uma montagem rápida e densa Eisensteiniana de motociclistas e traficantes de couro, acidentes rodoviários, Estrelas de Hollywood, histórias em quadrinhos, ícones cristãos, imagens nazistas e uma orgia simulada, Kenneth Anger’s Scorpio Rising (exibido no The Walker esta semana) é uma das obras-primas mais vistas e influentes do cinema americano. Anger completou o filme no final de 1963, apenas algumas semanas antes do assassinato de Kennedy. Mais tarde, ele resumiria Scorpio Rising como” um espelho da morte sustentado pela cultura americana”, e como a sociedade parecia se desenrolar nos anos que se seguiram, o público se reuniu para olhar para o espelho mórbido de Anger.
na década de 1960, Anger foi um dos vários cineastas de vanguarda que receberam atenção nacional como parte do fascínio mainstream com “The underground” e todas as coisas contra-culturais. Scorpio Rising atraiu atenção especial depois que um gerente de teatro de Los Angeles foi considerado culpado de obscenidade em 1964 por exibir o filme de Anger, que inclui breves flashes de nudez e homoerotismo descarado. A decisão foi posteriormente anulada e, em 1966, a Variety relatou que as exibições do filme no Bleecker Street Cinema em Greenwich Village (em uma conta dupla com Jonas Mekasde The Brig) “começaram a acumular mais dinheiro do que os proprietários já viram”, encorajando um lançamento nacional subsequente. Neste mesmo ano, Escorpião subindo sem álcool pela primeira vez no Walker, como parte do que parece ter sido a primeira série do Museu dedicada ao filme experimental Americano; atípico das exibições de filmes do Walker na época, o show foi anunciado como “não adequado para crianças. Em outros lugares em todo o país, os donos de teatro astutos promoveram o trabalho de Anger como um filme de exploração de motociclistas e/ou pornografia “masculina”, e rumores de que piratas em preto e branco de 16 mm de Scorpio Rising circularam em bares gays da Costa Oeste da época. A notoriedade hip do filme foi tal que um perfil do New York Times de 1967 intitulado “From Underground: Kenneth Anger Rising” até atribuiu a tendência da moda para jaquetas de couro e equipamentos de motoqueiro ao sucesso de Scorpio Rising. A estreia do filme “atraiu uma multidão que incluía psicanalistas, artistas e críticos de arte, e uma representação do que a imaginação inflamada dos editorialistas de revistas de notícias vê como ‘a máfia homossexual’ de cabeleireiros, estilistas e decoradores”, afirmou O Times. “Quase da noite para o dia, vitrines de elegantes boutiques de uptown tinham correntes de motocicleta perversas jogadas sobre sofás de veludo de pelúcia, e modelos em vestidos de alta costura, posicionados entre o guidão de motocicletas… couro e óculos de proteção tornaram-se equipamentos padrão para ambos os sexos para fazer as galerias no upper East Side, bem como os bares no Lower West.”
Um dos groovy críticos de arte Vezes visto em Scorpio Rising de estreia, pode muito bem ter sido Gregory Battcock, que discutiu o filme de 1967 ensaio sobre “Novas Experiências em Cinema,” chamando-o de “talvez o mais famoso” experimental título do seu dia e um “apt contribuição para a compreensão do filme e o ‘pop’ da imagem.”De fato, as imagens de Scorpio Rising de James Dean e Lil’ Abner funnies não estariam fora de lugar nas pinturas Pop da época, mas os artefatos mais proeminentes da cultura comercial usados no filme são as gravações de agulha de rock and roll 45s do que a raiva empregada como trilha sonora de Scorpio Rising. No filme, Anger usa treze canções-um número apropriadamente oculto para um seguidor professado de Aleister Crowley—descontraído ao longo de seus 26 minutos. Nenhuma das músicas teria sido Obscura para o público americano da época: todos colocados altamente nas paradas da Billboard, com 10 títulos classificados como os cinco primeiros singles. “Foi a música pop que estava tocando no verão de 1963, quando eu estava filmando”, explicou Anger ao estudioso Scott MacDonald em 2004. A formação inclui três grupos femininos (The Angels, Martha and The Vandellas e The Crystals) e três ídolos adolescentes (Ricky Nelson, Bobby Vinton, Elvis Presley), oito canções de artistas brancos e cinco de artistas afro-americanos. A mistura agora captura o espírito do rock and roll no final de sua primeira década, quando a estética “Wall Of Sound” de Phil Spector dominou o rádio, pouco antes da Invasão Britânica chegar para reorganizar a paisagem musical.
