Director Creativ, artist și muzician Fai Khadra este, de asemenea, un colecționar de artă cu un interes deosebit pentru Minimalism și arta conceptuală, făcându-l colaboratorul perfect pentru Londra curatoriată contemporană, care are loc în perioada 17-24 noiembrie. Înainte de vânzare, el vorbește prin pasiunea sa pentru muzee, de ce vrea să încurajeze un public de artă nou și mai tânăr și cum și-a tăiat o bucată din acoperiș pentru a instala un stalagmit de rubin Sterlină.
care sunt artiștii tăi preferați?
e ca și cum ai întreba, Care e filmul tău preferat? E o întrebare imposibilă. Dar sunt întotdeauna atras de artiști care au rupt sau împins limitele într-un fel, care se simt extrem de noi sau curajoși în practica lor. Am admirat întotdeauna artiști contemporani precum Joseph Beuys, Bruce Nauman, David Hammonds, Kara Walker și Shigeko Kubota – dar nu puteți uita de maeștri precum Picasso, Rembrandt, Monet, Da Vinci și Van Gogh. Vezi de ce este o întrebare imposibilă? Toți ne-au împins în noi direcții de gândire. Gândind și văzând lumea, nu au fost întotdeauna acceptate la început, dar asta înseamnă să fii radical.
cum afli despre artiștii care te interesează?
de la a merge la spectacole la muzee sau expoziții de galerii – trebuie să văd ceva în persoană înainte de a avea un impact pronunțat asupra mea. De exemplu, am fost familiarizat cu munca lui Julie Mehretu, dar nu a fost până când am văzut recentul ei spectacol LACMA când mi-am dat seama cu adevărat ce maestru este în a face astfel de lucrări pe scară largă pe mai multe straturi. Pentru mine, atât de mult din înțelegerea mea evoluează dintr-o interacțiune personală cu munca pe care pur și simplu nu o simt de la distanță.
cum ai descrie estetica ta personală?
sunt un minimalist la inimă – iubesc artiști precum Dan Flavin și Donald Judd. Dar apoi îl iubesc și pe Mike Kelley…so cred că depinde mai mult de artist decât de estetică. Acestea fiind spuse, dacă ar trebui să aleg o parte, aș sta cu minimaliștii.
te consideri un colecționar?
mă consider un colecționar în sensul că îmi place să cumpăr lucrări de artă pentru Casa Mea, astfel încât să pot trăi alături de ea, dar nu am, să zicem, unități de stocare în care păstrez lucrări de artă ca investiții. De fapt, tocmai am achiziționat un stalagmit de rubin Sterlină de la Sotheby ‘ s pentru a instala în noua mea casă – este imens, dar a trebuit să trăiesc cu el. Ca urmare, a trebuit să taie o bucată de acoperiș, dar am fost întotdeauna un mare fan al muncii sale, astfel încât pentru a obține acea piesă simțit ca un pas important. La fel cum artiștii se împing să facă ceva nou, simt că este important uneori să cumpărați din zona dvs. de confort, indiferent dacă este vorba de dimensiune, buget sau subiect. Marile opere de artă și artiști pot fi o provocare în multe feluri. Cred că piesele stalagmite ale lui Ruby sunt unele dintre cele mai bune lucrări ale sale, pentru că erau atât de ambițioase – deci merită mai mult decât renovarea suplimentară.
cum intenționați să vă dezvoltați colecția?
prin cumpărarea mai multă artă! Știu care este lista mea de dorințe, dar este important și pentru mine să construiesc relații cu oameni în care am încredere – fie că sunt galeriști sau curatori – care mă pot îndrepta în direcția unor artiști mai noi, precum Martine Syms, Dozie Kanu, Sayre Gomez.
există muzee sau colecționari pe care îi admirați în mod deosebit?
