de afgelopen vijf jaar was Katherine French een leider in de New England art community in haar rol als directeur van het Danforth Museum of Art in Framingham, Massachusetts. Daar heeft ze talrijke tentoonstellingen samengesteld, waaronder die over het Boston Expressionisme. In 2007 ontving ze een prijs voor curatorial excellence van de New England chapter van de International Association of Art Critics. In 2010, Ze werd uitgeroepen tot beste Curator van lokaal gemaakte kunst op de New England Art Awards en erkend als een Distinguished Alumna door Boston University. Onder haar leiding, Het Danforth Museum of Art is uitgeroepen tot een uitstekende culturele organisatie door de Massachusetts Arts Education Collaborative.
om deze en meer redenen koos ik ervoor om Frans te interviewen. Vooral wilde ik leren hoe ze de middelen en toewijding verwierf om een ho-hum museum te transformeren in een levendige, responsieve kunstervaring.
LOIS TARLOW: waar komt u vandaan?
KATHERINE FRENCH: Ik kom uit een lange lijn van working class Vermonters. Als kind maakte kunst geen deel uit van mijn leven. Ik heb geen musea bezocht, maar de schoonheid van het New England Gebied, vooral in de buurt van Lake Willoughby, in het noordoosten Koninkrijk van Vermont, waar mijn ouders nu wonen. Dit beïnvloedt zeker mijn visie op de wereld en mijn manier van observeren van natuur en landschap.
vertel ons over uw opleiding.
ik studeerde af aan de Universiteit van New Hampshire in 1975 als onderdeel van de eerste BFA-klas. Ik studeerde bij Sigmund Abeles, John Hatch en Conley Harris. Behalve Hatch, gaven ze allemaal les aan de Universiteit van Boston en benaderden kunst met een sterke interesse in beeldvorming. Hatch had tijdens de Tweede Wereldoorlog in de Pacific campagne gediend als kaart topograaf en gebruikte Nicolaïdes’ methode van contourtekening om hand-oogcoördinatie te onderwijzen. “Het is niet tekenen dat je leert, “zei hij,” het is zien.”Het was in zijn klas dat ik leerde om visueel te denken, om mijn gezichtslijn te vertalen naar de pagina. Ik herinner me dat ik dacht tijdens het tekenen, mijn hemel! Ik ben in staat om mijn visie vast te leggen, om neer te leggen wat ik zie. Voor mij was dit net zo fundamenteel als leren lezen en schrijven.
kunt u dit uitleggen?
in onze cultuur accepteren we dat de meeste volwassenen tekenen op een tweede of derde klas niveau, stoppen ongeveer de leeftijd wanneer lezen het overneemt. Als ze beginnen te worstelen met tekenen—precies op het moment dat ze dingen echt willen laten lijken—helpen we ze niet over de bult. Weinig kinderen lezen zonder te leren lezen, en sommigen worstelen ermee. Wat als we tegen hen zeggen dat we je niet zullen leren lezen, want je wordt geen schrijver. Maar we doen precies dit als het gaat om tekenen. In plaats van te zeggen, dat is oké, maak je geen zorgen over tekenen—je wordt geen artiest—moeten we erkennen dat tekenen een belangrijk instrument kan zijn om ervaring op te nemen. De wereld zou zeker verrijkt zijn als iedereen visueel kon communiceren.
wat deed u na het afstuderen?
ik ging naar New York om kunstenaar te worden, maar kreeg een baan bij de Frick Collection, waar ik studiefoto ‘ s voor kunsthistorici catalogiseerde—mannelijk of vrouwelijk Portret, hoofd naar links of rechts, hoofd met handen, hoofd zonder handen. Elke ochtend nam ik de trein van Bedford Stuyvesant naar Manhattan, dat was alsof ik naar een ander land reisde. Ik bezocht musea en herinner me Mark Rothko in het Guggenheim en Louise Bourgeois in MoMA. Ik zag Robert Wilson ‘ s Einstein op het strand in Lincoln Center en Spaulding Gray op Broadway – beide visuele ervaringen. Ann Sutherland en Linda Nochlin, die net hun baanbrekende show over vrouwelijke kunstenaars en feministische schilders hadden gepresenteerd, kregen erkenning. In de jaren zeventig namen mensen representatie opnieuw serieus, mede vanwege de Revolutietijdenshow die een verband legde tussen de Franse geschiedenisschilderkunst en het verhaal. Ik zag werk van artiesten als Fairfield Porter en Louisa Matthíasdóttir, maar ook meer politiek georiënteerd werk van Nancy Spero en Leon Golub.
