un montaj rapid și dens Eisensteinian de motocicliști și escroci îmbrăcați în piele, accidente rutiere, vedete de la Hollywood, benzi desenate, icoane creștine, imagini naziste și o orgie simulată, Scorpionul Rising al lui Kenneth Anger (proiectat la Walker săptămâna aceasta) este una dintre cele mai văzute și influente capodopere ale cinematografiei americane. Anger a terminat filmul la sfârșitul anului 1963, cu doar câteva săptămâni înainte de asasinarea lui Kennedy. El va rezuma mai târziu Scorpio Rising ca „o oglindă a morții susținută culturii americane” și, pe măsură ce societatea părea să se destrame în anii care au urmat, publicul s-a adunat pentru a privi în oglinda morbidă a furiei.
în anii 1960, Anger a fost unul dintre mai mulți cineaști de avangardă care au primit atenție națională ca parte a fascinației mainstream pentru „underground” și toate lucrurile contra-culturale. Scorpio Rising a atras o atenție specială după ce un manager de teatru din Los Angeles a fost găsit vinovat de obscenitate în 1964 pentru proiecția filmului Anger, care include scurte sclipiri de nuditate și homoerotism neabătut. Hotărârea a fost anulată ulterior și, până în 1966, varietate a raportat că proiecțiile filmului la Bleecker Street Cinema în Greenwich Village (pe o factură dublă cu Jonas Mekas ‘ s Brigada) „au început să strângă mai mulți bani decât văzuseră vreodată proprietarii”, încurajând o lansare națională ulterioară. În același an, Scorpio Rising neatins pentru prima dată la Walker, ca parte a ceea ce pare să fi fost cea mai veche serie a Muzeului dedicată filmului experimental american; atipic dintre proiecțiile de film ale lui Walker la acea vreme, spectacolul a fost taxat ca „nu este potrivit pentru copii.”În altă parte din țară, proprietarii de teatru canny au promovat munca lui Anger ca un film de exploatare a motociclistului și/sau pornografie” exclusiv masculină”, iar bootleg-urile alb-negru de 16 mm ale Scorpio Rising se zvonește că ar fi circulat în barurile gay de pe coasta de Vest a vremii. Notorietatea de șold a filmului a fost de așa natură încât un profil New York Times din 1967 intitulat „From Underground: Kenneth Anger Rising” a atribuit chiar tendința modei pentru jachete de piele și echipament de motociclist succesului Scorpio Rising. Debutul filmului „a atras o mulțime care a inclus psihanaliști, artiști și critici de artă și o reprezentare a ceea ce imaginația inflamată a editorilor de reviste de știri consideră” Mafia homosexuală „a coaforilor, designerilor de rochii și decoratorilor”, a declarat Times. „Aproape peste noapte, vitrinele buticurilor elegante din uptown aveau lanțuri de motociclete rele aruncate peste canapele de catifea de pluș și modele în rochii de modă, așezate între ghidonul motocicletelor… pielea și ochelarii au devenit unelte standard pentru ambele sexe pentru a face galeriile din upper East Side, precum și barele din Lower West.”
unul dintre criticii de artă groovy The Times reperat la debutul Scorpio Rising ar fi putut fi Gregory Battcock, care a discutat filmul într-un eseu din 1967 despre „noi experimente în Cinema”, numindu-l „poate cel mai faimos” titlu experimental al vremii sale și o „contribuție aptă la înțelegerea filmului și a imaginii „pop”.”Într-adevăr, imaginile lui Scorpio Rising cu James Dean și Lil’ Abner funnies nu ar fi deplasate în picturile Pop ale vremii, dar cele mai proeminente artefacte ale culturii comerciale utilizate în film sunt înregistrările cu picături de ac ale rock and roll 45 de ani decât Anger folosit ca coloană sonoră a Scorpionului Rising. În film, Anger folosește treisprezece Melodii—un număr ocult corespunzător pentru un adept declarat al lui Aleister Crowley-așezat spate în spate pe parcursul celor 26 de minute. Niciuna dintre melodii nu ar fi fost obscură pentru publicul American al vremii: toate s-au plasat foarte mult în topurile Billboard, cu 10 titluri clasate ca primele cinci single-uri. „Muzica pop cânta în vara anului 1963, când filmam”, i-a explicat Anger savantului Scott MacDonald în 2004. Formația include trei grupuri de fete (Îngerii, Martha și Vandellas și cristalele) și trei idoli Adolescenți (Ricky Nelson, Bobby Vinton, Elvis Presley), opt melodii ale artiștilor albi și cinci ale interpreților afro-americani. Mixul surprinde acum spiritul rock and roll-ului la sfârșitul primului său deceniu, când estetica „Wall Of Sound” a lui Phil Spector a dominat radioul, chiar înainte de sosirea invaziei britanice pentru a rearanja peisajul muzical.
