Taiteen keskus: Keskustelu kriitikko & kuraattori Karen Wilkinin kanssa

Karen Wilkin (kuva: Donald Clinton)

tapasin Karen Wilkinin ensimmäisen kerran 1990-luvun alussa, kun olin suorittamassa taidehistorian perustutkintoa Toronton yliopistossa. Muistan hämmästyneeni erään newyorkilaisen kriitikon ja taidehistorioitsijan ajatusta, joka lensi joka viikko New Yorkista opettamaan modernia taidetta. Hänen ansiokas tapansa, itsenäinen henkensä ja selkeys, jolla hän puhui modernismista, tekivät minusta välittömän ihailijan. Hän opetti minulle taidekritiikin historiaa ja sytytti sisälleni tulen, joka palaa edelleen.

New Yorkista kotoisin oleva Wilkin on itsenäinen kuraattori ja kriitikko, joka on erikoistunut 1900-luvun modernismiin. Hän on kirjoittanut lukemattomia monografioita muun muassa Anthony Carosta, Stuart Davisista, Helen Frankenthalerista, Edward Goreysta, Hans Hofmannista, Kenneth Nolandista ja David Smithistä.

joitakin Karen Wilkinin kirjoittamia kirjoja

hän opettaa New Yorkin Studio Schoolin Master of Fine Arts-ohjelmassa. Hän on the Hudson Review-lehden avustava toimittaja ja New Criterionin, Art in America-lehden ja Wall Street Journalin säännöllinen avustaja. Hän on myös Brooklynin Dumbossa päämajaansa pitävän Triangle Arts Associationin hallituksen jäsen.

keskustelumme syntyi epävirallisesta sananvaihdosta, joka sai minut ihmettelemään, miksen ole koskaan aiemmin haastatellut häntä hänen näkökulmastaan taidemaailmaan.

* * *

Hrag Vartanian: yksi syy, miksi halusin puhua kanssasi oli se, että jokin aika sitten mainitsit kuinka marginalisoituneeksi tunsit itsesi taidemaailmassa, ja sitten ajattelin itsekseni, ”eikö suurin osa taidemaailmasta tunne, että taide on marginalisoitunut?”Voitko selittää, mitä tarkoitit?

Karen Wilkin: Minä ja Ateljeekoulussa opettavat kollegani sanomme usein oppilaillemme, että on taidetta ja taidemaailmaa, eivätkä ne välttämättä mene päällekkäin. Lauseesi siitä, että suurin osa taidemaailmasta tuntee itsensä marginalisoiduksi taidemaailman toimesta, vaikuttaa osuvalta, vaikka minulla on tapana ajatella ”taidemaailmaa” sen yleisönä, julkisuusvetoisena, tyylikkäänä puolena. (Katso Derrida ja merkityksen epävakaus!)

katsaus joihinkin New Yorkin Studio Schoolissa kuratoidun Jack Bush-show ’ n teoksiin.

tarkoitan sitä, että taiteilijat, joista olen kiinnostunut, joiden työtä seuraan tiiviisti ja joiden kanssa minulla on usein onni olla studiosuhteissa, eivät todennäköisesti pääse Flash Artin kanteen lähiaikoina tai edustamaan maitaan Venetsian biennaalissa. Se, että olin tuomaristossa vuoden 2009 Yhdysvaltain paviljongissa, tuntuu yhä epätodennäköisimmältä asialta, jonka olen koskaan tehnyt. En käy taidemessuilla ja menen avajaisiin vain, jos minulla on vahva yhteys taiteilijaan tai kyseessä on järjestämäni show. Toimin varmaankin yhtä paljon kuin taidehistorioitsija, mikä on koulutukseni, aikalaiskriitikkona – minulla on läheisiä ystäviä taiteilijoiden ja myös eri tieteenalojen museokuraattoreiden keskuudessa. Kuratorinen osaamiseni on 1900-luvun modernismia. Jos tunnen itseni marginalisoiduksi nykytilanteesta, se ei tarkoita, että toivoisin olevani sen keskipisteessä. Kaukana siitä. Satunnaiset yhteyteni modiiseen, eleganttiin keskustaan-jo ennen kuin pohja tippui tavaroista-eivät ole saaneet minua haluamaan jäädä sinne pysyvästi. Olen varmaan liian vanha ja liian kiintynyt tapoihini. Kriitikot juuttuvat usein sukupolveensa. Olen luultavasti puuttuu pointti ja useimmat massakulttuurin viittaukset paljon viimeaikaista työtä, vaikka minulla on taipumus ajatella, että jos työ on tarpeeksi hyvä, tarkoittaen, kuitenkin arcane tulee läpi.