klinkt alsof New York een goede ervaring was.
als je op het platteland opgroeit, denk je dat het leven elders plaatsvindt. Ik verhuisde naar New York omdat ik voelde dat het de plek was waar echte dingen gebeurden. Terugkijkend, Weet ik dat er echte dingen gebeurd zijn waar ik ook ging. Maar ik waardeerde mijn tijd in New York-de pure intensiteit ervan.
vertel ons over de verhuizing naar Boston in 1977.
het was als thuiskomen. Ik begon te werken als een slide bibliothecaris in de School Of Fine Arts van Boston University, en ik was een vlieg op de muur toen de faculteit ad hoc vergaderingen had in de bibliotheek. Aan mijn bureau hoorde ik geweldige gesprekken tussen Philip Guston, Joe Ablow, of David Aronson. Arthur Polonsky, Jim Weeks en John Wilson vertelden me over kunst. Ze vroegen allemaal om specifieke dia ‘ s voor hun lessen. Soms hebben we de neiging om kunstenaars uit deze groep samen te voegen. De tweede generatie Boston expressionisten waren vaak radicaal verschillend van elkaar. Ik voelde me bevoorrecht om voor hen te werken. Toen ik ze Beckmann hoorde bespreken, was het alsof ik een senior les in twintigste-eeuwse kunst nam.
wat deed u nog meer bij BU?
dankzij de remissie van het collegegeld heb ik twee masterprogramma ‘ s afgerond op BU, eerst in creative writing (werken met Leslie Epstein, John Irving en Richard Yates) en later in studio arts education (werken met Jan Olson). Deze volgden natuurlijk uit mijn studie aan UNH, waar ik een dubbele graad in kunst en Engels had behaald. Door schilderen en creatief schrijven te bestuderen, zocht ik in twee verschillende gebieden naar dezelfde plek. Ik was geïnteresseerd in complexe, representatieve verhalen vertellen, in de mogelijkheid om een hele wereld te creëren binnen een schilderij of een roman. Hoewel ik geen schilder, romanschrijver of zelfs geen leraar ben geworden, is mijn beeldende en taalkunstenopleiding belangrijk voor mij. Ik gebruik het dagelijks. Ik ben geen kunstmaker, maar een tolk. Ik creëer situaties voor kunst om te bloeien.
u woonde niet altijd in Boston. Je bent in Europa geweest.
een tijdje werkte ik in Londen aan een job exchange met een slide bibliothecaris bij North East London Polytechnic. Een heel jaar lang woonde ik in haar flat in Hackney en deed ik haar werk. Ze woonde in mijn appartement in Cambridge en deed mijn werk. Ik maakte prachtige vrienden-kunstenaars, zilversmeden, muziekinstrumentenmakers—en ervoer hoe het was om buiten de eigen cultuur te leven. Dit maakte het voor mij mogelijk om mijn eigen persoon te worden, om een autoriteit voor mezelf te zijn. Daar ontmoette ik ook mijn man, een conservator van antieke muziekinstrumenten die zijn bedrijf naar Boston verhuisde nadat we getrouwd waren. Ik bleef werken bij BU, zelfs na de geboorte van mijn twee dochters. Ik weet dat veel vrouwen vinden dat kinderen hun vooruitgang in de kunst belemmeren. Mijn kinderen hielpen me begrijpen hoe ik moest zien. Kinderen krabbelen of tekenen op het moment dat ze een object oppakken—zelfs daarvoor. Een baby die met zijn armen zwaait of in de lucht slaat, maakt een stempel op de wereld—het is echt vroege performance art.
was dit toen u geïnteresseerd raakte in onderwijs?