Enquanto o rock and roll foi utilizado nos filmes, tanto para trás como Blackboard Jungle (1955), que contou com Bill Haley e os Cometas’ “Rock around the Clock” sobre os seus créditos de abertura, para adicionar um ar de delinquência juvenil, Scorpio Rising foi o primeiro filme a usar a música pop avançado para efeito artístico, em vez de mera juventude recurso, mostrando a sua emocional poderes através de enigmaticamente contraponto edição. Como observa Carel Rowe, as músicas “servem não apenas como meio de organização, mas também como uma narrativa irônica.”A longa influência de Scorpio Rising pode ser vista e ouvida na trilha sonora de rock de Easy Rider (1969), o uso pontudo da música pop nos filmes de Martin Scorsese (que cita ver Scorpio subindo na faculdade como um evento formativo) e o design quase narrativo do videoclipe. O próprio Anger continuou a empregar música pop e seus artistas: as assombrosas peças “Dream Lover” das Irmãs de Paris sobre Kustom Kar Kommandos (1965); Moog noodlings de Mick Jagger fornecem o ruído de fundo para invocação de meu irmão demônio (1969); e Anger contratou Jimmy Page para criar uma trilha sonora para Lucifer Rising( 1980), posteriormente substituindo-a por uma composição de rock progressivo dirigida por guitarra pelo Membro da Família Manson preso Bobby Beausoleil.A técnica de Anger de emparelhar som e imagem foi atribuída tanto à teoria de Eisenstein de edição “cromofônica” quanto à teoria de Crowley de “correspondências” ocultas entre elementos díspares (sendo este último mais explorado nos escritos de Rowe sobre raiva). Para a raiva, magia e cinema são a mesma arte – “fazer um filme é como lançar um feitiço”, disse ele ao Times em 1967—e a música tem um papel especial a desempenhar. “Ele pode ser concedida em qualquer caso, que as cadeias longas de formidáveis palavras que rugem, e gemer por tantos conjurações ter um efeito real em exaltar a consciência do mago para o bom arremesso,” Crowley escreveu em Magick em Teoria e Prática (1929), “que eles devem fazer isso não é mais extraordinário do que a música de qualquer tipo, devem fazê-lo.”Anger inclui esta citação em suas notas para Scorpio Rising, publicado em 1966. Também podemos considerar uma influência tecnológica. Como observou o historiador de cinema Juan A. Suárez, Anger cita uma inspiração para a trilha sonora de Scorpio Rising como uma visita a Coney Island em 1962, onde encontrou pela primeira vez Adolescentes tocando música pop na praia de pequenos rádios transistores. A música portátil adicionou uma trilha sonora ao mundo, tornando a vida cotidiana muito mais parecida com os filmes. Ao mesmo tempo, a ascensão do single de 45 rpm permitiu que a mesma música fosse tocada repetidamente, suas letras afundando na alma de um adolescente solitário.
o que se segue são anotações para cada música usada em Scorpio Rising, listadas em ordem de inclusão. Eles são escritos após semanas de escuta repetida.
