ミルナー-フラー著。 ブログに投稿
あなたの好きなジャズピアニストは誰ですか？
あなたの好きな古典的な作曲家は誰ですか？
これらは、音楽愛好家の間で最も一般的に尋ねられている質問です。 あまり頻繁に質問が逆転することはありません。 どうして？ ジャズは演奏家に焦点を当てたジャンルですが、クラシックは作曲家を重視しています。
ジャズピアニストにとって、作曲と演奏は同じものです。 作曲家/ミュージシャンのギュンター-シュラーはかつて”即興はジャズの心と魂である”と書いており、デイビッド-ベイカーは即興はジャズ教育の礎石でなければならないと主張していた。 すべての音符を書き留めておくのではなく、ジャズの演奏者はしばしばメロディーとハーモニーの広い輪郭を提供するリードシートを使用します。 それはギャップを埋めるためにパフォーマー次第です。 使い慣れた標準は、ページ上で次のようになります:
リードシートは、ジャズミュージシャンに多大な自由を与えます。 あなたはメロディーといくつかの和音を取得し、残りはミュージシャン次第です。
2015American Pianists Awards受賞者Sullivan Fortner
サイ-ウォルター
これとは対照的に、アントン-ウェーベルンのOp.12からの歌（”Schien mir’s,als ich sah die Sonne”）は非常に詳細な執筆である。
ウェーベルンの曲では、すべての単一のノートには、追加のマーキングのいくつかの種類があります。 作曲家は、すべてのピッチ、リズム、ダイナミック、テンポ、アーティキュレーション、フレージングの制御を取っている。 彼は偶然にほとんど何も残しません（一度にすべての詳細を実現するために、おそらくミュージシャンの能力を除いて）。 ウェーベルンの例は極端ですが、一般的に言えば、古典的な表記法はジャズよりもはるかに詳細です。
ジャズ演奏家の役割は、常に可能な限り創造的かつ個別に音楽を実現することでした。 演奏家はジャズミュージシャンの世代を通して受け継がれてきた伝統を描くが、二人のジャズ演奏家（彼らが何か良いものであれば）は同じように曲を演奏することはない。 実際には、ジャズのパフォーマンスに即興的な側面を考えると、めったに同じアーティストによる同じ作品の二つの公演は全く同じ音になりません。
American Pianists Associationの友人であり、頻繁な審査員（ジャズとクラシックの両方）John Salmonは、”演奏される作品ではなくジャズ演奏者に焦点を当てる伝統は、ジャズの伝統全体 ジャズピアニストは、ピアニストが基本的にお互いに競争し、最も贅沢で名手のピアニストが夜の名誉を獲得する有名なハーレム-レンタルパーティーのように、常にお互いをしのぐようにしようとしていました。 妙技は、常にジャズのパフォーマーのコアにされています。 ジェームズ-P-ジョンソン、ファッツ-ウォーラー、アート-テイタム、チャーリー-パーカー、ジョン-コルトレーンには強大なチョップがあった。 確かに、物憂げで明らかに非名手のサクソフォーン奏者ポール-デズモンドと落ち着いた、叙情的なビリー-ホリデーを含む外れ値の例外がありました。 しかし、このような場合でも、ジャズスタンダード自体よりもジャズスタンダードをどのように解釈したかに焦点が当てられていました。”
古典的なパフォーマンスには多くの思想の学校があり、美学は時間の経過とともに大きく変化します。 文学の規範が確立された19世紀には、以前の時代の音楽がより一般的になり、当時の演奏者は古典に自分のスピンを置くことに問題はなく、しばしば印を無視したり、音符を変えたりすることさえあった。 グスタフ-マーラーは、ベートーヴェンの交響曲を含む作品を再編成し、19世紀初頭のオーケストラの限界に苦しんでいた領域を”修正”した。 マーラーは、これらの”修正”は作曲家の精神に沿っていたと主張するだろう—彼は単にスコアのレイヤーを引き出したいと思っていた。
20世紀初頭、指揮者アルトゥーロ-トスカニーニによって普及されたcome scritto（書かれたように）運動は、人気のある美学となった。 Sviatoslav Richterはこの技法をピアノに適用しました。 演奏への彼のアプローチについて、彼は書いた、”通訳は本当に執行者であり、手紙に作曲家の意図を実行しています。 彼はまだ仕事にないものは何も追加しません。 彼が才能があれば、彼はそれ自体が天才のものであり、それが彼に反映されている仕事の真実を垣間見ることができます。 彼は音楽を支配すべきではありませんが、それに溶解する必要があります。”
ここでは、バッハを演奏リヒターの例です:
トスカニーニとリヒターはテキストの解釈を具現化するだろうが（私たちはそれらを音楽のスカリアスと呼ぶかもしれない）、他の20世紀のミュージシャンは、19世紀のミュージシャンとは違って、より個人的な演奏方法に傾いていた。 指揮者ヴィルヘルム-フルトヴェングラーはこのスタイルを指揮者として具現化しており、テンポはメトロノームのマーキングによって規定されているものではなく、とりわけ調和によって影響を受けるべきであると考えているピアニスト/指揮者ダニエル-バレンボイムへの彼の影響を聞くことができる。 この伝統は、感情が独自のテンポを持っているように、彼らは唯一の最初の措置に”適用したことを彼自身のメトロノームのマーキングについて言ったベートーヴェン、にルーツを見つけることができます。”
ここはベートーヴェンを演奏するバレンボイムです:
20世紀後半には、歴史的に情報に基づいたパフォーマンス運動は、作曲時に鳴った音楽作品を再現しようとするために、時代のテキストや論文の研究に依存していた。 いくつかのパフォーマーは、物事が200年以上前に行われた方法の私たちの知識を適用することにより、特定の時代の音楽を行うことに特化しています。 ほとんどの楽器は、19世紀を通じて大幅に進化したので、いくつかの楽器メーカーは、その時代からの音楽を実行するために、以前の時代のスタイルで楽器を構築し始めました。
メルヴィン-タン（フォルテピアーノ）とロジャー-ノリントン（指揮者）がベートーヴェンの協奏曲をピリオド楽器で演奏した例を以下に示す。:
スタイルに関係なく、ほとんどの古典的なミュージシャンは、彼らが唯一の作曲家の意図を表現しようとしていることに同意するだろう,ない自分 クラシックピアニストは、共同制作者ではなくキュレーターとして自分自身を見ています。 ミュージシャンは、作曲家が話す容器になります。
ジャズピアニストを評価する仕事は、古典的なピアニストの仕事とはかなり異なっていると想像するかもしれません。 審査員は、彼らが共通しているものを教えてくれます,しかし,彼らは例外的な技術を持っている必要がありますということです,彼らは観客に接続す アメリカのピアニスト賞のファイナリストと受賞者は、一貫してこれらの資質を実証し、私たちのYouTubeチャンネルで目撃する多くの公演があります。 見てみましょうし、今日購読！
APA芸術管理者ミルナー-フラーによる記事ジョン-サーモンに特別な感謝を込めて。