îmi place să vizitez Fundația Beyeler din Basel pur și simplu pentru că au cele mai bune dintre cele mai bune, de la Giacometti la Francis Bacon. Dar există, de asemenea, o mică bijuterie în LA, care a aparținut odată unui om numit Frederick Weisman. A fost un colecționar remarcabil și, când a murit, casa în care locuia și toate lucrările din ea au fost păstrate ca Fundația Weisman. Îmi place să pot vedea cum cineva a trăit alături de arta pe care o iubea – există ceva incredibil de convingător în a intra în dormitorul cuiva sau în camera de zi și a vedea un Rothko sau un de Kooning în contextul unei case, mai degrabă decât în golul unei galerii. De îndată ce intri în foaier, veți vedea un frumos Clyfford încă; intri în sufragerie și e un Picasso, de Kooning și o șuncă. E remarcabil. Colecțiile mari reflectă personalitatea și viața marilor colecționari și asta este ceva la care să aspire. De asemenea, îmi place că este GRATUIT – că oricine poate rezerva un tur și poate avea o interacțiune intimă cu acele lucrări incredibil de impresionante și influente.
ce sfaturi le-ați da noilor colecționari?
cred că cel mai important sfat pentru orice colecționar, nou sau vechi, este pur și simplu să cumpere ceva cu care simți că ai putea trăi pentru totdeauna. Nu cumpăr niciodată lucruri gândindu – mă cum ar putea aprecia-pentru că, dacă trăiești alături de ceva, ar trebui să te facă cu adevărat fericit în fiecare zi. Nimic nu-mi va da acest sentiment pur și simplu din cauza prețului său de piață.
aveți o perioadă preferată în artă?
obișnuiam să cred că a fost atunci când arta a devenit mai minimă, pe vremea lui Donald Judd, dar am vizitat recent Villa Borghese din Roma pentru prima dată și am dezvoltat o nouă apreciere pentru Bernini: a detaliilor operelor sale, a măiestriei lor excepționale și a povestirii lor captivante. Sunt, de asemenea, destul de obsedat de faptul că nu pot deține niciodată unul: există ceva foarte convingător în faptul că există în afara pieței. Ceea ce este, de asemenea, interesant este că atât Bernini, cât și Judd păreau foarte preocupați de modul în care arta și arhitectura interacționau. Situația unei opere de artă într-un spațiu a fost importantă pentru ambele. Ei au fost maeștri de a crea o operă de artă totală în felul lor.
„colecțiile mari reflectă personalitatea și viața marilor colecționari și la asta voi aspira întotdeauna.”
gustul tău în artă s-a schimbat de-a lungul timpului?
cred că gustul meu se va schimba continuu, dar voi admira întotdeauna munca care împinge limitele sau provoacă sentimente puternice. Nu sunt deosebit de implicat în munca care este pur și simplu estetică; sunt mult mai înclinat să lucrez care mă face să mă simt inconfortabil sau mă împinge să reconsider lumea pe care o reflectă sau cu care se angajează.
acum câțiva ani, la Art Basel, am dat peste Doreen Garner – o tânără artistă de culoare din Brooklyn care realizase o sculptură uimitoare de neon care semăna oarecum cu agățarea cărnii. A fost înspăimântător de departe, dar apoi, când te-ai apropiat, a fost făcut din toate aceste perle frumoase. Am descoperit că ea a creat piesa ca răspuns la dezvoltarea ginecologiei moderne de James Marion Sims și cum a exploatat și torturat corpurile femeilor negre în numele descoperirii științifice, deoarece nu credea că pot simți durerea. A fost o lucrare extrem de dificilă, dar modul în care a reușit să traducă acea inumanitate în ceva atât de convingător, atât de frumos și, astfel, să-și confrunte publicul cu ea, a fost incredibil de impresionant.
ce face din Contemporary Curatory o colaborare interesantă pentru tine?
cred că este important și incitant să angajezi un public mai tânăr cu colecționarea artei contemporane; este un domeniu care se poate simți atât de impenetrabil, atât de complet de neatins, pentru atât de mulți oameni. Mi-ar plăcea să pot deschide ușa puțin unei noi generații pentru care s-a simțit exclusivă și să-i invit să interacționeze personal cu piesele.
când a început interesul tău pentru artă?
întotdeauna am fost interesat de artă și părinții mei sunt și colecționari, deci este probabil o trăsătură moștenită. Am avut norocul să cresc în Londra, unde școala mea ne ducea la expoziții în locuri precum Victoria & Albert Museum, Tates sau Muzeul de Istorie Naturală. Cred că asta e frumos să crești într-un oraș ca Londra: există atât de multă artă și cultură care se întâmplă în jurul tău în mod constant încât poți să te confrunți cu ea de la o vârstă fragedă.
daca ai putea salva o opera de arta de la distrugere, ce ar fi?
ar trebui să fie Mona Lisa. Pentru că, deși nu este favoritul meu personal, îmi place ce impact cultural profund are – îi face pe oameni să se îndrepte spre artă: vizitarea Luvru a devenit aproape ca un pelerinaj. Acesta este cel care trebuie salvat.
dacă ați putea lua cinci artiști-morți sau vii-la cină, cine ar fi ei?
