Das Zentrum der Kunst: Ein Gespräch mit der Kritikerin und Kuratorin Karen Wilkin

Karen Wilkin (Foto von Donald Clinton)

Ich traf Karen Wilkin zum ersten Mal in den frühen 1990er Jahren, als ich meinen Bachelor-Abschluss in Kunstgeschichte an der University of Toronto absolvierte. Ich erinnere mich, wie ich überrascht war von dem Gedanken an einen New Yorker Kritiker und Kunsthistoriker, der jede Woche aus New York einflog, um moderne Kunst zu unterrichten. Ihre distinguierte Art, ihr unabhängiger Geist und die Klarheit, mit der sie über die Moderne sprach, machten mich sofort zu einem Fan. Sie lehrte mich die Geschichte der Kunstkritik und entzündete ein Feuer in mir, das weiter brennt.

Der gebürtige New Yorker Wilkin ist ein unabhängiger Kurator und Kritiker, der sich auf die Moderne des 20.Jahrhunderts spezialisiert hat. Sie ist Autorin zahlreicher Monographien, darunter Bände über Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland und David Smith.

Einige der vielen Bücher von Karen Wilkin

Sie unterrichtet am Master of Fine Arts Programm der New York Studio School. Sie ist Mitherausgeberin für Kunst bei The Hudson Review und schreibt regelmäßig für The New Criterion, Art in America und The Wall Street Journal. Sie ist auch Vorstandsmitglied der Triangle Arts Association mit Sitz in DUMBO, Brooklyn.

Unser Gespräch entstand aus einem informellen Austausch, bei dem ich mich fragte, warum ich sie nie zuvor über ihre Perspektive auf die Kunstwelt interviewt hatte.

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Hrag Vartanian: Einer der Gründe, warum ich mit Ihnen sprechen wollte, war, dass Sie vor einiger Zeit erwähnt haben, wie marginalisiert Sie sich in der Kunstwelt fühlen, und dann dachte ich mir: „Fühlt sich der größte Teil der Kunstwelt nicht von der Kunstwelt marginalisiert?“ Kannst du erklären, was du gemeint hast?

Karen Wilkin: Eines der Dinge, die ich und meine Kollegen, die an der Studio School unterrichten, unseren Schülern oft sagen, ist, dass es Kunst und die Kunstwelt gibt, und sie überschneiden sich nicht unbedingt. Ihr Satz darüber, dass sich der größte Teil der Kunstwelt von der Kunstwelt marginalisiert fühlt, scheint zutreffend zu sein, obwohl ich dazu neige, „die Kunstwelt“ als die öffentliche, öffentlichkeitsgetriebene, schicke Seite davon zu betrachten. (Siehe Derrida und die Instabilität der Bedeutung!)

Ein Blick auf einige der Werke, die kürzlich in einer Jack Bush Show gezeigt wurden, die Wilkin an der New York Studio School kuratiert hat.

Was ich meine ist, dass die Künstler, die mich interessieren, deren Arbeit ich genau verfolge und mit denen ich oft das Glück habe, Studiobeziehungen zu haben, wahrscheinlich nicht bald auf dem Cover von Flash Art stehen oder ihre Länder auf der Biennale in Venedig vertreten werden. Dass ich 2009 in der Jury des US-Pavillons saß, erscheint mir immer noch als eines der unwahrscheinlichsten Dinge, die ich je getan habe. Ich gehe nicht zu Kunstmessen und ich gehe nur zu Eröffnungen, wenn ich eine starke Verbindung zum Künstler habe oder es eine Show ist, die ich organisiert habe. Ich denke, ich arbeite genauso als Kunsthistoriker, was meine Ausbildung ist, als Zeitkritiker — ich habe enge Freunde unter Künstlern und auch unter Museumskuratoren verschiedener Disziplinen. Meine kuratorische Expertise ist die Moderne des 20.Jahrhunderts. Wenn ich mich von der zeitgenössischen Szene marginalisiert fühle, bedeutet das nicht, dass ich wünschte, ich wäre im Zentrum davon. Weit gefehlt. Meine sporadischen Kontakte mit dem modischen, eleganten Zentrum – noch bevor der Boden aus den Dingen fiel – haben mich nicht dazu gebracht, dauerhaft dort zu bleiben. Ich bin wahrscheinlich einfach zu alt und zu eingestellt in meinen Wegen. Kritiker bleiben oft bei ihrer Generation hängen. Ich vermisse wahrscheinlich den Punkt und die meisten Massenkultur-Anspielungen mit einem guten Teil der jüngsten Arbeit, obwohl ich dazu neige zu denken, dass, wenn die Arbeit gut genug ist, Bedeutung, aber arkan wird durchkommen.