1. “Fools Rush In (Where Angels Fear to Tread)” (tradução), 1963
quando Ricky Nelson lançou essa música, ele já era conhecido pelo público americano como uma das estrelas da sitcom As Aventuras de Ozzie e Harriet, que começou no rádio e depois correu na televisão do início dos anos 50 a 1966. Sua carreira musical começou com um cover de 1957 de Fats Domino’s “i’m Walking”, feito quando ele tinha 16 anos. Como muitas canções pop do período,” Fools Rush In ” também é um cover, escrito em 1940 e gravado por Frank Sinatra, Glenn Miller e vários outros: apenas uma semana depois que a versão rockabilly de Nelson atingiu as ondas de rádio, Lesley Gore lançou sua própria tomada flexionada por bossanova.Como todas as músicas apresentadas em Scorpio Rising save the last, “Fools Rush In” é uma canção de amor. O som suave da voz de Nelson e sua instrumentação twangy atendente toca ao abrir fotos de peças de motocicletas, Botas e correntes dispostas em um piso de garagem Sujo; a voz do garoto suburbano de classe média, de corte limpo e final da América, curiosamente se choca contra imagens de um meio urbano da classe trabalhadora. Mas à medida que a música chega à conclusão, Anger adiciona os rugidos de um motor de motocicleta sobre as palavras de Nelson; um ícone de Escorpião entra e sai rapidamente, como uma transição de um antigo Flash Gordon serial, e vemos o título do filme escrito em pregos de prata na parte de trás de uma jaqueta de couro. O homem vestindo a jaqueta se vira e nós testemunhamos seu peito nu, com as extremidades do cinto da jaqueta batendo falicamente em sua cintura. “Abra seu coração”, implora Nelson,” e deixe esse tolo entrar”, enquanto a figura caminha em direção à câmera, a carne de seu estômago Peludo vindo para encontrar a lente. As letras de Nelson são assim intensificadas: a mera urgência romântica se torna uma base, desespero sexual.O signo astrológico de Escorpião, governado pelo planeta Marte, tem sido associado com virilidade sexual, excesso e violência. Por exemplo, Alan Leo, cujo trabalho forma a base da astrologia moderna, escreveu em 1899 que os indivíduos nascidos sob o signo ascendente de Escorpião são “ousados e guerreiros, inclinados a correr em brigas” e propensos a “muitos casos secretos de amor.”A raiva afirmou que seu próprio signo astrológico é Aquário com Escorpião subindo. Pode-se imaginar que não apenas sexo e violência, mas a morte, também, se arrasta em “tolos correm”, através da figura de Nelson, que cresceu, aos olhos do público, de um menino para um adolescente para um homem. Anger também afirma ter sido um ator infantil (muitas vezes afirmando que ele apareceu aos oito anos como o Príncipe Changeling em Max Reinhardt e William Dieterlede sonho de uma noite de Verão ) e completou seu primeiro filme existente, fogos de artifício (1947), aos 20 anos. O envelhecimento das celebridades leva à contemplação de nossa própria mortalidade: uma lembrança inadvertida de mori se desenrola no rosto de cada estrela. Em 1963, a raiva, outrora um enfant terrível, era agora um homem de 36 anos. Parece impossível que ele não teria considerado a passagem inexorável do tempo enquanto saía com toughs de rua uma geração mais jovem e adicionava músicas teenybopper às suas imagens.
2. “Boneca Wind-Up”, pequena Peggy March, 1963
um dos cortes mais obscuros e perturbadores em Scorpio Rising, “Wind-up Doll” foi lançado como um lado B do duradouro “I Will Follow Him” da Little Peggy March, que aparece mais tarde no filme. Estas são as únicas duas músicas do mesmo artista na trilha sonora, uma do outro lado. Na letra, cantada lamentavelmente em março, uma garota se compara a uma boneca Mecânica em uma metáfora estendida. “Me enrola eu realmente ando, me enrola eu realmente falo”, ela canta, ecoando a linguagem da publicidade, consigo mesma como mercadoria: “me enrola e eu vou direto para você.”Nada poderia estar mais longe do Espírito da proto-feminista de Lesley Gore “You Don’T Own Me”, lançado no mesmo ano. Aqui, a jovem anula seu próprio Ser Interior por causa do amor de um menino, prometendo se tornar um brinquedo para ele, um mero autômato que só pode responder às suas ações. “Você pode ver o que me faz funcionar, pequenas molas e engrenagens”, ela canta. “Eu posso te mostrar mais um truque: quebre meu coração, vou chorar lágrimas de verdade.”