HV: siinäpä kiehtova pointti oletetun taidemaailman ”Keskuksen” vastustamisessa. Mutta sitten mietin, onko kaikki median keksimää? Sattumalta, mistä saat uutisesi taiteesta ja ketä luet?

KW: mielenkiintoinen kysymys. Kaikki ei ole median keksimää, mutta on varmasti osa tyyliä tai tarkemmin, tyylikkyys, mukana mikä saa huomiota, joskus kustannuksella muita ominaisuuksia — yksinkertaistetaan liikaa. Innostus nykytaiteeseen, varsinkin jos sitä voidaan kuvata ”haastavaksi”, ”provokatiiviseksi” tai ”huipputasoiseksi” — kaikki hyvät asiat, kun ne ovat todellisia — ja/tai jos se tulee jostain eksoottisesta, antaa statuksen. Keräily taidetta, joka voidaan kuvata tällä tavalla antaa vielä enemmän asemaa, tapa kerätä vanhoja mestareita antoi aseman Vasta lyöty miljonäärejä myöhään 19th century. Ja klisee siitä, että nykyiset taiteen ammattilaiset ja taiteen ystävät pelkäävät näyttäytyvänsä taantumuksellisina tai pelkäävänsä jäävänsä paitsi jostakin, jos he eivät hyväksy uusinta, mitä ilmeisimmin törkeää asiaa, on, kuten useimmat kliseet, ei perätön. En tiedä, kuinka suuri osa tästä pysyy totena, kun otetaan huomioon talouden muutos.

Wilkin (keskellä) osana Triangle Arts Workshopin paneelikeskustelua viime syksynä Dumbossa, Brooklynissa, NY.

mitä luen? En tilaa mitään taidelehtiä, jolloin vältyn siltä, että joka kuukausi elämääni tunkeutuvat asiat, jotka raivostuttavat tai masentavat minua. Saan julkaisuja kirjoitan, tietenkin, ja Studio koulu, jossa opetan Masters-ohjelma, tilaa kaiken, kirjastoon, jotta voin skim, tarpeen mukaan. Jos on jotain, mitä minun ei pitäisi missata, kuulen siitä yleensä-joskus aiheesta tai tekijästä-joten pyrin löytämään sen. Olen lukenut säännöllisesti The Times, The Observer (joka on saanut paljon vähemmän mielenkiintoinen viime aikoina) ja Brooklyn Rail, säännöllisesti, vaihtelevalla innostuksella. Peter Schjeldahl yllättää minut usein, Arthur Danto kiinnostaa minua aina, vaikka meillä on hyvin erilaisia ottoja. Olen Michael Friedin suuri fani. Media taju ystävät, kuten tiedätte, lähettää minulle linkkejä tiettyihin asioihin, jotka heidän mielestään minun pitäisi tietää. Saan paljon sähköposti-ilmoituksia taiteilijoilta, gallerioilta ja museoilta. Kollegat-kuraattorit ja kriitikot-ja taiteilijaystävät suosittelevat tiettyjä esityksiä ihmisistä, joista en ehkä muuten tiedä. Vierailen melkoisessa määrässä studioita ja yritän päästä kaikkiin näyttelyihin, joissa on mukana ihmisiä, joista olen kiinnostunut tai joihin minulla on yhteyksiä, tai joita on suositeltu. Se ei ole kovin systemaattista.

HV: mitä neuvoja annat yleensä nuorille taidekriitikoille, jotka haluavat kirjoittaa taiteesta ja vaikuttavat hämmentyneiltä siitä, miten intohimonsa voi toteuttaa? Onko taidekritiikin työn luonne mielestäsi muuttunut paljon vuosien varrella?