HV: Das ist ein faszinierender Punkt, wenn es darum geht, sich dem „Zentrum“ der vermeintlichen Kunstwelt zu widersetzen. Aber dann frage ich mich, ist das alles eine Medienfabrikation? Zufällig, wo erhalten Sie Ihre Nachrichten über Kunst und wen lesen Sie?

KW: Interessante Frage. Es ist nicht alles eine Medienfertigung, aber es gibt sicherlich einen Aspekt des Stils oder genauer gesagt der Eleganz, der an dem beteiligt ist, was Aufmerksamkeit erregt, manchmal auf Kosten anderer Qualitäten — zu stark zu vereinfachen. Die Begeisterung für zeitgenössische Kunst, besonders wenn sie als „herausfordernd“, „provokativ“ oder „innovativ“ bezeichnet werden kann — alles Gute, wenn sie real ist — und / oder wenn sie von einem exotischen Ort kommt, verleiht Status. Das Sammeln von Kunst, die so beschrieben werden kann, verleiht noch mehr Status, wie das Sammeln alter Meister frisch geprägten Millionären im späten 19. Und das Klischee über aktuelle Kunstprofis und Kunstliebhaber, die Angst haben, reaktionär zu wirken oder Angst zu haben, etwas zu verpassen, wenn sie das Neueste, scheinbar Unverschämteste nicht annehmen, ist, wie die meisten Klischees, nicht unwahr. Wie viel davon angesichts des Wandels in der Wirtschaft wahr bleiben wird, weiß ich nicht.

Wilkin (Mitte) im Rahmen einer Triangle Arts Workshop Podiumsdiskussion im vergangenen Herbst in DUMBO, Brooklyn, NY.

Was lese ich? Ich abonniere keine Kunstzeitschriften, was vermeidet, dass mein Leben jeden Monat von Dingen überfallen wird, die mich wütend machen oder deprimieren. Ich erhalte natürlich Publikationen, für die ich schreibe, und die Atelierschule, in der ich im Masterstudiengang unterrichte, abonniert alles für die Bibliothek, damit ich nach Bedarf überfliegen kann. Wenn es etwas gibt, das ich nicht verpassen sollte, höre ich normalerweise davon – manchmal vom Thema oder vom Autor — also lege ich Wert darauf, es zu finden. Ich lese regelmäßig die Kunstberichterstattung in The Times, The Observer (was in letzter Zeit viel weniger interessant geworden ist) und The Brooklyn Rail, regelmäßig, mit unterschiedlichem Enthusiasmus. Peter Schjeldahl überrascht mich oft, Arthur Danto interessiert mich immer, auch wenn wir sehr unterschiedliche Einstellungen haben. Ich bin ein großer Fan von Michael Fried. Medienaffine Freunde senden mir, wie Sie wissen, Links zu bestimmten Dingen, von denen sie glauben, dass ich sie wissen sollte. Ich erhalte viele E-Mail-Ankündigungen von Künstlern, Galerien und Museen. Kollegen – Kuratoren und Kritiker – und Künstlerfreunde werden bestimmte Shows von Menschen empfehlen, die ich sonst vielleicht nicht kenne. Ich besuche eine ganze Reihe von Ateliers und versuche, zu allen Ausstellungen zu gelangen, zu denen Menschen gehören, an denen ich interessiert bin oder mit denen ich Verbindungen habe oder die empfohlen wurden. Es ist nicht sehr systematisch.

HV: Welchen Rat gibst du generell jungen Kunstkritikern, die über Kunst schreiben wollen und verwirrt zu sein scheinen, wie sie ihrer Leidenschaft nachgehen sollen? Hat sich aus Ihrer Sicht auch die Art der Arbeit der Kunstkritik im Laufe der Jahre stark verändert?

