Al Centro per l’Arte: Una Conversazione con il Critico e Curatore di Karen Wilkin

Karen Wilkin (foto di Donald Clinton)

ho incontrato Karen Wilkin nei primi anni 1990, quando avevo completato il mio corso di laurea in storia dell’arte presso l’Università di Toronto. Ricordo di essere stato preso alla sprovvista dal pensiero di un critico e storico dell’arte di New York che ogni settimana veniva da New York per insegnare arte moderna. Il suo modo distinto, lo spirito indipendente e la chiarezza con cui ha parlato del modernismo mi hanno reso un fan istantaneo. Mi ha insegnato la storia della critica d’arte e acceso un fuoco dentro di me che continua a bruciare.

Nativo di New York, Wilkin è un curatore e critico indipendente specializzato nel modernismo del 20 ° secolo. È autrice di innumerevoli monografie, tra cui volumi su Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland e David Smith.

Alcuni dei molti libri scritti da Karen Wilkin

Insegna al Master of Fine Arts program della New York Studio School. Lei è il contributing editor per l’arte presso l’Hudson Review e un collaboratore regolare per il Nuovo criterio, Art in America, e il Wall Street Journal. Lei è anche un membro del consiglio della Triangle Arts Association, che ha sede a DUMBO, Brooklyn.

La nostra conversazione è nata da uno scambio informale che mi ha fatto chiedere perché non l’ho mai intervistata prima sulla sua prospettiva sul mondo dell’arte.

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Hrag Vartanian: Uno dei motivi per cui volevo parlare con te è stato che qualche tempo fa hai menzionato quanto ti sentissi emarginato nel mondo dell’arte e poi ho pensato: “La maggior parte del mondo dell’arte non si sente emarginata dal mondo dell’arte?”Puoi spiegare cosa intendevi?

Karen Wilkin: Una delle cose che io e i miei colleghi che insegnano alla Scuola Studio spesso diciamo ai nostri studenti è che c’è arte e c’è il mondo dell’arte, e non necessariamente si sovrappongono. La tua frase sulla maggior parte del sentimento del mondo dell’arte emarginato dal mondo dell’arte sembra accurata, anche se tendo a pensare a “il mondo dell’arte” come il lato pubblico, guidato dalla pubblicità, chic di esso. (Vedi Derrida e l’instabilità del significato!)

Una visione di alcune delle opere incluse in una recente mostra di Jack Bush Wilkin curata presso lo Studio School di New York.

Quello che voglio dire è che gli artisti a cui sono interessato, il cui lavoro seguo da vicino, e con i quali ho spesso la fortuna di avere rapporti di studio, difficilmente saranno sulla copertina di Flash Art in qualunque momento presto o per rappresentare i loro paesi alla Biennale di Venezia. Che fossi nella giuria per il padiglione degli Stati Uniti del 2009 mi sembra ancora una delle cose più improbabili che abbia mai fatto. Non vado alle fiere d’arte e vado alle aperture solo se ho un forte legame con l’artista o è una mostra che ho organizzato. Suppongo di funzionare tanto come storico dell’arte, che è la mia formazione, come critico contemporaneo — ho amici intimi tra artisti e anche tra curatori di musei di varie discipline. La mia esperienza curatoriale è modernismo del 20 ° secolo. Se mi sento emarginato dalla scena contemporanea ciò non significa che vorrei essere al centro di essa. Tutt’altro. I miei contatti sporadici con il centro elegante e alla moda-anche prima che il fondo abbandonasse le cose — non mi hanno fatto desiderare di rimanere lì in modo permanente. Probabilmente sono troppo vecchio e troppo impostato nei miei modi. I critici spesso rimangono bloccati con la loro generazione. Probabilmente mi manca il punto e la maggior parte delle allusioni alla cultura di massa con una buona dose di lavori recenti, anche se tendo a pensare che se il lavoro è abbastanza buono, il significato, comunque arcano arriverà attraverso.

HV: Questo è un punto affascinante sulla resistenza al “centro” del presunto mondo dell’arte. Ma poi mi chiedo, è tutto un montaggio dei media? Guarda caso, dove ricevi le tue notizie sull’arte e chi leggi?

KW: Domanda interessante. Non è tutta una fabbricazione mediatica, ma c’è certamente un aspetto dello stile o più precisamente, l’eleganza, coinvolto in ciò che attira l’attenzione, a volte a scapito di altre qualità — per semplificare eccessivamente. L’entusiasmo per l’arte contemporanea, soprattutto se può essere descritta come “stimolante”, “provocatoria” o “all’avanguardia” — tutte cose buone, quando sono reali — e/o se proviene da qualche luogo esotico, conferisce uno status. Collezionare arte che può essere descritta in questo modo conferisce ancora più status, il modo in cui collezionare vecchi maestri conferiva lo status ai milionari appena coniati alla fine del 19 ° secolo. E il cliché sugli attuali professionisti dell’arte e gli amanti dell’arte che hanno paura di apparire reazionari o di aver paura di perdere qualcosa, se non abbracciano la cosa più recente, apparentemente oltraggiosa, è, come la maggior parte dei cliché, non falso. Quanto di questo rimarrà vero dato il cambiamento dell’economia, non ne ho idea.

