Negli ultimi cinque anni, Katherine French è stata leader nella comunità artistica del New England nel suo ruolo di direttrice del Danforth Museum of Art di Framingham, Massachusetts. Lì ha curato numerose mostre, tra cui quelle che esplorano l’espressionismo di Boston. Nel 2007 ha ricevuto un premio per l’eccellenza curatoriale dal New England chapter dell’International Association of Art Critics. Nel 2010, è stata nominata Miglior curatrice dell’arte fatta localmente ai New England Art Awards e riconosciuta come Alumna distinta dalla Boston University. Sotto la sua direzione, il Danforth Museum of Art è stato nominato un’organizzazione culturale eccezionale dal Massachusetts Arts Education Collaborative.
Per queste e altre ragioni, ho scelto di intervistare il francese. Soprattutto, volevo imparare come ha acquisito le risorse e l’impegno per trasformare un museo ho-hum in un’esperienza artistica vibrante e reattiva.
LOIS TARLOW: Da dove vieni?
KATHERINE FRENCH: Vengo da una lunga stirpe di Vermonter della classe operaia. Da bambino, l’arte non faceva davvero parte della mia vita. Non ho visitato i musei, ma la bellezza della zona del New England, in particolare vicino al lago Willoughby, nel nord-est del Regno del Vermont, dove ora vivono i miei genitori. Questo sicuramente influisce sulla mia visione del mondo e sul mio modo di osservare la natura e il paesaggio.
Parlaci della tua formazione.
Mi sono laureato presso l’Università del New Hampshire nel 1975 come parte della sua prima classe BFA. Ho studiato con Sigmund Abeles, John Hatch e Conley Harris. Ad eccezione di Hatch, avevano tutti insegnato alla Boston University e si avvicinavano all’arte con un forte interesse per la creazione di immagini. Hatch aveva servito nella campagna del Pacifico durante la seconda guerra mondiale come topografo di mappe e usava il metodo di disegno del contorno di Nicolaïdes per insegnare la coordinazione occhio-mano. “Non è il disegno che stai imparando”, diceva, ” è vedere.”È stato nella sua classe che ho imparato a pensare visivamente, a tradurre la mia linea di vista sulla pagina. Ricordo di aver pensato mentre disegnavo, mio dio! Sono in grado di registrare la mia visione, di mettere giù ciò che sto vedendo. Per me, questo è stato fondamentale come imparare a leggere e scrivere.
Puoi spiegare?
Nella nostra cultura accettiamo che la maggior parte degli adulti disegna a un livello di seconda o terza elementare, fermandosi sull’età in cui la lettura prende il sopravvento. Quando iniziano a lottare con il disegno – proprio nel momento in cui vogliono far sembrare le cose reali—non li aiutiamo a superare la gobba. Pochi bambini leggono senza imparare a leggere, e alcuni lottano con esso. E se dicessimo loro che non ci preoccuperemo di insegnarti a leggere, perché non sarai uno scrittore. Ma facciamo proprio questa cosa quando si tratta di disegnare. Invece di dire, Va bene, non preoccuparti di disegnare—non sarai un artista-dovremmo riconoscere che il disegno può essere uno strumento importante per registrare l’esperienza. Il mondo sarebbe certamente arricchito se tutti potessero comunicare visivamente.
Cosa hai fatto dopo la laurea?
Sono andato a New York per fare l’artista, ma ho trovato un lavoro alla Frick Collection, dove ho catalogato fotografie di studio per storici dell’arte—ritratto maschile o femminile, testa guardando a sinistra oa destra, testa con le mani, testa senza mani. Ogni mattina prendevo il treno da Bedford Stuyvesant a Manhattan, che era come viaggiare in un altro paese. Ho visitato musei e ricordo Mark Rothko al Guggenheim e Louise Bourgeois al MoMA. Ho visto Einstein di Robert Wilson sulla spiaggia al Lincoln Center e Spaulding Gray off Broadway-entrambe esperienze visive. Ann Sutherland e Linda Nochlin, che avevano appena presentato il loro innovativo spettacolo sulle donne artiste e pittrici femministe, stavano guadagnando il riconoscimento. Negli anni Settanta, la gente prendeva di nuovo sul serio la rappresentazione, in parte a causa dello spettacolo Age of Revolution che ha fatto un collegamento tra la pittura di storia francese e la narrativa. Ho potuto vedere il lavoro di artisti come Fairfield Porter e Louisa Matthíasdóttir, così come il lavoro più politicamente mentalità da Nancy Spero e Leon Golub.