A Voz De March toca em uma montagem de motociclistas que consertam motores de motocicletas intercalados com imagens de bicicletas de brinquedo enroladas. O som de um pequeno motor Mecânico sendo enrolado por uma chave—um pouco inteligente de instrumentação não tradicional usada na música—combina perfeitamente com fotos de um motociclista torcendo uma chave enquanto ele trabalha. Assim, surge uma correspondência entre a mulher, o brinquedo e a máquina, todos sujeitos à manipulação masculina. Motocicletas são apenas brinquedos de menino grande, objetos fetichistas que desempenham o papel do amado. “A máquina do poder vista como totem tribal”, Escreve Anger em suas notas para o filme, ” do brinquedo ao terror.”
3. “Meu namorado está de volta”, os anjos, 1963
o segmento definido para este clássico de grupo feminino começa e termina com um close-up de um esqueleto vestido com um manto roxo. Depois que a música começa, logo vemos que essa figura macabra decora parte de uma garagem, supervisionando um jovem de camiseta preta e jeans enquanto ele se mexe com uma motocicleta. A moto é uma malva incongruentemente feminina, repetindo a cor das vestes reais do esqueleto. O espectador é deixado para refletir se o” namorado ” do qual os anjos falam é o jovem, sua motocicleta ou, de fato, a própria morte. Este contexto aumenta a sensação de violência sexualizada na música, subjacente à sua escola-letras de provocação e contagem rítmica-rima batendo palmas: se alguém ouve atentamente a narrativa, é sobre uma garota dizendo a um de seus colegas de classe que seu namorado vai chutar a merda viva dele por espalhar rumores sobre ela. “Porque ele é meio que biiiig e aw-ful forte”, ela canta, desenhando as palavras com insinuações coquete.
4. “Veludo Azul”, Bobby Vinton, 1963
no Visionary Film, P. Adams Sitney relata uma anedota de raiva sobre como “Blue Velvet” de Vinton passou a ser usado em Scorpio Rising: “Anger certa vez descreveu sua descoberta da quarta música como um exemplo de ‘magick'”, escreve ele. “Ele disse que havia completado a seleção para todas as outras músicas e precisava de algo para acompanhar este episódio, no qual três ciclistas em locais diferentes se vestiam ritualmente em couro e correntes com a montagem continuamente pulando de um para o outro. A raiva ligou seu rádio e exerceu sua vontade. Saiu “She wore Blue velvet”, de Bobby Vinton, que quando se juntou ao episódio criou precisamente a ambiguidade sexual que a raiva queria nesta cena.”A ambigüidade sexual que Sitney descreve é produzida imediatamente pela primeira foto do segmento, na qual a câmera aumenta lentamente as pernas do jeans do motociclista, acomodando-se em sua cintura enquanto ele dobra sua mosca aberta sob um torso nu. Veludo azul torna-se um com denim azul; Vinton canta de seu vestido de cetim como vemos um jovem em uma jaqueta de couro. Nessas Letras, A roupa se torna um fetiche sexual e um gatilho para a memória de um amor perdido. “Ela usava veludo azul”, canta Vinton, colocando sua amada no passado, ” preciosa e calorosa, uma memória.”