Wilkin (centro) come parte di una tavola rotonda Triangle Arts Workshop lo scorso autunno a DUMBO, Brooklyn, NY.

Cosa leggo? Non mi iscrivo a nessuna rivista d’arte, il che evita di avere la mia vita invasa ogni mese da cose che mi fanno infuriare o deprimere. Ricevo pubblicazioni per cui scrivo, ovviamente, e la Scuola Studio, dove insegno nel programma Master, si iscrive a tutto, per la biblioteca, così posso scremare, se necessario. Se c’è qualcosa che non dovrei perdere, di solito ne sento parlare — a volte dal soggetto o dall’autore — quindi faccio un punto di trovarlo. Ho letto regolarmente la copertura delle arti nel Times, the Observer (che è diventato molto meno interessante ultimamente) e the Brooklyn Rail, regolarmente, con vari gradi di entusiasmo. Peter Schjeldahl mi sorprende spesso, Arthur Danto mi interessa sempre, anche quando abbiamo prese molto diverse. Sono un grande fan di Michael Fried. Media savvy amici, come sapete, mi mandano link a cose specifiche che si sentono dovrei sapere. Ricevo un sacco di annunci e-mail da artisti, gallerie e musei. Colleghi-curatori e critici-e amici artisti consiglieranno spettacoli particolari di persone che altrimenti non conosco. Visito un discreto numero di studi e cerco di raggiungere tutte le mostre che includono persone a cui sono interessato o con cui ho legami o che sono state raccomandate. Non è molto sistematico.

HV: Che consiglio dai generalmente ai giovani critici d’arte che vogliono scrivere di arte e sembrano confusi su come perseguire la loro passione? Inoltre, secondo lei la natura del lavoro della critica d’arte è cambiata molto nel corso degli anni?

KW: Yikes! Il miglior consiglio è probabilmente ” mantenere il vostro lavoro di giorno.”Questa non è una professione ben ricompensata. I migliori vantaggi sono cose come l’accesso alle mostre senza folle. Alcune pubblicazioni pagano decentemente, ma la maggior parte no. La cosa fondamentale è continuare a guardare, leggere i critici che vedono e scrivono bene-e assorbire Strunk e White Gli elementi dello stile-e continuare a scrivere. Essere disposti ad essere sbagliato in pubblico. Non ci sono risposte giuste dimostrabili. Resistere alla moda. Impara più storia dell’arte che puoi. Leggi il più ampiamente possibile, per avere un’idea del contesto di ciò che stai guardando — non tutto è stato fatto la scorsa settimana. Sai che credo che la migliore critica sia informata dall’esperienza dello studio. Aiuta a conoscere i dadi e i bulloni di ciò che stai guardando e sapere di cosa pensano e parlano gli artisti è inestimabile — o almeno, lo credevo, prima che le dichiarazioni pretenziose degli artisti e le spiegazioni degli artisti proscrittivi iniziassero regolarmente ad accompagnare le opere d’arte. Molte pubblicazioni consolidate accolgono brevi recensioni di nuove voci, ma devi essere disposto ad affrontare il rifiuto. Mi è stato detto che il mondo online offre opportunità, ma tu ne sai molto di più di me.

Giorgio Morandi,” Natura morta ” (1960) (via Museo Morandi)

La natura del lavoro è cambiata? Penso che la responsabilità del critico rimanga di essere fedele alla sua esperienza e di cercare di portare il lettore insieme a questo. C’è l’obbligo di pensare la tua strada nel lavoro e di informarti il più ampiamente e profondamente possibile sul contesto in cui è stato realizzato il lavoro. Idealmente, la critica illumina l’opera d’arte. Uno dei più interessanti “credos del critico” è stato scritto dal defunto, leggendario Lane Faison, il professore di storia dell’arte al Williams College che è stato responsabile di trasformare quello che oggi è un numero sorprendente di direttori e curatori di musei americani di oggi sull’arte in primo luogo. Venivano a Williams come atleti pre-med e se ne andavano come appassionati storici dell’arte. Succedette a Clem Greenberg come critico d’arte della Nazione, nei primi anni 1950:

” In primo luogo, per parlare favorevolmente di qualsiasi promettente nuovo lavoro sono in grado di rivedere entro i limiti di una colonna mensile. In secondo luogo, non parlare in modo sfavorevole di ciò che non mi piace a meno che l’artista non abbia una reputazione consolidata. In terzo luogo, non esitare ad attaccare una reputazione gonfiata. In quarto luogo, per bilanciare le affermazioni del passato e del presente. Quinto, scrivere per i consumatori informati, non per i produttori, dell’arte — sulla teoria secondo cui la critica ha poche ragioni per aspettarsi di influenzare un artista — che, se è buono, sa di cosa si tratta — e molte ragioni per sperare di sviluppare un pubblico comprensivo per la qualità nell’arte, ovunque essa appaia.”