KW: Huch! Der beste Rat ist wahrscheinlich „Behalte deinen Job.“ Das ist kein gut bezahlter Beruf. Die besten Vergünstigungen sind Dinge wie der Zugang zu Ausstellungen ohne Menschenmassen. Einige Publikationen zahlen anständig, aber die meisten nicht. Das Entscheidende ist, weiter zu schauen, Kritiker zu lesen, die gut sehen und schreiben — und Strunk und White die Elemente des Stils aufnehmen — und weiter zu schreiben. Sei bereit, in der Öffentlichkeit falsch zu liegen. Es gibt keine beweisbaren richtigen Antworten. Widerstehen Sie der Mode. Lernen Sie so viel Kunstgeschichte wie möglich. Lesen Sie so weit wie möglich, um ein Gefühl für den Kontext dessen zu bekommen, was Sie sich ansehen — nicht alles wurde letzte Woche gemacht. Sie wissen, dass ich glaube, dass die beste Kritik durch Studioerfahrung informiert wird. Es hilft, die Schrauben und Muttern dessen zu kennen, was man sich ansieht, und zu wissen, worüber Künstler denken und reden, ist von unschätzbarem Wert — oder zumindest glaubte ich das, bevor protzige Künstleraussagen und proskriptive Künstlererklärungen routinemäßig begannen Kunstwerke begleiten. Viele etablierte Publikationen begrüßen kurze Rezensionen neuer Stimmen, aber Sie müssen bereit sein, sich Ablehnung zu stellen. Mir wurde gesagt, dass die Online-Welt Möglichkeiten bietet, aber Sie wissen viel mehr darüber als ich.

Giorgio Morandi, „Stillleben“ (1960) (via Museo Morandi)

Hat sich die Art des Jobs verändert? Ich denke, es bleibt die Verantwortung des Kritikers, seiner Erfahrung treu zu bleiben und zu versuchen, den Leser mitzunehmen. Es besteht die Verpflichtung, sich in die Arbeit hineinzudenken und sich so weit und tief wie möglich über den Kontext zu informieren, in dem die Arbeit entstanden ist. Im Idealfall beleuchtet Kritik das Kunstwerk. Einer der interessantesten „Credos der Kritiker“ wurde von der verstorbenen, legendären Lane Faison geschrieben, der Professor für Kunstgeschichte am Williams College, der dafür verantwortlich war, die heute erstaunliche Anzahl der heutigen amerikanischen Museumsdirektoren und Kuratoren überhaupt erst in die Kunst zu verwandeln. Sie kamen als Pre-Med-Jocks zu Williams und gingen als leidenschaftliche Kunsthistoriker. Er folgte Clem Greenberg als Kunstkritiker der Nation in den frühen 1950er Jahren:

„Erstens, um positiv über das vielversprechende neue Werk zu sprechen, das ich im Rahmen einer monatlichen Kolumne überprüfen kann. Zweitens, um nicht ungünstig darüber zu sprechen, was ich nicht mag, es sei denn, der Künstler hat einen etablierten Ruf. Drittens, nicht zu zögern, einen überhöhten Ruf anzugreifen. Viertens, um Ansprüche von Vergangenheit und Gegenwart auszugleichen. Fünftens, für informierte Konsumenten, nicht Produzenten von Kunst zu schreiben – auf der Theorie, dass Kritik wenig Grund hat zu erwarten, einen Künstler zu beeinflussen — der, wenn er gut ist, weiß, worum es ihm geht – und viel Grund zu der Hoffnung, ein sympathisches Publikum für Qualität in der Kunst zu entwickeln, wo auch immer sie erscheinen mag.“

HV: Das ist ein interessantes Argument, Künstler, die noch nicht „angekommen“sind, nicht zu kritisieren, aber ich verstehe diese Logik ehrlich gesagt nicht. Junge Künstler brauchen objektive Kritik an ihrer Arbeit, nicht wahr? Sollten wir nicht Oscar Wildes Vorschlag beherzigen, dass das einzige, worüber schlecht geredet wird, überhaupt nicht geredet wird?

Ein Blick auf die von Wilkin kuratierte Ausstellung „Color as Field“ während ihrer Ausstellung auf der SAAM im letzten Jahr.

KW: Ich denke, Faison sagt, dass es keinen Sinn hat, etwas negativ anzugreifen, wenn der Künstler ungeformt und neu ist. Geben Sie wem auch immer es Zeit ist, zu reifen und zu lernen, wenn Sie die Arbeit in der Öffentlichkeit sehen. Lassen Sie es einfach in Ruhe und speichern Sie Ihre brillante Beschimpfung für ein ernstes Ziel. Er schrieb dies natürlich, lange bevor es nicht ungewöhnlich war, dass Leute, die gerade die Kunstschule verlassen hatten oder noch nicht die Kunstschule verlassen hatten, sechs Werke gezeigt hatten. Junge Künstler brauchen rigorose Kritik, aber ich denke, es ist nützlicher im Studio als wenn die Arbeit da draußen ist. Gibt es so etwas wie objektive Kritik?)