5. “(Você é o Diabo Disfarçado,” Elvis Presley, 1963
Em, talvez, o mais tipicamente Pop segmento do filme, vemos um motociclista (chamado Escorpião Raiva de notas) descansando um bagunçado apartamento com dois gatos Siamese, suas paredes cobertas com pin-ups de James Dean como uma adolescente, do quarto, como ele fuma cigarros e lê o domingo de quadrinhos. Um painel de Dick Tracy revela uma pilha de caveiras e ossos; Lucy clobbers Charlie Brown. A raiva começa a interceptar Fotos Tiradas de uma tela de televisão de Marlon Brando em The Wild One (1953), na qual ele interpreta o líder de uma gangue de motocicletas. Os fãs de Dean E Elvis saberiam que ambas as estrelas eram famosas por amar Motocicletas; todos os três ídolos tinham, em vários pontos, rumores de que tinham inclinações homossexuais. Aqui, novamente, um endereço para uma amante parece mapear uma figura masculina. “Você parece um anjo, anda como um anjo, fala como um anjo”, canta Elvis. “Mas eu fiquei sábio. És o diabo disfarçado. Nas tradições ocultas, a invocação de anjos ou demônios fornece a fonte do poder de um mago e, neste caso, as duas forças do bem e do mal tornaram-se indistinguíveis.
6. “Hit the Road Jack” – Ray Charles, 1960
Anger emprega “Hit the Road Jack” de uma maneira relativamente inequívoca, jogando-o como Scorpio se veste e se prepara para deixar seu apartamento, com uma grande quantidade de rumores de motor colocados no topo. As imagens alternam rapidamente entre fotos de Escorpião vestindo uma pulseira de couro, imagens granuladas em estilo documentário de motociclistas andando pela Ilha Coney e mais imagens de Brando em sua motocicleta em The Wild One. Uma manchete de jornal diz “Cycle Hits Hole & Kills Two”, enquanto os cantores de Apoio de Charles cantam ” Hit the road Jack, and don’t you come back no more.”Escrevendo sobre essa cena, o crítico Parker Tyler observa que a jornada do “quarto do Menino De Couro … para a estrada aberta também é simbólica, pois, de acordo com Anger, envolve um desejo de morte—liberação final para o espaço infinito.”
7. “Onda de calor”, Martha e os Vandellas, 1963
até agora, as músicas falaram sobre desejo em termos de saudade, perda e rejeição. Mas neste episódio, A raiva muda de marcha, e somos jogados em uma celebração musical da euforia intoxicante do amor. Quando um backbeat pisoteando abre a música, Escorpião derruba o dedo em um frasco de pó branco e o levanta até a narina, cheirando um solavanco com um aceno rápido para trás. O filme mostra alguns quadros de vermelho puro, seguido por um rápido close-up de um ciclista de brinquedo com cabelos chocados emoldurando seu rosto de boneca Kewpie. “Sempre que estou com ele, algo dentro começa a queimar, e eu estou cheio de desejo”, Martha Reeves cintos para fora. “Poderia ser o diabo em mim, ou é assim que o amor deveria ser?”Anger adiciona um conjunto bizarro de sons animalescos aos vocais de Reeves, uma reminiscência da risada de uma hiena. Na “onda de calor”, as intensidades de varredura do prazer não podem ser distinguidas da dor. “Eu não sei o que fazer. A minha cabeça está embaçada. É como uma onda de calor, queimando no meu coração. Não consigo evitar de chorar. Está a despedaçar-me.Estudiosos e críticos descreveram de várias maneiras os insuflados de Escorpião em pó como cocaína ou metanfetamina; este último é mais provável, dada a relativa popularidade da droga na época. Em ambos os casos, esse momento serve como um prelúdio para as aventuras lisérgicas do trabalho posterior de Anger, no qual os efeitos de Narcóticos, arte e feitiçaria se tornam um.
