A művészet központja: beszélgetés a kritikussal & kurátor Karen Wilkin

Karen Wilkin (fotó: Donald Clinton))

először az 1990-es évek elején találkoztam Karen Wilkinnel, amikor a Torontói Egyetemen végeztem művészettörténeti diplomát. Emlékszem, hogy megdöbbentett egy New York-i kritikus és művészettörténész gondolata, aki minden héten New Yorkból repült ide, hogy modern művészetet tanítson. Kiváló modora, független szelleme és az a tisztaság, amellyel a modernizmusról beszélt, azonnali rajongóvá tett. Megtanította nekem a művészetkritika történetét, és olyan tüzet gyújtott bennem, amely továbbra is ég.

A New York-i születésű Wilkin független kurátor és kritikus, aki a 20.századi modernizmusra szakosodott. Számtalan monográfia szerzője, köztük Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland és David Smith kötetei.

néhány a sok könyv szerzője Karen Wilkin

tanít a Master of Fine Arts program A New York Studio School. A Hudson Review Művészeti szerkesztője, és rendszeresen közreműködik a The New Criterion, az Art in America és a Wall Street Journal munkájában. A Triangle Arts Association igazgatósági tagja is, amelynek székhelye Dumbo, Brooklyn.

beszélgetésünk egy informális eszmecseréből fakadt, ami elgondolkodtatott, hogy miért nem készítettem vele korábban interjút a művészeti világ perspektívájáról.

* * *

Hrag Vartanian: az egyik ok, amiért beszélni akartam veled, az volt, hogy egy ideje megemlítetted, mennyire marginalizáltnak érezted magad a művészeti világban, aztán azt gondoltam magamban, “nem érzi-e a művészeti világ nagy része marginalizáltnak a művészeti világ által?”Meg tudod magyarázni, hogy mit értettél?

Karen Wilkin: Az egyik dolog, amit én és a kollégáim, akik a Stúdióiskolában tanítanak, gyakran mondunk a diákjainknak, hogy van művészet és van a művészeti világ,és nem feltétlenül fedik egymást. A kifejezés a legtöbb művészeti világ érzés marginalizálódott a művészeti világ úgy tűnik, pontos, bár én inkább úgy gondolja, a “művészeti világ”, mint a nyilvánosság, a nyilvánosság által vezérelt, elegáns oldala. (Lásd Derrida és a jelentés instabilitása!)

a nézet néhány művek szerepelnek a közelmúltban Jack Bush show Wilkin kurátora a New York Studio School.

arra gondolok, hogy azok a művészek, akik iránt érdeklődöm, akiknek munkáit szorosan követem, és akikkel gyakran van szerencsém stúdiókapcsolatokat kialakítani, nem valószínű, hogy a közeljövőben a Flash Art címlapján szerepelnének, vagy képviselnék országukat a Velencei Biennálén. Az, hogy a 2009-es amerikai pavilon esküdtszékében voltam, még mindig az egyik leghihetetlenebb dolognak tűnik, amit valaha tettem. Nem járok Művészeti vásárokra, és csak akkor megyek megnyitókra, ha szoros kapcsolatom van a művésszel, vagy ez egy olyan műsor, amelyet én szerveztem. Úgy gondolom, hogy művészettörténészként is dolgozom, ami az én képzésem, mint Kortárs kritikus — közeli barátaim vannak a művészek és a különböző tudományágak múzeumi kurátorai között is. Kurátori szakértelmem a 20. századi modernizmus. Ha úgy érzem, hogy a kortárs jelenet marginalizálódik, ez nem azt jelenti, hogy bárcsak a középpontjában lennék. Távolról sem. Szórványos kapcsolataim a modisokkal, az elegáns központ — még mielőtt az alja kiesett volna a dolgokból-nem késztetett arra, hogy állandóan ott maradjak. Lehet, hogy túl öreg vagyok, és túlságosan el vagyok ragadtatva. A kritikusok gyakran elakadnak generációjukkal. Én valószínűleg hiányzik a lényeg, és a legtöbb tömegkultúra utalások egy jó adag friss munka, bár én inkább úgy gondolja, hogy ha a munka elég jó, ami azt jelenti, azonban misztikus jön át.