în timp ce rock and roll-ul a fost folosit în filme încă din Blackboard Jungle (1955), care a prezentat Bill Haley și Cometele „Rock Around the Clock” peste creditele sale de deschidere pentru a adăuga un aer de delincvență juvenilă, Scorpio Rising a fost primul film care a folosit muzica pop pentru un efect artistic avansat, mai degrabă decât pentru simpla atracție a tinerilor, valorificându-și puterile emoționale printr-o editare enigmatică contrapuntică. După cum remarcă Carel Rowe, melodiile „servesc nu numai ca mijloc de organizare, ci și ca o narațiune ironică.”Influența îndelungată a Scorpionului Rising poate fi văzută și auzită în coloana sonoră rock a Easy Rider (1969), utilizarea ascuțită a muzicii pop în filmele lui Martin Scorsese (care citează văzând Scorpionul Rising în facultate ca un eveniment formativ) și designul cvasi-narativ al videoclipului muzical. Anger însuși a continuat să angajeze muzică pop și interpreții săi: „iubitul de vis” al surorilor din Paris joacă peste Kustom Kar Kommandos (1965); Mick Jagger ‘ s Moog noodlings oferă zgomotul de fundal invocarea fratelui meu Demon (1969); iar Anger i-a comandat lui Jimmy Page să creeze o coloană sonoră pentru Lucifer Rising (1980), înlocuindu-l ulterior cu o compoziție prog rock bazată pe chitară de către membrul familiei Manson închis Bobby Beausoleil.
tehnica furiei de a asocia sunetul și imaginea a fost urmărită atât de teoria editării „cromofonice” a lui Eisenstein, cât și de teoria lui Crowley a „corespondențelor” oculte între elemente disparate (acestea din urmă fiind explorate cel mai bine în scrierile lui Rowe despre Furie). Pentru furie, magia și cinematografia sunt aceeași artă— „a face un film este ca și cum ai arunca o vrajă”, a spus el pentru The Times în 1967—iar muzica are un rol special de jucat. „Se poate admite, în orice caz, că șirurile lungi de cuvinte formidabile care urlă și gem prin atâtea conjurații au un efect real în exaltarea conștiinței magicianului la tonul potrivit”, a scris Crowley în Magick in Theory and Practice (1929), ” că ar trebui să facă acest lucru nu este mai extraordinar decât ar trebui să facă muzica de orice fel.”Furia include acest citat în notele sale pentru Scorpio Rising, publicat în 1966. Am putea lua în considerare, de asemenea, o influență tehnologică. După cum a remarcat Istoricul filmului Juan A. su Otrivrez, Anger citează o inspirație pentru coloana sonoră a Scorpionului Rising ca o vizită la Insula Coney în 1962, unde a întâlnit pentru prima dată adolescenți care cântau muzică pop pe plajă de la radiourile cu tranzistori mici. Muzica portabilă a adăugat o coloană sonoră lumii, făcând viața de zi cu zi mult mai asemănătoare filmelor. În același timp, ascensiunea single-ului de 45 RPM a permis ca aceeași melodie să fie redată din nou și din nou, versurile sale scufundându-se în sufletul unui adolescent singuratic.
ceea ce urmează sunt adnotări la fiecare melodie folosită în Scorpio Rising, enumerate în ordinea includerii. Ele sunt scrise după săptămâni de ascultare repetată.