8. “Ele é um rebelde”, os cristais, 1963
à medida que este hino produzido por Spector para bad boys se abre, seguimos uma visão de Nível de inicialização de Escorpião caminhando por um beco Sujo. “Veja como ele anda pela rua”, entoaram as meninas, funcionando como um coro grego por meio da Motown. Para esta raiva adiciona pedaços de cor Azul de uma imagem da Bíblia brega, muitas vezes citado como Family Film’s The Road to Jerusalem, que era provavelmente uma versão home-movie editada da série de televisão de 1952 the Living Bible. Tal como acontece com a descoberta mágica de “Blue Velvet” no rádio, Anger afirma que encontrou o rolo de 16 mm de estrada para Jerusalém sentado à sua porta um dia, erroneamente entregue a ele em vez de uma igreja próxima. Quando Jesus cura a visão de um cego, Escorpião, vestido de policial drag, deixa bilhetes falsos em motocicletas, e a raiva joga em um piscar de olhos-e-você-perderá-um tiro de um pênis emergindo de um par de jeans para um efeito totalmente Profano. O andar de Escorpião corresponde ao de Jesus caminhando pela Terra Santa com seus discípulos a reboque. Através desta montagem de som e imagem, o rebelde se funde com o Salvador, Escorpião com Cristo, o herói com o amante, o policial com o criminoso.
9. “Luzes de festa”, Claudine Clark, 1962
a exuberante “Party Lights” de Claudine Clark Abre o que a raiva apelidou de episódio “Walpurgis Night”, referindo-se à crença Folclórica de que, na última noite de abril, hordas de bruxas se reúnem para adorar seus deuses das trevas. As luzes de Natal brilham nos raios de uma motocicleta estacionada enquanto Clark e seus cantores de apoio testemunham: “Luzes de festa, vejo as luzes da festa. São vermelhos, azuis e verdes.”Uma gangue de jovens chega em vários trajes demoníacos de Halloween e estados de se despir. Um motociclista musculoso empurra a cabeça de um amigo em direção a sua virilha vestida de branco; outro passa no que parece ser uma roupa do Mickey Mouse. Mais imagens de Jesus e sua tripulação propõem paralelos blasfemos, mas também extraem as intimações espirituais da linguagem de revelação de Clark. Na literatura Teosófica, “Lúcifer “é imaginado como o” portador da luz”, uma etimologia que a raiva frequentemente citou; aqui, Lúcifer se funde com Jesus,” a luz do mundo ” (João 8:12).
o crítico Tony Rayns elogiou essa sequência por seu uso complexo de edição. “O ideal de Eisenstein … é surpreendentemente alcançado na sequência de ‘party lights'”, escreveu ele em 1969. “onde o arranjo duro e denso da música … é acompanhado por um espessamento nos termos de referência na montagem, enquanto ao mesmo tempo as letras se relacionam explicitamente com o desenvolvimento do filme de sua escala de cores … e produz filmes tão ricos em ressonância quanto qualquer coisa do próprio Eisenstein.”
10. “Tortura”, Kris Jensen, 1962
11. “Ponto SEM Retorno”, Gene McDaniels, 1962
“Torture ” e” Point Of No Return ” são duas canções amplamente esquecidas e as cartas mais baixas da Billboard do grupo. Kris Jensen nunca viu outro sucesso; Gene McDaniels mais tarde trabalharia principalmente como produtor e compositor formidável, mais notavelmente para Roberta Flack, inserindo Consciência Negra e ritmos de jazz no pop com músicas como “comparado ao que.”Aqui Jensen entoa” você está me torturando ” para um amante invisível à medida que atos mais literais de tormento estilo fraternidade aparecem: mostarda quente derramou precariamente perto da virilha de um homem enquanto seus amigos o lutavam no chão; uma foto subliminar de uma bunda nua marcada por abuso segue uma imagem de Escorpião apontando para baixo em sua bota, como se para comandar a obediência. A raiva adiciona os ruídos de homens gritando, Guinchos suínos e mais Motor ronca enquanto o filme segue para o número mais suave e otimista de McDaniel. Mas como vemos imagens de um comício de moto, pensamos em James Dean e sua morte em alta velocidade, e as letras de McDaniel assumem uma ironia sombria: “estou no ponto de não retorno e para mim não haverá volta.”
