밀너 풀러 지음. 에 게시 됨 블로그
좋아하는 재즈 피아니스트는 누구입니까?
좋아하는 클래식 작곡가는 누구입니까?
이들은 음악 애호가들 사이에서 가장 일반적으로 묻는 질문입니다. 덜 자주 질문이 반전됩니다. 왜? 재즈는 연주자 중심의 장르 인 반면 클래식은 작곡가를 강조합니다.
재즈 피아니스트의 경우 작곡과 연주는 동일합니다. 작곡가/음악가 군터 슐러는 한때”즉흥 연주는 재즈의 마음과 영혼”이라고 썼고 데이비드 베이커는 즉흥 연주가 재즈 교육의 초석이되어야한다고 주장 할 것입니다. 재즈의 즉흥적인 뿌리는 몇 조각이 표기되는 까안에 발견될 수 있는다:오히려 각 주를 적어 달라고 하십시요,재즈 연주자는 수시로 하모니의 멜로디 그리고 넓은 개략을 제안하는 지도 장을 이용한다. 그것은 격차를 채우기 위해 수행자까지 이다. 친숙한 표준은 페이지에서 다음과 같이 보일 수 있습니다:
리드 시트는 재즈 뮤지션에게 많은 자유를 제공합니다. 당신은 멜로디와 일부 코드를 얻을,나머지는 음악가에 달려있다. 이 콜 포터 클래식의 두 가지 해석은 다음과 같습니다:
2015 미국 피아니스트 상 수상자 설리반 포트너
월터
12,(“쉬엔 미르의,루게릭 병 무형 문화 유산 사 손느 다이”).
공지 사항 베베른의 노래에서 모든 단일 음표에는 어떤 종류의 추가 표시가 있습니다. 작곡가는 모든 피치,리듬,다이나믹,템포,조음 및 표현을 제어했습니다. 그는(한 번에 모든 세부 사항을 실현하는 아마도 음악가의 능력을 제외하고)기회에 거의 아무것도 남기지 않습니다. 베베른 예는 극단적이지만 일반적으로 클래식 표기법은 재즈보다 훨씬 자세합니다.
재즈 연주자의 역할은 언제나 가능한 한 창의적이고 개별적으로 음악을 실현하는 것이었다. 연주자는 재즈 뮤지션의 세대를 통해 계승 된 전통에 그리는 동안,아니 두 재즈 연주자(그들은 어떤 좋은 경우)조각 같은 방식으로 수행 됩니다. 사실,재즈 공연에 즉흥적 인 측면을 감안할 때,같은 아티스트의 같은 작품의 두 공연이 정확히 같은 소리를내는 경우는 거의 없습니다.
미국 피아니스트 협회 친구이자 자주 심사 위원(재즈와 클래식 모두)존 살먼은”수행되는 작업보다는 재즈 연주자에 초점을 맞추는 전통은 전체 재즈 전통의 핵심이며 시작에 있습니다. 재즈 피아니스트는 항상 서로를 능가하려고했다,피아니스트는 기본적으로 서로 경쟁 할 때 유명한 할렘 임대 파티에서와 같이 가장 사치스러운 거장 피아니스트는 밤의 명예를 이길 것. 기교는 항상 재즈 연주자의 핵심이었다. 존슨,지방 월러,아트 테이텀,찰리 파커와 존 콜트레인은 마이티 갈비 있었다. 사실,그리워하고 확실히 비 거장 색소폰 연주자 폴 데스몬드와 정복되고 서정적 인 빌리 홀리데이를 포함하여 이상치 예외가있었습니다. 그러나 이러한 경우에도 초점은 필연적으로 재즈 표준 자체보다 재즈 표준을 거의 해석하는 방법에 중점을 두었습니다.”