HOCHSPG: Sie haben absolut Recht, dass es keine objektive Kritik gibt, aber ich weiß, dass viele Künstler nicht wissen, wohin sie sich wenden sollen, um eine andere Meinung über ihre Arbeit von jemandem zu erhalten, der nicht ihr Professor, Freund oder Familienmitglied ist, aber gleichzeitig über Kunst informiert ist und artikuliert, was sie mögen oder nicht mögen. Und warum denkst du, gibt es eine Begeisterung für super junge Künstler? Was ist mit der Idee passiert, dass Künstler reifen sollten?

KW: Eine Antwort von Freunden, Kollegen usw. ist in Ordnung, solange der Künstler dem Auge der antwortenden Person vertraut. Und manchmal bleiben die Leute in Kontakt mit ehemaligen Professoren. Familienmitglieder tragen wahrscheinlich zu viel Gepäck. Normalerweise schärft der Blick auf die Arbeit in Gegenwart von jemand anderem die Wahrnehmung des Herstellers irgendwie. Letztendlich müssen Künstler lernen, Verantwortung für ihre eigenen Entscheidungen zu übernehmen. Das Schlimmste ist, zu leicht zufrieden zu sein, aber gleichzeitig ist eine gewisse Sturheit erforderlich, die aus Vertrauen entsteht. Es ist schwierig und es gibt keine einfachen Antworten oder einfache Rezepte. Was für manche Menschen funktioniert, ist für andere katastrophal, aber niemand (außer außenstehenden Künstlern) macht Kunst im luftleeren Raum. Menschen bauen ihre eigenen Unterstützungssysteme auf. Ich bekomme Antworten von den Künstlern, über die ich schreibe, oder von den Kuratoren, deren Shows ich rezensiere, die ich hilfreich und ermutigend finde, und ich verbringe viel Zeit damit, mit Künstlern zu sprechen und ihre Arbeit mit ihnen zu betrachten oder mit Kuratorenkollegen zu sprechen.

Stuart Davis, „Eindruck der New Yorker Weltausstellung“ (Wandstudie, Kommunikationsgebäude, Weltausstellung, Flushing, New York), (1938) (über Saams Flickrstream)

Was ist mit der Idee passiert, dass Künstler reifen sollten? Ich vermute, dass die Begeisterung für junge, oft ungeformte Künstler etwas mit der alten Angst zu tun hat, etwas zu verpassen, etwas abzulehnen, das später als Verdienst anerkannt wurde, oder Angst, reaktionär, un-hip usw. zu wirken. – die üblichen heiseren Geschichten darüber, wie die Impressionisten als unfähig angesehen wurden usw. Aber es hat wahrscheinlich mehr mit der Begeisterung für die Jugendkultur im Allgemeinen zu tun, der Wunsch, Zeichen des Alterns und den ganzen Rest davon zu beseitigen. Es kann etwas mit den kurzen Aufmerksamkeitsspannen und dem Wunsch nach Geschwindigkeit zu tun haben, in allen Aspekten des Lebens, bei Menschen, die mit den Rhythmen und dem Tempo von MTV aufgewachsen sind, TV-Nachrichten, und jetzt twittern. Kunst ist in manchen Kreisen zu einem ziemlich entbehrlichen Gut geworden – schauen Sie sich die nächste neue Sache an und fahren Sie dann fort. Es gibt keine Notwendigkeit für Durchhaltevermögen oder Evolution, nur die schnelle Lösung, schnell begriffen (um Metaphern zu mischen). Viele Arbeiten sehr junger Künstler scheinen mit minimalem Aufwand als schneller Einzeiler und nicht als Teil eines wachsenden Werkes entstanden zu sein. Aber ein Teil der Erklärung muss sein, dass ein Großteil des Publikums für zeitgenössische Kunst jung ist und gerne Werke sieht, die aus ihren eigenen Annahmen und ihrem eigenen Kontext sprechen. Aber ich frage mich, ob sich die Bereitschaft — oder der Eifer — der Händler, unausgegorene Arbeiten zu zeigen, angesichts der Art und Weise, wie sich die Kunstwelt als Reaktion auf das Wirtschaftsklima verändert und Künstlern mit einer gewissen Erfolgsbilanz Vorrang einräumt, nicht ändern könnte. Das ist natürlich Spekulation.