HV: ez egy lenyűgöző pont a feltételezett művészeti világ “központjának” való ellenállásról. De akkor azon tűnődöm, vajon az egész a Média koholmánya? Hol kapod a híreket a művészetről, és kiket olvasol?

KW: érdekes kérdés. Ez nem mind a Média koholmánya, de minden bizonnyal van a stílusnak vagy pontosabban a stílusnak egy aspektusa, amely részt vesz abban, ami figyelmet kap, néha más tulajdonságok rovására — túlságosan egyszerűsíteni. A kortárs művészet iránti lelkesedés, különösen, ha “kihívónak”, “provokatívnak” vagy “élvonalbeli” — minden jó dolog, ha valódi — és/vagy ha valami egzotikus helyről származik, státuszt ad. Az így leírható művészet gyűjtése még több státuszt biztosít, a régi mesterek gyűjtésének módja az újonnan vert milliomosok státusát adta a 19.század végén. És az a közhely, hogy a jelenlegi művészeti szakemberek és a művészet szerelmesei félnek attól, hogy reakciósnak tűnjenek, vagy attól tartanak, hogy lemaradnak valamiről, ha nem fogadják el a legújabb, látszólag felháborító dolgot, mint a legtöbb közhely, nem igaz. Hogy ebből mennyi marad igaz, tekintettel a gazdaság változására, fogalmam sincs.

Wilkin (középen) a Triangle Arts Workshop panelbeszélgetésének részeként tavaly ősszel Dumbóban, Brooklynban, NY.

mit olvasok? Nem iratkozom fel semmilyen Művészeti magazinra, ami elkerüli, hogy az életemet minden hónapban olyan dolgok támadják meg, amelyek feldühítenek vagy lehangolnak. Természetesen kapok kiadványokat, amelyeknek írok, és a Stúdióiskola, ahol a mesterképzésben tanítok, mindenre feliratkozik, a könyvtárra, így szükség szerint lefölözhetem. Ha van valami, amit nem szabad kihagynom, általában hallok róla — néha a témától vagy a szerzőtől—, ezért pontot teszek annak megtalálására. Rendszeresen olvasom a The Times, a The Observer (amely az utóbbi időben sokkal kevésbé érdekes lett) és a Brooklyn Rail Művészeti tudósításait, rendszeresen, változó lelkesedéssel. Peter Schjeldahl gyakran meglep, Arthur Danto mindig érdekel, még akkor is, ha nagyon különböző felvételeink vannak. Nagy rajongója vagyok Michael Friednek. Média hozzáértés barátok, mint tudod, küldj nekem linkeket konkrét dolgokat, hogy úgy érzik, tudnom kell. Sok e-mailt kapok művészektől, galériáktól és múzeumoktól. Kollégák-kurátorok és kritikusok – és művészbarátok ajánlanak bizonyos műsorokat olyan embereknek, akikről egyébként nem tudok. Számos stúdiót látogatok meg, és megpróbálok eljutni az összes olyan kiállításra, amelyek olyan embereket tartalmaznak, akiket érdekel, vagy akikkel kapcsolatban állok, vagy akiket ajánlottak. Nem túl szisztematikus.

HV: milyen tanácsot ad általában azoknak a fiatal művészkritikusoknak, akik a művészetről szeretnének írni, és zavarodottnak tűnnek a szenvedélyük folytatásában? Továbbá, véleménye szerint a művészetkritika munkájának jellege sokat változott az évek során?

