pratica comune per tutti i generi samisen oggi.