고전 공연에는 많은 사상 학교가 있으며 미학은 시간이 지남에 따라 상당히 변합니다. 문학의 정경이 설립되었을 때 이전 시대의 음악은 19 세기에 더 인기가되었고,당시 공연자들은 종종 표시를 무시하고 심지어 메모를 변경,고전에 자신의 스핀을 넣어 아무 문제가 없었다. 구스타프 말러는 베토벤의 교향곡을 포함한 작품을 재배치하여 19 세기 초 오케스트라의 한계로 고통받는 영역을”수정”했습니다. 말러는 이러한”수정”작곡가의 정신을 유지하는 것을 주장 할 것이다-그는 단순히 점수에 레이어를 가지고 싶었다.
20 세기 초,지휘자 아르투로 토스카니니에 의해 대중화 된 서기(서면)운동은 대중적인 미학이되었습니다. 스 비아 토 슬라브 리히터 이 기술을 피아노에 적용 할 것입니다. 공연에 대한 그의 접근 방식에서 그는”통역사는 작곡가의 의도를 편지에 전달하는 정말 집행자입니다. 그는 이미 작업에없는 것을 추가하지 않습니다. 그가 재능이 있다면,그는 그 자체로 천재의 일이며 그 안에 반영된 일의 진실을 엿볼 수있게 해줍니다. 그는 음악을 지배해서는 안,하지만 그것으로 용해한다.”
여기 리히터 연주 바흐의 예입니다:
토스카니니와 리히터는 텍스트 해석을 구현하지만(우리는 이것을 음악의 스칼리아라고 부를 수도 있습니다),다른 20 세기 음악가들은 19 세기의 음악가들과 달리 좀 더 개별적인 연주 방식을 지향했습니다. 지휘자 빌헬름 퍼트 프트 프트 프트 프트 프트 프트 글러는이 스타일을 지휘자로 요약했으며,피아니스트/지휘자 다니엘 바렌보임에 대한 그의 영향력을들을 수 있습니다.이 사람은 메트로놈 마킹에 의해 규정되는 것과는 거리가 먼 템포가 무엇보다도 하모니에 의해 영향을 받아야한다고 믿습니다. 이 전통은 베토벤의 뿌리를 찾을 수 있습니다,누가 그들은 단지 첫 번째 조치에”적용 자신의 메트로놈 표시에 대해 말했다,느낌은 자신의 템포를 가지고로.”
여기 베토벤을 연주하는 바렌보임이 있다.:
나중에 20 세기에,역사적으로 정보를 성능 운동은 작곡의 시간에 소리로 음악 작품을 다시 시도 기간 텍스트와 논문의 연구에 의존 할 것이다. 일부 공연자들은 200 년 전에 상황이 어떻게 수행되었는지에 대한 지식을 적용하여 특정 시대의 음악을 전문으로합니다. 대부분의 악기는 19 세기에 걸쳐 크게 진화했기 때문에 일부 악기 제작자는 그 시대의 음악을 연주하기 위해 이전 시대의 스타일로 악기를 만들기 시작했습니다.
멜빈 탄(포르테피아노)과 로저 노링턴(지휘자)이 베토벤 협주곡을 연주한 예이다:
스타일에 관계없이 대부분의 클래식 음악가들은 자신의 것이 아니라 작곡가의 의도를 표현하려고한다는 데 동의 할 것입니다. 클래식 피아니스트는 자신을 공동 제작자가 아닌 큐레이터로 더 많이 봅니다. 음악가는 작곡가가 말하는 그릇이 된다.
상상할 수 있듯이 재즈 피아니스트를 평가하는 작업은 클래식 피아니스트의 작업과 상당히 다릅니다. 심사 위원은 공통점이 무엇을 말할 것이다,그래도,그들은 뛰어난 기술을 가지고 있어야한다는 것입니다,그들은 관객에 연결할 수 있어야합니다. 미국 피아니스트 상 최종 후보와 수상자는 지속적으로 이러한 자질을 보여,우리의 유튜브 채널에서 목격 할 수있는 많은 공연이있다. 봐,오늘 구독!
존 새먼에게 특별한 감사와 함께 예술 관리자 밀너 풀러에 의해 기사.