KW: Yikes! A legjobb tanács valószínűleg ” tartsa meg a napi munkáját.”Ez nem egy jól megjutalmazott szakma. A legjobb juttatások olyan dolgok, mint a kiállításokhoz való hozzáférés tömeg nélkül. Néhány kiadvány tisztességesen fizet, de a legtöbb nem. A legfontosabb dolog az, hogy folyamatosan keressük, olvassuk a kritikusokat, akik jól látják és írják — és elnyelik a stílus elemeit — és tovább írják. Legyen hajlandó tévedni a nyilvánosság előtt. Nincsenek bizonyítható helyes válaszok. Ellenálljon a divatnak. Tanulj annyi művészettörténetet, amennyit csak tudsz. Olvassa el a lehető legszélesebb körben, hogy megértse annak kontextusát, amit néz — nem minden készült a múlt héten. Tudod, hogy úgy gondolom, hogy a legjobb kritikát a stúdió tapasztalata tájékoztatja. Segít megismerni annak a csavarjait és csavarjait, amit nézünk, és tudni, hogy a művészek mit gondolnak és beszélnek, felbecsülhetetlen — vagy legalábbis ezt hittem, mielőtt az igényes művészek kijelentései és a tiltó művészek magyarázatai rutinszerűen kísérik a műalkotásokat. Számos megalapozott publikáció üdvözli az új hangok rövid áttekintését, de hajlandónak kell lennie az elutasításra. Azt mondták, hogy az online világ lehetőségeket kínál, de sokkal többet tudsz erről, mint én.

Giorgio Morandi, “Csendélet” (1960) (via Morandi Múzeum))

megváltozott a munka jellege? Úgy gondolom, hogy a kritikus felelőssége továbbra is az, hogy hű legyen a tapasztalatához, és megpróbálja magával hozni az olvasót. Kötelessége, hogy átgondolja az utat a munkába, és a lehető legszélesebb körben és mélyen tájékoztassa magát arról a kontextusról, amelyben a munka készült. Ideális esetben a kritika megvilágítja a műalkotást. Az egyik legérdekesebb “kritikus kredót” a néhai, legendás Lane Faison írta, a Williams College művészettörténet professzora, aki elsősorban azért volt felelős, hogy a mai amerikai múzeumigazgatók és kurátorok elképesztő számát a művészetre fordította. Úgy jöttek a Williamshez, mint az orvosira, és úgy távoztak, mint szenvedélyes művészettörténészek. Sikerült Clem Greenberg mint a nemzet művészetkritikusa, az 1950-es évek elején:

“először is, hogy kedvezően beszéljek bármilyen ígéretes új műről, amelyet egy havi oszlop keretein belül áttekinthetek. Másodszor, nem beszélek kedvezőtlenül arról, amit nem szeretek, hacsak a művésznek nincs megalapozott hírneve. Harmadszor, ne habozzon megtámadni egy felfújt hírnevet. Negyedszer, hogy egyensúlyba hozzuk a múlt és a jelen állításait. Ötödször, a művészet tájékozott fogyasztóinak, nem pedig producereinek írni — arról az elméletről, hogy a kritikának kevés oka van arra számítani, hogy befolyásolja a művészt — aki, ha jó, tudja, miről szól—, és sok oka van reménykedni abban, hogy szimpatikus közönséget alakít ki a művészet minőségére, bárhol is jelenjen meg.”

HV: ez egy érdekes érv arról, hogy nem kritizáljuk azokat a művészeket, akik még nem “érkeztek”, de őszintén szólva nem értem ezt a logikát. A fiatal művészeknek objektív kritikára van szükségük munkájukról, nem igaz? Nem kellene figyelembe vennünk Oscar Wilde javaslatát, miszerint az egyetlen dolog, ami rosszabb, ha rosszul beszélnek róla, az az, hogy egyáltalán nem beszélnek róla?

a kilátás a “Color as Field” kiállítás kurátora Wilkin során bemutató SAAM tavaly.

KW: azt hiszem, Faison azt mondja, hogy nincs értelme negatívan támadni valamit, ha a művész formátlan és új. Adj időt annak, aki érett, és tanuljon abból, hogy nyilvánosan látja a munkát. Csak hagyja békén, és mentse a briliáns invective egy komoly cél. Ezt írta, természetesen, jóval azelőtt, hogy nem volt szokatlan, hogy az emberek csak a művészeti iskolából, vagy még nem a művészeti iskolából, akik hat művet mutattak be. A fiatal művészeknek szigorú kritikára van szükségük, de szerintem sokkal hasznosabb a stúdióban, mint amikor a munka odakint van. Létezik-e objektív kritika?)