Sembra che New York sia stata una buona esperienza.
Crescendo in un luogo rurale, pensi che la vita accada altrove. Mi sono trasferito a New York perché sentivo che era il luogo in cui accadevano cose reali. Guardando indietro, so che le cose vere accadevano ovunque andassi. Ma ho così apprezzato il mio tempo a New York – la pura intensità di esso.
Parlaci di trasferirsi a Boston nel 1977.
Era come tornare a casa. Ho iniziato a lavorare come bibliotecario di diapositive nella School of Fine Arts della Boston University, ed ero una mosca sul muro quando la facoltà aveva incontri ad hoc in biblioteca. Seduto alla mia scrivania, ho sentito conversazioni incredibili tra Philip Guston, Joe Ablow o David Aronson. Arthur Polonsky, Jim Weeks e John Wilson mi hanno parlato dell’arte. Tutti hanno richiesto diapositive specifiche per le loro classi. A volte tendiamo a raggruppare gli artisti di questo gruppo. La seconda generazione di espressionisti di Boston erano spesso radicalmente diversi l’uno dall’altro. Mi sentivo privilegiata a lavorare per loro. Quando li ho sentiti parlare di Beckmann, è stato come fare un tutorial di alto livello nell’arte del ventesimo secolo.
Cos’altro hai fatto alla BU?
Grazie alla remissione delle lezioni, ho completato due master durante la BU, prima in scrittura creativa (lavorando con Leslie Epstein, John Irving e Richard Yates) e successivamente in studio arts education (lavorando con Jan Olson). Questi sono seguiti naturalmente dai miei studi presso UNH, dove avevo ricevuto due lauree in arte e inglese. Studiando pittura e scrittura creativa, stavo cercando due aree diverse per raggiungere lo stesso posto. Mi interessava una narrazione complessa e rappresentativa, riuscire a creare un mondo intero all’interno di un dipinto o di un romanzo. Anche se non sono diventato un pittore, romanziere, o anche un insegnante, la mia educazione arti visive e linguistiche è importante per me. Lo uso tutti i giorni. Non sono un art maker, ma un interprete. Creo situazioni per far fiorire l’arte.
Non hai sempre vissuto a Boston. Hai passato del tempo in Europa.
Per un po ‘ ho lavorato a Londra in uno scambio di lavoro con un bibliotecario slide al North East London Polytechnic. Per un anno intero ho vissuto nel suo appartamento a Hackney e ho fatto il suo lavoro. Ha vissuto nel mio appartamento a Cambridge e ha fatto il mio lavoro. Ho fatto alcuni amici meravigliosi-artisti, argentieri, produttori di strumenti musicali—e sperimentato quello che era come vivere al di fuori della propria cultura. Questo mi ha permesso di diventare la mia persona, di essere un’autorità per me stesso. Mentre ero lì, incontrai anche mio marito, un conservatore di strumenti musicali antichi che trasferì la sua attività a Boston dopo il matrimonio. Ho continuato a lavorare alla BU, anche dopo la nascita delle mie due figlie. So che molte donne sentono che i bambini ostacolano il loro progresso nelle arti. I miei figli mi hanno aiutato a capire come vedere. I bambini scarabocchiano o disegnano nel momento in cui raccolgono un oggetto, anche prima. Un bambino che sta agitando le braccia o pugni in aria sta facendo un segno sul mondo—è davvero presto performance art.
È stato questo quando ti sei interessato all’istruzione?