1. „Proștii se grăbesc (acolo unde îngerii se tem să calce),” Ricky Nelson, 1963
până când Ricky Nelson a lansat această melodie, era deja cunoscut publicului American ca una dintre vedetele sitcom-ului Aventurile lui Ozzie și Harriet, care a început mai întâi la radio și apoi a rulat la televizor de la începutul anilor ’50 până în 1966. Cariera sa muzicală a început cu o copertă din 1957 a lui Fats Domino „I’ m Walking”, realizat când avea 16 ani. La fel ca multe melodii pop ale perioadei, „Fools Rush In” este, de asemenea, o copertă, scrisă în 1940 și înregistrată de Frank Sinatra, Glenn Miller și numeroși alții: la doar o săptămână după ce interpretarea rockabilly a lui Nelson a lovit undele radio, Lesley Gore și-a lansat propria preluare flexionată de bossanova.
ca toate melodiile prezentate în Scorpio Rising save the last, „Fools Rush In” este un cântec de dragoste. Sunetul neted al vocii lui Nelson și instrumentația sa twangy însoțitoare joacă peste deschiderea fotografiilor de piese de motocicletă, cizme și lanțuri așezate pe o podea de garaj murdară; Vocea Americii final curat-cut, clasa de mijloc, copil suburban ciocniri curios împotriva imagini ale unui mediu urban, clasa muncitoare. Dar, pe măsură ce cântecul ajunge la concluzia sa, Anger adaugă urletele unui motor de motocicletă peste cuvintele lui Nelson; o pictogramă scorpion mărește și micșorează rapid, ca o tranziție de la un vechi serial Flash Gordon și vedem titlul filmului scris în știfturi argintii pe spatele unei jachete de piele. Bărbatul care poartă jacheta se întoarce și asistăm la pieptul gol, cu capetele centurii jachetei bătând falic la talie. „Deschide-ți inima”, imploră Nelson, ” și lasă-l pe acest nebun să se grăbească,” în timp ce figura se îndreaptă spre cameră, carnea stomacului său Păros venind să întâlnească obiectivul. Versurile lui Nelson sunt astfel intensificate: simpla urgență romantică devine o bază, disperare sexuală.
semnul astrologic al Scorpionului, condus de planeta Marte, a fost mult timp asociat cu virilitatea sexuală, excesul și violența. De exemplu, Alan Leo, a cărui lucrare stă la baza astrologiei moderne, a scris în 1899 că indivizii născuți sub semnul în creștere al Scorpionului sunt „îndrăzneți și războinici, înclinați să se grăbească în certuri” și predispuși la „multe relații amoroase secrete.”Furia a declarat că propriul său semn astrologic este Vărsătorul cu Scorpionul în creștere. S-ar putea imagina că nu doar sexul și violența, ci și moartea se strecoară în „proștii care se grăbesc”, prin figura lui Nelson, care a crescut, în ochii publicului, de la un băiat la un adolescent la un bărbat. Furia susține, de asemenea, că a fost un copil actor (afirmând adesea că a apărut la vârsta de opt ani ca Prințul Schimbător în Max Reinhardt și William Dieterle ‘ s Visul unei nopți de vară ) și a finalizat cel mai vechi film existent, focuri de artificii (1947), la vârsta de 20 de ani. Îmbătrânirea celebrităților determină contemplarea propriei noastre mortalități: o amintire accidentală mori se joacă pe fața fiecărei stele. În 1963, Anger, cândva un enfant teribil, era acum un bărbat de 36 de ani. Se pare imposibil ca el nu ar fi considerat trecerea inexorabilă a timpului în timp ce stau cu strada toughs o generație mai tânără și adăugarea de melodii teenybopper la imaginile lor.