KW: Yikes! Paras neuvo lienee ” pidä päivätyösi.”Tämä ei ole hyvin palkittu ammatti. Parhaita etuja ovat asiat, kuten pääsy näyttelyihin ilman väkijoukkoja. Muutamat julkaisut maksavat asiallisesti, mutta useimmat eivät. Oleellista on jatkaa katsomista, lukea kriitikoita, jotka näkevät ja kirjoittavat hyvin — ja omaksua Strunk ja White tyylin elementit — ja jatkaa kirjoittamista. Ole valmis olemaan väärässä julkisesti. Ei ole mitään todistettavissa olevia oikeita vastauksia. Vastusta muotia. Opi niin paljon taidehistoriaa kuin pystyt. Lue niin laajasti kuin pystyt, jotta saat käsityksen asiayhteydestä, mitä katsot — kaikkea ei tehty viime viikolla. Uskon, että paras kritiikki perustuu studiokokemukseen. Se auttaa tietää mutterit ja pultit mitä katsot ja tietäen, mitä taiteilijat ajattelevat ja puhua on korvaamaton — tai ainakin, käytin uskoa tätä, ennen teennäinen taiteilijoiden lausuntoja ja proscriptive taiteilijoiden explications alkoi rutiininomaisesti mukana taideteoksia. Monissa vakiintuneissa julkaisuissa suhtaudutaan myönteisesti uusien äänien lyhyisiin arvosteluihin, mutta on oltava valmis kohtaamaan torjuntaa. Minulle on kerrottu, että nettimaailma tarjoaa mahdollisuuksia, mutta sinä tiedät siitä paljon enemmän kuin minä.

Giorgio Morandi, ”asetelma” (1960) (via Museo Morandi)

onko työn luonne muuttunut? Mielestäni kriitikon velvollisuus on edelleen olla uskollinen kokemukselleen ja yrittää saada lukija mukaan siihen. On velvollisuus ajatella tiensä työhön ja kertoa mahdollisimman laajasti ja syvällisesti siitä, missä kontekstissa työ on tehty. Ihannetapauksessa kritiikki valaisee taideteosta. Yhden kiinnostavimmista ”kriitikoiden credoista” kirjoitti edesmennyt, legendaarinen Lane Faison, Williams Collegen taidehistorian professori, joka oli vastuussa siitä, että hämmästyttävän moni nykyisistä amerikkalaisista museonjohtajista ja kuraattoreista on ylipäätään siirtynyt taiteeseen. He tulivat Williamsille lääkistä valmistelevina urheilijoina ja lähtivät intohimoisina taidehistorioitsijoina. Hän seurasi Clem Greenbergiä kansakunnan taidekriitikkona 1950-luvun alussa:

”aluksi puhuakseen suopeasti mistä tahansa lupaavasta uudesta teoksesta, jota pystyn kuukausittain ilmestyvän kolumnin rajoissa tarkastelemaan. Toiseksi, en puhu kielteisesti siitä, mistä en pidä, ellei taiteilijalla ole vakiintunutta mainetta. Kolmanneksi ei pidä epäröidä hyökätä paisuneen maineen kimppuun. Neljänneksi, vastapainoksi menneisyyden ja nykyisyyden väitteille. Viidentenä asiana on kirjoittaa taiteen valistuneille kuluttajille, ei tuottajille-sillä teorialla, että kritiikillä ei ole juurikaan syytä odottaa vaikuttavansa taiteilijaan — joka, jos hän on yhtään hyvä, tietää mistä on kyse — ja paljon syytä toivoa saavansa sympaattisen yleisön taiteen laadulle, esiintyipä sitä missä tahansa.”

HV: tuo on mielenkiintoinen argumentti siitä, ettei kritisoida artisteja, jotka eivät ole vielä ”saapuneet”, mutta en rehellisesti ymmärrä tuota logiikkaa. Nuoret taiteilijat kaipaavat objektiivista kritiikkiä töitään kohtaan. Eikö meidän pitäisi noudattaa Oscar Wilden ehdotusta, että ainoa asia, josta puhutaan huonosti, on se, ettei siitä puhuta lainkaan?

a view of the ”Color as Field” Exhibition kurated by Wilkin during its showing at SAAM last year.

KW: faisonin mielestä on turha hyökätä jotain vastaan negatiivisesti, Jos taiteilija on muotoilematon ja uusi. Anna kenelle tahansa aikaa kypsyä ja oppia siitä, että näkee treenit julkisesti. Jätä se rauhaan ja säästä nerokas inventiivisi vakavaan kohteeseen. Hän kirjoitti tämän tietenkin jo kauan ennen kuin ei ollut tavatonta, että juuri taidekoulusta tai ei vielä taidekoulusta päässeet ihmiset, jotka olivat tehneet kuusi teosta, olivat esillä. Nuoret taiteilijat kaipaavat tiukkaa kritiikkiä, mutta minusta siitä on enemmän hyötyä studiossa kuin silloin, kun teos on esillä. (Onko olemassa objektiivista kritiikkiä?)

