Música no palco
os eventos musicais do Kabuki podem ser divididos em atividades no palco (debayashi) e grupos fora do palco (geza). Em peças derivadas de dramas de fantoches, os músicos de gidayū, chamados aqui de chobo, são colocados em sua plataforma tradicional fora do palco à esquerda ou atrás de uma alcova com cortinas acima da saída do palco à esquerda. Se outros gêneros forem usados, os artistas são colocados sobre o palco de acordo com as necessidades de cenário da peça. Existem algumas peças em que vários tipos diferentes de Música no palco são necessários, uma situação chamada kake-ai. A cena de dança mais comum hoje, no entanto, é aquela em que o grupo no palco consiste em músicos de nagauta e Noh hayashi. Os samisen e cantores são colocados em um riser na parte de trás do palco, e os hayashi se sentam diante deles no nível do chão—assim, seu outro nome, shitakata, que significa “os abaixo.”
existem tantos tipos diferentes de danças que exigem diferentes tipos de música quanto na ópera chinesa ou ocidental. Em uma visão geral, talvez o lado mais intrigante dessa variedade seja a relação das partes mais antigas de bateria e flauta com as melodias vocais e samisen do período Tokugawa. Em peças totalmente no estilo Kabuki, os tambores tsuzumi tocam um estilo chamado chirikara após os mnemônicos com os quais a peça é aprendida. Os padrões desse estilo seguem de perto o ritmo da parte samisen. Se a flauta Noh também for usada, ela é restrita a sinais de cadência; se uma simples flauta de bambu (takebue ou shinobue) for substituída, ela reproduz uma versão ornamentada (ashirai) da melodia. Existem muitas seções, no entanto, nas quais os padrões de bateria e as melodias de flauta Noh discutidas anteriormente são combinados com melodias samisen. Em um repertório clássico de centenas de set pieces, existem várias combinações diferentes, mas para muitos ouvintes essas situações parecem bastante intrigantes na primeira audição, com aparentemente dois tipos de música acontecendo ao mesmo tempo. Se a situação é de uma peça derivada de um antigo drama Noh e usa o hayashi completo, um ouvinte percebe primeiro que a flauta não está na mesma tonalidade que o samisen, nem está tocando a mesma melodia. Os tambores, por sua vez, não parecem se relacionar ritmicamente com a melodia, como fazem no estilo chirikara. Os tambores e a flauta estão, de fato, tocando padrões estereotipados nomeados normalmente de comprimento de oito batidas como no Noh. A diferença essencial entre eles e a melodia de samisen é que eles não parecem auralmente ter a mesma primeira batida. Uma determinada melodia samisen muitas vezes abre espaço através do silêncio para uma importante chamada vocal nos padrões de bateria, mas a deliberada falta de coordenação do beat “one” cria uma tensão rítmica vital que faz a música avançar até que seja resolvida em uma cadência comum. Cada parte é internamente rígida e progressiva, mas seu conflito com as outras partes força a música (e o ouvinte) a mover o evento musical através de um continuum de tempo em direção a uma conclusão mútua.
a música de flauta Noh é frequentemente relacionada ao ritmo do tambor de bastão de taiko, para que possam ser consideradas uma unidade comum em vez de partes separadas. Há situações em que a bateria de tsuzumi toca padrões chirikara em apoio à melodia de samisen, enquanto a flauta taiko e Noh toca padrões Noh ou padrões de bateria nomeados posteriormente pelo Kabuki “fora de sincronização” com a outra música. Nesses momentos, pode-se notar que na música de dança Kabuki, como na música clássica ocidental, existem três tipos de necessidades musicais. No Ocidente, eles são melodia, ritmo e harmonia. Nesta música eles são melodia, ritmo e uma terceira unidade de um tambor e uma flauta que funciona como harmonia, embora seu som seja totalmente diferente. Se essa terceira característica japonesa é chamada de unidade de dinamismo, então pode-se dizer que o dinamismo de nagauta e a harmonia tradicional Ocidental servem para colorir a linha, para criar tensão que impulsiona a música em frente e para ajudar a padronizar o design formal da peça, esclarecendo cadências ou criando a necessidade deles. Tudo isso traz de volta o ponto anterior de que a música não é uma língua internacional. Os aspectos igualmente lógicos, mas diferentes, da música japonesa e da música ocidental são certamente mais óbvios e impressionantes.Os aspectos formais da música Kabuki são tão variados quanto as peças com as quais a música está conectada. Em peças de dança derivadas de peças Noh, muitos dos Termos seccionais do Noh mencionados acima são encontrados. A forma clássica de dança Kabuki em si geralmente consiste em seções divididas no arranjo tripartido tradicional, conforme mostrado abaixo:
(1) deha ou jo
oki michiyuki
(2) chūha ou ha
kudoki, monogatari, odori ji
(3) iriha ou kyus
chirashi, dangire.
de um modo geral, o oki representa todos os tipos de seções instrumentais introdutórias (aigata, ou neste caso maebiki) ou partes vocais (maeuta) antes da entrada do dançarino. O michiyuki geralmente incorpora a seção de percussão quando o dançarino entra. O termo kudoki é encontrado no início da história da música samisen como uma forma de música romântica e é usado aqui para a seção mais lírica, na qual a percussão raramente é ouvida. O monogatari (história) se relaciona com o enredo específico da dança, e o odori ji é a seção de dança principal, como o kuse ou mai da forma Noh mais antiga. Durante essa seção, A Flauta de bambu pode aparecer para contraste e, no estilo Noh, o tambor taiko pode ser importante. O chirashi contém música mais ativa, e a cadência final ocorre durante o dangire. Existem infinitas variações e extensões dessa forma, mas os muitos traços instrumentais e estilísticos específicos encontrados em cada uma das seções ajudam o ouvinte a tomar consciência da progressão lógica e necessária de uma determinada peça através de um momento de tempo para seu final adequado.
a maioria das primeiras coleções (shōhon) de Música no palco consistia no texto e Samisen mnemônicos (kuchi-jamisen, mouth samisen) de interlúdios instrumentais (ai-no-te). No século 18, algumas das formas líricas começaram a usar sílabas para representar posições de dedilhado no instrumento, um sistema chamado iroha-fu. Em 1762, um conjunto de círculos com várias marcações extras junto com o número da string foram combinados em um livro chamado Ongyoku chikaragusa para criar um sistema mais preciso, embora complicado. Mais rítmica refinamentos foram criados, em 1828 Genkyoku taishinsho, mas não foi até o período moderno que o árabe números em francês chevé estilo (aparentemente aprendeu na Alemanha por Tanaka Shōhei) foram combinados com Western rítmica e medido dispositivos para criar notações que poderia ser vista de ler sem o auxílio de um professor. Três variações dessa técnica formam a base da maioria das notações samisen modernas, embora peças ocasionais também possam ser encontradas na notação Ocidental. Assim, é possível comprar grandes repertórios de música nagauta, kouta ou kiyomoto para performance ou estudo sozinho. Motivando tais mudanças notacionais foi o aumento do interesse durante meados do século 19 em samisen música composta para performance de concerto (ozashiki) em vez de como acompanhamento de dança. Tal tradição é prática comum para todos os gêneros samisen hoje.