2. „Wind-Up Doll,” micul Peggy martie, 1963
una dintre cele mai obscure și deranjante reduceri din Scorpio Rising, „wind-up Doll” a fost lansată ca o parte B a micuței Peggy March „I Will Follow him”, care apare mai târziu în film. Acestea sunt singurele două melodii ale aceluiași artist pe coloana sonoră, una pe cealaltă. În versuri, cântate plângător până în martie, o fată se compară cu o păpușă mecanică într-o metaforă extinsă. „Înfășoară-mă mă plimb cu adevărat, înfășoară-mă vorbesc cu adevărat”, cântă ea, repetând limbajul publicității, cu ea însăși ca marfă: „înfășoară-mă și voi veni direct la tine.”Nimic nu ar putea fi mai departe de spiritul proto-feministului Lesley Gore „You Don’ t Own Me”, lansat în același an. Aici, tânăra își golește propria ființă interioară de dragul iubirii unui băiat, promițând să devină o jucărie pentru el, un simplu automat care nu poate răspunde decât acțiunilor sale. „Puteți vedea ce mă face să bifez, mici arcuri și angrenaje”, cântă ea. „Vă pot arăta încă un truc: rupe-mi inima, voi plânge lacrimi adevărate.”
vocea lui March joacă peste un montaj de motocicliști care fixează motoarele motocicletelor intercalate cu imagini ale bicicletelor de jucărie. Sunetul unui mic motor de ceas care este înfășurat de o cheie—un pic inteligent de instrumentație netradițională folosită în cântec—se potrivește perfect cu fotografiile unui motociclist care răsucește o cheie în timp ce lucrează. Astfel apare o corespondență între femeie, jucărie și mașină, toate supuse manipulării masculine. Motocicletele sunt doar jucării big boy, obiecte fetiș care joacă rolul iubitului. „Mașina puterii văzută ca totem tribal”, scrie Anger în notele sale pentru film, „de la jucărie la teroare.”
3. „Prietenul meu s-a întors,” Îngerii, 1963
segmentul setat la acest clasic de grup de fete începe și se termină cu un prim-plan al unui schelet îmbrăcat într-o haină purpurie. După ce începe cântecul, vedem curând că această figură înfricoșătoare decorează o parte a unui garaj, supraveghind un tânăr într-un tricou negru și blugi în timp ce se agită cu o motocicletă. Bicicleta este un mov incongruent feminin, repetând culoarea hainelor regale ale scheletului. Privitorul este lăsat să se gândească dacă „iubitul” despre care vorbesc Îngerii este tânărul, motocicleta lui sau chiar moartea în sine. Acest context sporește sentimentul violenței sexualizate în cântec, care stă la baza versurilor sale de școală-batjocură și bătăi ritmice de numărare-rimă: dacă cineva ascultă cu atenție narațiunea, este vorba despre o fată care îi spune unuia dintre colegii ei de sex masculin că iubitul ei va lovi cu piciorul rahatul viu din el pentru răspândirea zvonurilor despre ea. „Pentru că e un fel de biiiig și Aw-ful puternic,” ea cântă, desen cuvintele cu aluzii cochete.
4. „Catifea albastră”, Bobby Vinton, 1963
în filmul vizionar, P. Adams Sitney relatează o anecdotă de furie despre modul în care „catifea albastră” a lui Vinton a ajuns să fie folosită în Scorpio Rising: „furia a descris odată găsirea celei de-a patra melodii ca un exemplu de” magie”, scrie el. „El a spus că a finalizat selecția pentru toate celelalte melodii și că are nevoie de ceva pentru a merge cu acest episod, în care trei bicicliști din diferite locații se îmbracă ritual în piele și lanțuri, montajul sărind continuu de la unul la altul. Furia i-a pornit radioul și și-a exercitat voința. A ieșit Bobby Vinton ‘ s ‘she weared Blue velvet’, care, atunci când s-a alăturat episodului, a creat tocmai ambiguitatea sexuală dorită de furie în această scenă.”Ambiguitatea sexuală descrisă de Sitney este produsă imediat de prima fotografie a segmentului, în care camera se ridică încet pe picioarele blugilor motociclistului, așezându-se pe talie în timp ce își cataramă zbura deschisă sub un trunchi gol. Catifea albastră devine una cu denim albastru; Vinton cântă din rochia ei de satin în timp ce vedem un tânăr într-o jachetă de piele. În aceste versuri, îmbrăcămintea devine atât un fetiș sexual, cât și un declanșator pentru amintirea unei iubiri pierdute. „Purta catifea albastră”, cântă Vinton, plasându-și iubitul în trecut, „prețios și cald, o amintire.”
