scris de Milner Fuller. Postat în Blog
cine este pianistul tău preferat de jazz?
cine este compozitorul tău clasic preferat?
acestea sunt întrebări care se pun cel mai frecvent în rândul iubitorilor de muzică. Mai rar, întrebările vor fi inversate. De ce? Jazz-ul este un gen axat pe interpret, în timp ce clasicul pune accentul pe compozitor.
pentru un pianist de jazz, compunerea și interpretarea sunt una și aceeași. Compozitorul / muzicianul Gunther Schuller a scris odată că „improvizația este inima și sufletul jazzului”, iar David Baker ar susține că improvizația ar trebui să fie piatra de temelie a educației jazz. Rădăcinile improvizaționale ale jazzului pot fi găsite în Câte piese sunt notate: mai degrabă decât să aibă fiecare notă scrisă, interpreții de jazz folosesc adesea foi de plumb, care oferă melodia și o schiță largă a armoniei. Depinde de interpret să completeze golurile. Un standard familiar ar putea arăta așa ceva pe pagină:
foile de plumb oferă muzicienilor de jazz o mare libertate. Obțineți o melodie și câteva acorduri, iar restul depinde de muzician. În urma sunt două interpretări ale acestui clasic Cole Porter:
2015 American Pianists Awards câștigător Sullivan Fortner
Cy Walter
contrastează acest lucru cu scrierea extrem de detaliată, de exemplu, o melodie a lui Anton Webern din op.12, („Schien mir’ s, als ich sah die Sonne”).
observați în cântecul lui Webern, fiecare notă are un fel de marcaj suplimentar. Compozitorul a preluat controlul asupra fiecărui ton, ritm, dinamică, tempo, articulare și frazare. El nu lasă aproape nimic la întâmplare (cu excepția capacității unui muzician de a realiza fiecare detaliu la un moment dat). Exemplul Webern este extrem, dar, în general, notația clasică este mult mai detaliată decât jazzul.
rolul interpretului de jazz a fost întotdeauna să realizeze o piesă muzicală cât mai creativ și individual. În timp ce interpreții se bazează pe tradiții care au fost transmise prin generații de muzicieni de jazz, nu există doi interpreți de jazz (dacă sunt buni) vor interpreta o piesă în același mod. De fapt, având în vedere aspectul improvizațional al spectacolului de jazz, rareori două spectacole ale aceleiași piese ale aceluiași artist vor suna exact la fel.
prietenul Asociației pianiștilor americani și membru frecvent al juriului (atât jazz, cât și clasic) John Salmon scrie: „tradiția de a se concentra mai degrabă pe interpretul de jazz decât pe munca interpretată este la baza și începutul întregii tradiții de jazz. Pianiștii de Jazz încercau întotdeauna să se întrece unul pe celălalt, ca în celebrele petreceri Harlem rent, când pianiștii concurau practic unul împotriva celuilalt, iar cel mai extravagant și virtuoz pianist câștiga onoarea nopții. Virtuozitatea a fost întotdeauna în centrul interpreților de jazz. James P. Johnson, Fats Waller, Art Tatum, Charlie Parker și John Coltrane au avut cotlete puternice. Adevărat, au existat excepții mai vechi, inclusiv saxofonistul melancolic și decisiv non-virtuoz Paul Desmond și liricul supus Billie Holiday. Dar, chiar și în aceste cazuri, accentul a fost inevitabil asupra modului în care au interpretat standardele de jazz aproape mai mult decât standardul de jazz în sine.”
există multe școli de gândire în performanța clasică, iar estetica se schimbă considerabil în timp. Muzica din epocile anterioare a devenit mai populară în secolul al 19-lea, când a fost înființat un canon al literaturii, iar interpreții de la acea vreme nu aveau nicio problemă să-și pună propriul spin pe clasici, ignorând adesea marcajele și chiar schimbând notele. Gustav Mahler chiar a rearanjat lucrări, inclusiv simfonii de Beethoven, „corectând” zonele care au suferit de limitările Orchestrei de la începutul secolului 19. Mahler ar susține că aceste „corecții” erau în concordanță cu spiritul compozitorului—el dorea pur și simplu să scoată straturi în partitură.
la începutul secolului 20, mișcarea come scritto (așa cum este scris) popularizată de dirijorul Arturo Toscanini a devenit o estetică populară. Sviatoslav Richter ar aplica această tehnică la pian. Cu privire la abordarea sa de a interpreta, el a scris: „interpretul este într-adevăr un executant, îndeplinind intențiile compozitorului la scrisoare. El nu adaugă nimic care nu este deja în lucrare. Dacă este talentat, ne permite să vedem adevărul lucrării care este în sine un lucru de geniu și care se reflectă în el. El nu ar trebui să domine muzica, ci ar trebui să se dizolve în ea.”
Iată un exemplu de Richter jucând Bach:
în timp ce Toscanini și Richter ar întruchipa o interpretare textuală (le-am putea numi Scaliile muzicii), alți muzicieni din secolul 20 erau înclinați spre un mod mai individual de a cânta, nu spre deosebire de muzicienii din secolul 19. Dirijorul Wilhelm Furtw a reprezentat acest stil ca dirijor și puteți auzi influența sa asupra pianistului / dirijorului Daniel Barenboim, care crede că tempo-ul, departe de a fi prescris de un marcaj metronom, ar trebui influențat mai ales de armonie. Această tradiție își poate găsi rădăcinile în Beethoven, care a spus despre propriile sale marcaje metronomice că au aplicat doar „la primele măsuri, deoarece sentimentul are propriul său tempo.”
Iată-L pe Barenboim interpretându-l pe Beethoven:
mai târziu, în secolul 20, mișcarea de performanță informată istoric s-ar baza pe cercetarea textelor și tratatelor de epocă pentru a încerca să recreeze operele muzicale așa cum sunau în momentul compoziției. Unii interpreți se specializează în interpretarea muzicii din epoci specifice, aplicând cunoștințele noastre despre modul în care lucrurile au fost interpretate acum peste 200 de ani. Deoarece majoritatea instrumentelor au evoluat semnificativ de-a lungul secolului al 19-lea, unii producători de instrumente au început să construiască instrumente în stilul epocilor anterioare pentru a interpreta muzică din acea epocă.
Iată un exemplu de Melvyn Tan (fortepiano) și Roger Norrington (dirijor) cântând concertele lui Beethoven la instrumente de epocă:
indiferent de stil, majoritatea muzicienilor clasici ar fi de acord că încearcă doar să exprime intențiile compozitorului, nu ale lor. Pianiștii clasici se consideră mai degrabă curatori decât co-creatori. Muzicianul devine vasul prin care vorbește compozitorul.
după cum ne putem imagina, sarcina de a evalua pianiștii de jazz este destul de diferită de cea a unui pianist clasic. Judecătorii vă vor spune ceea ce au în comun, totuși, este că trebuie să aibă o tehnică excepțională și trebuie să se poată conecta cu publicul. Finaliștii și câștigătorii premiilor American Pianists demonstrează în mod constant aceste calități și există multe spectacole de asistat pe canalul nostru YouTube. Aruncați o privire și abonați-vă astăzi!
articol al administratorului artistic APA, Milner Fuller, cu mulțumiri speciale lui John Salmon.