HV: Teljesen igaza van abban, hogy nincs objektív kritika, de tudom, hogy sok művész nem tudja, hová forduljon más véleményért munkájáról valakitől, aki nem a professzora, barátja vagy családtagja, de ugyanakkor tájékozott a művészetről, és megfogalmazza, hogy mit szeret vagy nem szeret. Szerinted miért van őrület a szuper fiatal művészek számára? Mi történt azzal a gondolattal, hogy a művészeknek érettnek kell lenniük?

KW: barátok, kollégák stb. rendben van, mindaddig, amíg a művész bízik a válaszadó szemében. És néha az emberek tartják a kapcsolatot a korábbi professzorokkal. A családtagok valószínűleg túl sok poggyászt hordoznak. Általában csak valaki más jelenlétében nézi a munkát, valahogy élesíti a készítő felfogását. Végül a művészeknek meg kell tanulniuk felelősséget vállalni saját döntéseikért. A legrosszabb dolog az, hogy túl könnyen elégedett, de ugyanakkor, egy bizonyos mennyiségű makacsság született bizalom van szükség. Nehéz, és nincsenek egyszerű válaszok vagy egyszerű receptek. Ami néhány ember számára működik, mások számára katasztrofális, de senki (kivéve a kívülálló művészeket) vákuumban teszi a művészetet. Az emberek saját támogatási rendszereket építenek. Kapok válaszokat azoktól a művészektől, akikről írok, vagy azoktól a kurátoroktól, akiknek a műsorait áttekintem, és hasznosnak és bátorítónak találom, és sok időt töltök azzal, hogy beszélgetek a művészekkel, és megnézem velük a munkájukat, vagy beszélek a Kurátor kollégákkal.

Stuart Davis, “A New York-i Világkiállítás benyomása” (falfestménytanulmány, kommunikációs épület, Világkiállítás, Flushing, New York), (1938) (a SAAM Flickrstream útján)

mi történt azzal a gondolattal, hogy a művészeknek érettnek kell lenniük? Gyanítom, hogy a fiatal, gyakran formálatlan művészek iránti őrületnek köze van ahhoz a régi félelemhez, hogy hiányzik valami, Elutasít valamit, amelyet később érdemként vagy rettegésként ismernek el reakciósnak, csípőnek stb. — a szokásos rekedt történetek arról, hogy az impresszionistákat hogyan tekintették alkalmatlannak stb. De valószínűleg több köze van az ifjúsági kultúra őrületéhez általában, az öregedés jeleinek megszüntetésére irányuló vágyhoz és az összes többihez. Lehet, hogy valami köze van a rövid figyelemfelkeltéshez és a sebesség iránti vágyhoz, az élet minden területén, azokban az emberekben, akik az MTV, a TV news és a tweetelés ritmusával és ütemével nőttek fel. A művészet bizonyos körökben elég felhasználható árucikké vált-nézze meg a következő új dolgot, majd lépjen tovább. Nincs szükség a kitartás vagy az evolúció, csak a gyors javítás, gyorsan elfogták (keverni metaforák). Úgy tűnik, hogy a nagyon fiatal művészek sok munkája minimális erőfeszítéssel történik, mint egy gyors bélés, nem pedig egy növekvő munka részeként. De a magyarázat része kell, hogy legyen, hogy a kortárs művészet közönségének nagy része fiatal, és szereti látni azokat a műveket, amelyek a saját feltételezéseikből és saját kontextusukból beszélnek. De kíváncsi vagyok, vajon a kereskedők hajlandósága — vagy lelkesedése — a félig sült munka bemutatására nem változhat-e, tekintettel arra, hogy a művészeti világ hogyan változik a gazdasági légkörre reagálva, elsőbbséget adva a művészeknek, akiknek valami múltja van. Ez persze spekuláció.