12. “Eu o Siga,” Pouco Peggy Março, 1963
Por agora, a Raiva, a montagem chega a um passo de febre: imagens de Hitler parecem com aqueles de Cristo, a Ira do suposto co-estrela de Mickey Rooney como Disco de Uma Noite de Noite Sonho, e Escorpião acenando com uma morte-cabeça do sinalizador e, em seguida, mijando em seu capacete em uma escura altar da igreja. Os sons de aviões, explosões e gritos se misturam com a voz de March enquanto ela canta sua adoração desesperada e abjeta a “ele.”O nazismo é equiparado ao cristianismo, e o rebelde é um ditador disfarçado. Nossa familiaridade com a música pop canônica de March evapora à medida que suas letras se revelam pelo que realmente são: um hino ao masoquismo e a completa dissolução do eu. Enquanto ela canta o clímax da música, cada palavra é alimentada pelo impulso brutal das cordas do violino. Ela grita essas palavras em grupos de três, como se convocasse “ele” por meio de um encantamento:
EU AMO ELE
EU AMO ELE
EU AMO ELE
E PARA ONDE ELE VAI
VOU SEGUIR
VOU SEGUIR
VOU SEGUIR
ELE VAI SER SEMPRE
O MEU VERDADEIRO AMOR
O MEU VERDADEIRO AMOR
o MEU VERDADEIRO AMOR
a PARTIR de AGORA ATÉ
SEMPRE
SEMPRE
SEMPRE
Desde pelo menos a sua 1964 obscenidade julgamento, Scorpio Rising tem sido interpretado de uma “anti-fascista” do filme. Rowe citou Anger dizendo: “Acho ridícula a ideia de alguém ser o líder” e, de fato, a filosofia Crowleyan endossa um individualismo radical. Mas se Scorpio Rising fornece uma crítica ao fascismo, ele só o faz evocando as intensidades perversas de seus prazeres, extraindo o apelo erótico de dominação e submissão.
13. “Wipe Out”, O Surfaris, 1963
Um breakout B-side Do Surfari agora-que não conhece o hit “Surfista Joe,” este estendida instrumental começa com um som falhando seguido por um longo, eco-câmaras stoner cacarejar que conduz a canção só palavras: “Hahahahahaha … wipe out.”Imagens noturnas de motociclistas que se preocupam pelas ruas do Brooklyn se transformam em uma tempestade de crânios, correntes, garotas go-go, cromo reluzente e uma sirene piscando, culminando na aparência de um motociclista propenso no chão, recebido pelos sons dos policiais que chegam. No braço do motociclista, mal poderíamos ler o slogan Beatnik de sua tatuagem: abençoado, abençoado esquecimento. Com a morte do motociclista, sua sujeição à máquina vai até o ponto de autodestruição.
“Wipe Out” é a única faixa em Scorpio Rising que não é uma canção de amor. Em vez disso, celebra o perigo de cortejo nas ondas do oceano. Mas também marca uma mudança radical na música americana e na cultura jovem que a apoiou. “Wipe Out” anuncia o fim da inocência tímida da música pop, anunciando o próximo reinado do rock de garagem movido a guitarra. Os ritmos gnarly de” Wipe Out ” levaria a outras formas de esquecimento—terrenos baldios Adolescentes grossos com névoa roxa—que por sua vez evoluiriam para o niilismo do heavy metal e do punk. Assim, o final de Scorpio Rising pode ser lido como anunciando a morte do pop americano ou evocando sua transformação oculta.Kenneth Anger’s Scorpio Rising screens No Walker 20 de agosto de 2015, como parte do cinema Pop Internacional.