Sì, ho iniziato a seguire corsi di laurea nel programma di educazione artistica alla BU e mi sono offerto volontario per insegnare lezioni d’arte alla scuola dei miei figli (un programma bilingue haitiano-creolo a Cambridge) o in corsi estivi di arte comunitaria nel Vermont settentrionale. Poi, nei primi anni ‘ 90, mi è stato dato il compito di gestire le gallerie Sherman e 808 alla BU e ho iniziato a curare gli spettacoli degli alumni. Ho iniziato a fare spettacoli più professionali, un sondaggio Neil Welliver o la Boston Printmakers Biennial. Sono stato mandato allo Smithsonian per un workshop intensivo e ho iniziato a pensare a me stesso come un professionista del museo. Invece di scrivere narrativa, stavo scrivendo saggi curatoriali sugli artisti e il loro lavoro.
A questo punto hai lasciato BU e sei andato a Montserrat.
Sì, ho preso un lavoro come direttore di galleria al Montserrat College of Art nel 2002 e ho iniziato a pensare a me stesso principalmente come curatore—qualcuno che può interpretare ciò che un artista sta facendo e portare il processo creativo a fuoco più nitida. Gli artisti possono esistere perfettamente senza curatori, ma i curatori non possono esistere senza artisti. In un certo senso, mi sto comportando come farebbe un buon editore per uno scrittore. Ad ogni modo, sono un curatore molto migliore per aver trascorso del tempo a Montserrat. Alla BU ho capito il processo dentro e fuori, l’atto del disegno osservazionale e della pittura. A Montserrat ho avuto a che fare con video e installazioni, e artisti che hanno lavorato in modi che non ho mai avuto alcuna aspettativa nel pensare. Montserrat divenne la mia scuola di specializzazione per gli studi curatoriali, e sarei rimasto se non fossi diventato direttore di questo museo.
Parlaci del Danforth.
Qui ho trovato una casa naturale in un museo comunitario che non è in alcun modo elitario. Il mio amico John Stomberg (ora direttore associato del Williams College Art Museum) mi ha avvertito che questo potrebbe essere il lavoro di una vita. Questo si è rivelato vero. L’istituzione durerà oltre il mio mandato, e trovo vera soddisfazione nel sapere che ho contribuito a creare un luogo per gli artisti di esistere.
Hai lavorato sodo al Danforth. Cosa c’è all’orizzonte?
Lavoro sodo, ma questo è più importante di me. Una persona non può farlo da sola. Come attivista della comunità, ottengo la gente entusiasta di un artista come Joan Snyder e creare un luogo per il suo spettacolo per accadere. Riparero ‘ il tetto che perde. Assumo abbastanza personale per i programmi educativi. Non nego che sto spingendo le cose. Alcuni membri del mio staff si chiedono quando questo si fermerà. Tuttavia, il museo non può continuare ad esistere a meno che questo edificio non ottenga attenzione, e sono determinato a risolvere i nostri problemi di strutture. Quando mi chiedi se potrei considerare di andare altrove, non lo vedo. Non ho alcun gusto per andare da qualche parte che non ha problemi da risolvere. Non sarebbe cosi ‘ interessante.
Cosa rende il Danforth diverso dagli altri musei?
Questo museo ha abbracciato l’arte regionale in un modo che ci rende unici. Sono molto ispirato da andare in studio visite per vedere artisti situati nel New England, e sono convinto che alcuni dei migliori arte contemporanea viene fatto proprio nel nostro cortile—e appare nelle nostre mostre annuali Off the Wall. E abbiamo fornito una casa per l’espressionismo di Boston. Ho un serio interesse per gli artisti di Boston e l’approccio sapendo cosa vuol dire essere stato un pittore. Ma non c’è solo una storia, ci sono molti. Nel tempo rimanente, spero di scrivere un libro che racconterebbe alcune
di quelle storie dietro l’espressionismo di Boston. Mi piacerebbe scrivere quel libro.
Lois Tarlow è un’artista, scrittrice, insegnante e birdwatcher.