HV: Olet aivan oikeassa siinä, että objektiivista kritiikkiä ei ole olemassakaan, mutta tiedän, että monet taiteilijat eivät tiedä, mistä etsiä toista mielipidettä työstään joltakulta, joka ei ole heidän professorinsa, ystävänsä tai perheenjäsenensä, mutta samalla informoitu taiteesta ja artikuloitu siitä, mistä he pitävät tai eivät pidä. Ja miksi mahtaa olla villitys supernuoriin artisteihin? Mitä tapahtui ajatukselle, että taiteilijoiden pitäisi kypsyä?

KW: vastaus ystäviltä, kollegoilta jne. on ihan hyvä, kunhan taiteilija luottaa vastaajan silmään. Joskus ihmiset pitävät yhteyttä entisiin professoreihin. Perheenjäsenet kantavat todennäköisesti liikaa matkatavaroita. Yleensä jo pelkkä työn katsominen jonkun muun läsnä ollessa terävöittää tekijän käsityksiä jotenkin. Viime kädessä taiteilijoiden on opittava ottamaan vastuu omista päätöksistään. Pahinta on olla liian helposti tyytyväinen, mutta samalla vaaditaan tiettyä itsevarmuudesta syntyvää jääräpäisyyttä. Se on vaikeaa, eikä yksinkertaisia vastauksia tai yksinkertaisia reseptejä ole. Se, mikä toimii joillekin, on tuhoisaa toisille, mutta kukaan (paitsi outsider-taiteilijat) ei tee taidetta tyhjiössä. Ihmiset rakentavat omia tukijärjestelmiään. Saan vastauksia taiteilijoilta, joista kirjoitan, tai kuraattoreilta, joiden esityksiä arvostelen, jotka ovat mielestäni hyödyllisiä ja rohkaisevia, ja vietän paljon aikaa keskustellen taiteilijoiden kanssa ja katsellen heidän työtään heidän kanssaan tai keskustellen kuraattorikollegoiden kanssa.

Stuart Davis, ”Impression of The New York World ’s Fair” (mural study, Communications Building, World ’s Fair, Flushing, New York), (1938) (via SAAM’ s Flickrstream))

mitä tapahtui ajatukselle, että taiteilijoiden pitäisi kypsyä? Epäilen, että nuorten, usein muotoilemattomien taiteilijoiden villityksellä on jotain tekemistä vanhan pelon kanssa siitä, että he menettävät jotain, hylkäävät jotain, mikä myöhemmin tunnustetaan ansioksi tai että he pelkäävät näyttäytyvänsä taantumuksellisina, epämuodollisina jne. – tavallisia huuhaatarinoita siitä, miten impressionisteja pidettiin taitamattomina jne. Mutta se varmaan liittyy enemmän nuorisokulttuurin villitykseen yleensä, haluun poistaa ikääntymisen merkkejä ja kaikkea muuta. Sillä voi olla jotain tekemistä sen lyhyen huomion ja vauhdin halun kanssa, kaikilla elämän osa-alueilla, ihmisillä, jotka ovat kasvaneet MTV: n, TV-uutisten ja nyt tviittaamisen rytmien ja tahdin kanssa. Taiteesta on tullut joissakin piireissä aika uhrattavissa olevaa tavaraa-tsekkaa seuraava uusi juttu ja jatka sitten eteenpäin. Ei ole tarvetta pysyä voimassa tai evoluutio, vain nopea korjaus, nopeasti kiinni (sekoittaa metaforia). Suuri osa hyvin nuorten taiteilijoiden töistä tuntuu tehdyn vähällä vaivalla, nopeana linerinä, eikä osana kasvavaa työkokonaisuutta. Osaselitys lienee kuitenkin se, että suuri osa nykytaiteen yleisöstä on nuoria ja haluaa nähdä teoksia, jotka puhuvat omista oletuksistaan ja omasta kontekstistaan. Mutta ihmettelen, eikö välittäjien halukkuus — tai into — näyttää puolivillaista työtä-ehkä muutu, kun otetaan huomioon, miten taidemaailma muuttuu taloustilanteessa ja asettaa etusijalle taiteilijat, joilla on jotain ansiokasta. Se on tietysti spekulaatiota.