5. „(Tu ești) diavolul deghizat, ” Elvis Presley, 1963
în poate cel mai tipic segment Pop al filmului, vedem un motociclist (numit Scorpion în notele furiei) lenevind într-un apartament dezordonat cu două pisici siameze, pereții săi acoperiți cu pin-up-uri ale lui James Dean ca dormitorul unei adolescente, în timp ce fumează țigări și citește benzile desenate de duminică. Un panou Dick Tracy dezvăluie o grămadă de craniu și oase; Lucy clobbers Charlie Brown. Furia începe să intercaleze fotografii scoase de pe un ecran de televiziune al lui Marlon Brando în The Wild One (1953), în care joacă rolul liderului unei bande de motociclete. Fanii lui Dean și Elvis ar fi știut că ambele vedete erau celebre pentru motocicletele iubitoare; toți cei trei idoli se zvoniseră, în diferite puncte, că ar fi avut înclinații homosexuale. Aici, din nou, o adresă către un iubit de sex feminin pare să mapeze pe o figură masculină. „Arăți ca un înger, mergi ca un înger, vorbești ca un înger”, cântă Elvis. „Dar am devenit înțelept. Tu ești diavolul deghizat.”În tradițiile oculte, invocarea îngerilor sau a diavolilor oferă sursa puterii unui magician și, în acest caz, cele două forțe ale binelui și răului au devenit indistinguizabile.
6. „A lovit drumul Jack,” Ray Charles, 1960
Anger folosește „Hit the road Jack” într-o manieră relativ lipsită de ambiguitate, jucând-o în timp ce Scorpionul se îmbracă și se pregătește să-și părăsească apartamentul, cu o mulțime de zgomote ale motorului așezate deasupra. Imaginile comuta rapid între fotografii de Scorpion îmbrăcare o brățară de piele, filmări în stil documentar granulat de motocicliști de echitatie în jurul Coney Island, și mai multe imagini de Brando pe motocicleta lui în cel sălbatic. Un titlu de ziar citește „ciclul Hits Hole & ucide doi” în timp ce cântăreții de rezervă ai lui Charles scandează „Hit the road Jack, și nu te mai întoarce. Scriind această scenă, criticul Parker Tyler remarcă faptul că călătoria de la „dormitorul băiatului din piele … până la drumul deschis este, de asemenea, simbolică prin faptul că, potrivit furiei, implică o dorință de moarte—eliberarea finală în spațiul infinit.”
7. „Valul de căldură”, Martha și Vandellas, 1963
până acum, cântecele au vorbit despre dorință în termeni de dor, pierdere și respingere. Dar în acest episod, furia schimbă vitezele și suntem aruncați într-o sărbătoare muzicală a euforiei intoxicante a iubirii. În timp ce un backbeat stomping deschide melodia, Scorpionul își înclină degetul într-un flacon de pulbere albă și îl ridică în nară, pufnind o umflătură cu un semn rapid înapoi. Filmul clipește câteva cadre de roșu pur, urmat de un prim-plan rapid al unui călăreț de biciclete de jucărie cu părul șocat încadrându-și fața de păpușă Kewpie. „Ori de câte ori sunt cu el, ceva din interior începe să ardă, iar eu sunt plină de dorință”, Martha Reeves curele afară. „Ar putea fi diavolul din mine, sau așa ar trebui să fie dragostea?”Anger adaugă un set bizar de sunete animalice vocii lui Reeves, care amintește de râsul agitat al unei hiene. În „valul de căldură”, intensitățile de măturare ale plăcerii nu pot fi distinse de durere. „Nu știu ce să fac. Capul meu e în ceață. E ca un val de căldură, care arde în inima mea. Nu mă pot abține să nu plâng. Mă sfâșie.”
savanții și criticii au descris în mod diferit pulberea Scorpionului insuflați fie ca cocaină, fie ca metamfetamină; acesta din urmă este mai probabil, având în vedere popularitatea relativă a medicamentului la momentul respectiv. În ambele cazuri, acest moment servește ca preludiu la aventurile lizergice ale Operei ulterioare a furiei, în care efectele narcoticelor, artei și vrăjitoriei devin una.