Andy Warhol, Marcel Duchamp, Jackson Pollock, Walter De Maria și Frida Kahlo. Aș face faimosul meu pui fript.
care a fost ultima expoziție pe care ați văzut-o și de ce v-a plăcut?
tocmai am văzut spectacolul Andy Warhol la Tate și am avut norocul să obțin un turneu de la unul dintre regizorii spectacolului. El a explicat că lucrările de artă Double Marilyn nu au fost inițial intenționate de Warhol să fie prezentate ca un Diptic – că pur și simplu au fost văzute în studioul său unul lângă celălalt de colecționarii Burton și Emily Tremaine, care le doreau pe amândouă. Este atât de interesant pentru mine că asocierea a inspirat o astfel de bogăție de comentarii și critici cu privire la contrastul pe care îl sugerează între viața publică și cea privată a lui Monroe – dar, de fapt, narațiunea originală este diferită.
am trăit în vremuri bizare din ultima vreme. Cum te-ai angajat în artă și cultură?
am urmărit o mulțime de documentare despre artiști – mi-a plăcut documentarul Duchamp, arta posibilului, pentru că a oferit o perspectivă atât de directă asupra importanței sale în evoluția artei contemporane și un documentar Gerhard Richter care explorează cu adevărat procesul său material.
cum ați diferenția scena de Artă din Londra față de LA?
cred că Londra are o istorie de curație foarte mare. În LA, aveți locuri precum Gagosian și Broad, unde veți intra și veți vedea o sculptură masivă a lui Jeff Koons sau o altă piesă iconică care poate fi recunoscută instantaneu. În timp ce simt că, în Londra, există mai multe locuri precum Sadie Coles, unde puteți vedea artiști de renume mondial, alături de a fi introduși în talente mai noi. Ceea ce este interesant este să comparăm scenele din LA și Londra cu New York. Există mai multe asemănări între LA și Londra. Răspândirea geografică și lipsa unui district de artă dominant clar. Se pare că există mai mult spațiu pentru experimentare și asumarea riscurilor în ambele, în timp ce New York-datorită concentrării și costului vieții – creează o atmosferă diferită. Dacă aș fi artist, aș prefera să trăiesc și să lucrez în LA sau Londra.
„cred că este interesant observarea artiști decide dacă sau nu să se angajeze cu peisajul digital”
cum credeți că peisajul digital schimbă lumea artei și vă place arta digitală?
cred că a existat o mulțime de artă video incredibil de bună recent de la artiști precum Kahlil Joseph și Arthur Jafa. Pe lângă conversațiile pe care le provoacă munca lor, cred că însăși existența pieselor lor ridică întrebări interesante despre proprietate. De asemenea, cred că este interesant să observi artiștii care decid dacă să se angajeze sau nu în peisajul digital – de exemplu, să te uiți la cineva ca Richard Prince, care nici măcar nu este din generația digitală, dar încă folosește social media într-un mod atât de inteligent pentru lucrările sale.
ai crescut în Londra, ai trăit în Orientul Mijlociu și acum trăiești în LA. Cum ți-a influențat educația gustul în artă?
fiind capabil să mă mut și să trăiesc în locuri diferite, am fost expus la atât de multe tipuri diferite de artă: de la arta islamică la arta occidentală mai tradițională și apoi, în cele din urmă, arta contemporană, cu care mă simt cel mai confortabil pentru că simt că poate cuprinde toate universurile într-unul singur. De asemenea, am avut norocul să construiesc prietenii cu diferiți oameni care m-au învățat multe despre diferiți artiști. Kim Jones, mi-a prezentat grupuri de artiști despre care nu știam atât de multe înainte, cum ar fi setul Bloomsbury. Cred că expunerea este cheia: cu cât vă cufundați mai mult în diferite epoci artistice sau culturi, cu atât vă puteți înțelege mai mult gustul personal.