Ja, ik begon met het volgen van graduate cursussen in het kunstonderwijs programma aan de BU en vrijwilligerswerk om kunstlessen te geven aan mijn children ‘ s school (een tweetalig Haïtiaans-Creools programma in Cambridge) of in de zomer community art klassen in Noord-Vermont. Toen, in de vroege jaren ’90, kreeg ik de taak om de Sherman en 808 galeries op BU te leiden en begon ik alumni shows te cureren. Ik begon te doen meer professionele shows, een Neil Welliver survey of de Boston Printmakers Biënnale. Ik werd naar het Smithsonian gestuurd voor een intensieve workshop en begon mezelf te zien als een museumprofessional. In plaats van fictie te schrijven, schreef ik curatoriale essays over kunstenaars en hun werk.
rond deze tijd verliet u BU en ging naar Montserrat.
Ja, Ik nam in 2002 een baan aan als galeriedirecteur aan het Montserrat College Of Art en begon mezelf vooral te zien als een curator—iemand die kan interpreteren wat een kunstenaar doet en het creatieve proces scherper in beeld brengt. Kunstenaars kunnen prima bestaan zonder curatoren, maar curatoren kunnen niet bestaan zonder kunstenaars. Op een bepaalde manier gedraag ik me zoals een goede redacteur zou doen voor een schrijver. Hoe dan ook, ik ben een veel betere curator omdat ik tijd heb doorgebracht in Montserrat. Bij BU begreep ik het proces van binnen en van buiten, de handeling van observationeel tekenen en schilderen. Bij Montserrat had ik te maken met video en installatie, en kunstenaars die werkten op manieren waar ik nooit aan had gedacht. Montserrat werd mijn graduate school voor curatoriale studies, en ik zou zijn gebleven als ik niet directeur van dit museum was geworden.
vertel ons over de Danforth.
hier heb ik een natuurlijk huis gevonden in een gemeenschapsmuseum dat op geen enkele manier elite is. Mijn vriend John Stomberg (nu associate director van het Williams College Art Museum) waarschuwde me dat dit de baan van je leven zou kunnen zijn. Dat blijkt waar te zijn. De instelling zal langer duren dan mijn ambtstermijn, en ik vind echte voldoening in de wetenschap dat ik heb geholpen een plek te creëren voor kunstenaars om te bestaan.
u hebt hard gewerkt bij het Danforth. Wat is het volgende aan de horizon?
ik werk hard, maar dit is belangrijker dan alleen ik. Eén persoon kan het niet alleen. Als gemeenschapsactivist maak ik mensen enthousiast over een artiest als Joan Snyder en creëer ik een plek voor haar show. Ik laat het lekkende dak repareren. Ik huur genoeg personeel in voor onderwijsprogramma ‘ s. Ik ontken niet dat ik te ver ga. Sommige leden van mijn staf vragen zich af wanneer dit zal stoppen. Echter, het museum kan niet blijven bestaan tenzij dit gebouw aandacht krijgt, en ik ben vastbesloten om onze faciliteiten problemen op te lossen. Als je vraagt of ik ergens anders heen wil, zie ik het gewoon niet. Ik heb geen zin om ergens heen te gaan waar geen problemen op te lossen zijn. Het zou gewoon niet zo interessant zijn.
Wat onderscheidt Danforth van andere musea?
dit museum heeft regionale kunst omarmd op een manier die ons uniek maakt. Ik ben erg geïnspireerd door het bezoeken van studio ‘ s aan kunstenaars in New England, en ik ben ervan overtuigd dat sommige van de beste hedendaagse kunst wordt recht gemaakt in onze eigen achtertuin—en verschijnt in onze jaarlijkse Off the Wall tentoonstellingen. En we hebben een thuis voor Boston Expressionisme. Ik heb een serieuze interesse in Boston kunstenaars en benader het wetende hoe het is om een schilder te zijn geweest. Maar er is niet één verhaal, er zijn er veel. In de resterende tijd, hoop ik een boek te schrijven dat een aantal
van die verhalen achter Boston Expressionisme zou vertellen. Ik zou graag dat boek schrijven.Lois Tarlow is een kunstenaar, schrijver, leraar en Vogelaar.