8. „El este un Rebel,” cristalele, 1963
pe măsură ce se deschide acest paean produs de Spector pentru bad boys, urmăm o viziune la nivel de boot a Scorpionului trudging printr-o alee murdară. „Vezi cum merge pe stradă”, intonează fetele, funcționând ca un cor grecesc prin Motown. La această furie se adaugă bucăți de culoare albastră dintr-o imagine biblică brânzoasă, adesea citată ca filmul de familie drumul spre Ierusalim, care a fost probabil o versiune de film de acasă editată din serialul de televiziune din 1952 Biblia vie. Ca și în cazul descoperirii magice a „Blue Velvet” la radio, Anger susține că a găsit într-o zi tamburul de 16 mm al drumului spre Ierusalim așezat la ușa lui, livrat din greșeală în locul unei biserici din apropiere. Când Isus vindecă vederea unui orb, Scorpionul, îmbrăcat în polițist, lasă bilete false pe motociclete, iar furia aruncă într-o clipire și-ți va fi dor de un penis care iese dintr-o pereche de blugi pentru un efect complet profan. Mersul Scorpionului se potrivește cu cel al lui Isus trudging prin țara Sfântă cu ucenicii Săi în remorcare. Prin acest montaj de sunet și imagine, rebelul se contopește cu Mântuitorul, Scorpionul cu Hristos, eroul cu iubitul, polițistul cu criminalul.
9. „Lumini de petrecere”, Claudine Clark, 1962
„luminile de petrecere” ale lui Wonder Claudine Clark deschid ceea ce Anger a numit episodul „Noaptea Walpurgis”, referindu-se la credința folclorică că, în ultima seară a lunii aprilie, hoardele de vrăjitoare se adună pentru a se închina zeilor lor întunecați. Luminile de Crăciun strălucesc în spițele unei motociclete parcate, în timp ce Clark și cântăreții ei de rezervă mărturisesc: „lumini de petrecere, văd luminile de petrecere. Sunt roșii, albastre și verzi.”O bandă de tineri ajung în diverse costume demonice de Halloween și stări de dezbrăcare. Un motociclist musculos împinge capul unui prieten spre picioarele lui îmbrăcate în alb; un alt trecut în ceea ce pare a fi un costum Mickey Mouse. Mai multe imagini ale lui Isus și ale echipajului său propun paralele blasfemiatoare, dar, de asemenea, atrag atenția spirituală a limbajului revelației lui Clark. În literatura Teosofică, „Lucifer „este imaginat ca” Aducătorul luminii”, o etimologie pe care furia a citat-o frecvent; aici, Lucifer se contopește cu Isus,” Lumina lumii ” (Ioan 8:12).
criticul Tony Rayns a lăudat această secvență pentru utilizarea complexă a editării. „Idealul lui Eisenstein … este uimitor realizat în secvența” party lights””, a scris el în 1969. „în cazul în care aranjamentul dur și dens al melodiei … este egalat de o îngroșare a termenilor de referință din montaj, în timp ce versurile se referă în mod explicit la dezvoltarea filmului a scării sale de culori … și produce realizarea filmului la fel de bogată în rezonanță ca orice altceva al lui Eisenstein.”
10. „Tortura”, Kris Jensen, 1962
11. „Punctul fără întoarcere”, Gene McDaniels, 1962
„tortura” și „Point Of No Return” sunt două melodii în mare parte uitate și cele mai mici cartele Billboard ale the bunch. Kris Jensen nu a mai văzut niciodată un alt hit; Gene McDaniels va lucra mai târziu în primul rând ca producător și compozitor formidabil, mai ales pentru Roberta Flack, inserând conștiința neagră și ritmuri de jazz în pop cu melodii precum „comparativ cu ce.”Aici Jensen intonează” mă torturezi ” unui iubit nevăzut, pe măsură ce apar acte mai literale de chin în stil fraternitate: muștarul fierbinte turnat precar aproape de picioarele unui bărbat, în timp ce prietenii săi îl luptă la pământ; o lovitură subliminală a unui fund gol cicatrizat de abuz urmează o imagine a Scorpionului îndreptată în jos spre cizmă, ca și cum ar comanda ascultarea. Furia adaugă zgomotele bărbaților care strigă, scârțâiturile porcine și mai multe zgomote ale motorului, pe măsură ce filmul continuă în numărul mai lin și mai optimist al lui McDaniel. Dar, pe măsură ce vedem imagini ale unui miting de motociclete, ne gândim la James Dean și la moartea sa de mare viteză, iar versurile lui McDaniel capătă o ironie sumbră: „sunt la punctul fără întoarcere și pentru mine nu va mai fi nicio întoarcere.”
12. „Eu îl va urma,” micul Peggy martie, 1963
până acum, montajul lui Anger atinge un ton de febră: imaginile lui Hitler apar cu cele ale lui Hristos, pretinsul co-star al furiei Mickey Rooney ca puc din visul de noapte al unei nopți de vară și Scorpionul fluturând un steag cu capul morții, apoi urinându-și casca pe altarul unei biserici întunecate. Sunetele avioanelor, exploziilor și țipetelor se amestecă cu vocea lui March în timp ce cântă despre închinarea ei disperată și abjectă la „el.”Nazismul este echivalat cu creștinismul, iar rebelul este un dictator deghizat. Familiaritatea noastră cu cântecul pop canonic al lui March se evaporă pe măsură ce versurile sale se dezvăluie pentru ceea ce sunt cu adevărat: un imn al masochismului și dizolvarea completă a sinelui. În timp ce cântă punctul culminant al melodiei, fiecare cuvânt este alimentat de forța brutală a corzilor de vioară. Ea zgomote aceste cuvinte în grupuri de trei, ca în cazul în care pentru a convoca” el ” printr-o incantație:
îl iubesc
îl iubesc
îl iubesc
și unde merge
îl voi urma
îl voi urma
îl voi urma
îl voi urma
fie întotdeauna
dragostea mea adevărată
dragostea mea adevărată
dragostea mea adevărată
de acum până
pentru totdeauna
pentru totdeauna
pentru totdeauna
pentru totdeauna
din moment ce cel puțin 1964 proces obscenitate, Scorpio rising a fost interpretat un film „anti-fascist”. Rowe a citat furia spunând:” Mi se pare ridicolă ideea ca oricine să fie lider ” și, într-adevăr, filosofia Crowleyan susține un individualism radical. Dar dacă Scorpionul Rising oferă o critică a fascismului, o face doar evocând intensitățile perverse ale plăcerilor sale, atrăgând atracția erotică atât a dominației, cât și a supunerii.
13. „Șterge,” Surfaris, 1963
un breakout B-side la Surfari acum-necunoscut hit „Surfer Joe,” acest instrument extins începe cu un sunet crashing, urmat de un trase-out, Echo-camerate stoner cotcodăcit care duce în doar cuvintele piesei: „Hahahahahaha … șterge.”Filmările nocturne ale motocicliștilor care se plimbă pe străzile din Brooklyn se transformă într-o furtună roșie și neagră de cranii, lanțuri, fete go-go, crom strălucitor și o sirenă intermitentă, culminând cu apariția unui motociclist predispus la sol, întâmpinat de sunetele polițiștilor care sosesc. Pe brațul motociclistului abia am putea citi sloganul Beatnik al tatuajului său: binecuvântat, binecuvântat OBLIVION. Odată cu moartea motociclistului, supunerea sa la mașină merge până la punctul de autodistrugere.
„Wipe Out” este piesa unică din Scorpio Rising care nu este un cântec de dragoste. În schimb, sărbătorește Curtarea pericolului pe valurile oceanului. Dar, de asemenea, marchează o mare schimbare vine în muzica americană, și cultura de tineret care a sprijinit-o. „Wipe Out” prevestește sfârșitul inocenței sfioase a muzicii pop, anunțând domnia viitoare a rock-ului de garaj condus de chitară. Ritmurile noduroase ale „șterge” ar duce la alte forme de uitare—pustii Adolescente groase cu ceață purpurie—care la rândul lor ar evolua în nihilismul heavy metal și punk. Astfel, finalul Scorpionului Rising poate fi citit fie ca vestind moartea popului American, fie evocând transformarea sa ocultă.
Kenneth Anger ‘ s Scorpion Rising ecrane la Walker 20 August 2015, ca parte a cinematografiei Pop internaționale.