HV: Questo è un argomento interessante sul non criticare artisti che non sono ancora “arrivati” ma onestamente non capisco questa logica. I giovani artisti hanno bisogno di una critica obiettiva del loro lavoro, vero? Non dovremmo ascoltare il suggerimento di Oscar Wilde che l’unica cosa peggiore di cui si parla male è che non si parla affatto?

Una vista della mostra “Color as Field” curata da Wilkin durante la sua esposizione a SAAM lo scorso anno.

KW: Penso che Faison stia dicendo che non ha senso attaccare qualcosa di negativo se l’artista è informe e nuovo. Dare a chiunque sia il momento di maturare e imparare dal vedere il lavoro in pubblico. Basta lasciare in pace e salvare la vostra invettiva brillante per un bersaglio serio. Ha scritto questo, naturalmente, molto prima che non era insolito per le persone appena fuori dalla scuola d “arte o non ancora fuori dalla scuola d” arte che aveva fatto sei opere da mostrare. I giovani artisti hanno bisogno di critiche rigorose, ma penso che sia più utile in studio rispetto a quando il lavoro è là fuori. (C’è una cosa come critica oggettiva?)

HV: Hai assolutamente ragione sul fatto che non ci siano critiche oggettive, ma so che molti artisti non sanno a chi rivolgersi per un’altra opinione sul loro lavoro da qualcuno che non sia il loro professore, amico o familiare, ma allo stesso tempo informato sull’arte e articolato su ciò che gli piace o non piace. E perché pensi che ci sia una mania per gli artisti super giovani? Che cosa è mai successo all’idea che gli artisti dovrebbero maturare?

KW: una risposta da amici, colleghi, ecc. va bene, finché l’artista si fida dell’occhio della persona che risponde. E a volte le persone rimangono in contatto con ex professori. I membri della famiglia probabilmente portano troppi bagagli. Di solito solo guardare il lavoro in presenza di qualcun altro affina in qualche modo le percezioni del creatore. In definitiva, gli artisti devono imparare ad assumersi la responsabilità delle proprie decisioni. La cosa peggiore è essere troppo facilmente soddisfatti, ma allo stesso tempo, una certa quantità di testardaggine nata dalla fiducia è necessaria. È difficile e non ci sono risposte semplici o ricette semplici. Ciò che funziona per alcune persone è disastroso per gli altri, ma nessuno (tranne gli artisti estranei) fa arte nel vuoto. Le persone costruiscono i propri sistemi di supporto. Ricevo risposte dagli artisti di cui scrivo o dai curatori i cui spettacoli recensisco che trovo utili e incoraggianti, e passo molto tempo a parlare con gli artisti e a guardare il loro lavoro con loro, o a parlare con i colleghi curatori.

Stuart Davis, “Impression of the New York World’s Fair” (Mural study, Communications Building, World’s Fair, Flushing, New York), (1938) (via Flickrstream di SAAM)

Cosa è successo all’idea che gli artisti dovrebbero maturare? Sospetto che la mania per gli artisti giovani, spesso informi, abbia qualcosa a che fare con la vecchia paura di perdere qualcosa, rifiutando qualcosa in seguito riconosciuto come avente merito o terrore di apparire reazionario, non-hip, ecc. – le solite storie canaglie su come gli impressionisti fossero visti come inetti,ecc. Ma probabilmente ha più a che fare con la mania per la cultura giovanile in generale, il desiderio di eliminare i segni dell’invecchiamento e tutto il resto. Potrebbe avere qualcosa a che fare con le brevi distanze di attenzione e il desiderio di velocità, in tutti gli aspetti della vita, nelle persone che sono cresciute con i ritmi e il ritmo di MTV, TV news e ora tweeting. L’arte è diventata una merce piuttosto sacrificabile in alcuni ambienti-controllare la prossima cosa nuova e poi andare avanti. Non c’è bisogno di potere o evoluzione, solo la soluzione rapida, rapidamente appresa (per mescolare metafore). Molto del lavoro di artisti molto giovani sembra fatto con il minimo sforzo, come un liner veloce, piuttosto che come parte di un corpo crescente di lavoro. Ma parte della spiegazione deve essere che gran parte del pubblico per l’arte contemporanea è giovane e ama vedere il lavoro che parla dal proprio insieme di ipotesi e il proprio contesto. Ma mi chiedo se la volontà — o il desiderio — dei commercianti di mostrare il lavoro cotto a metà potrebbe non cambiare, dato il modo in cui il mondo dell’arte sta cambiando in risposta al clima economico, dando la priorità agli artisti con qualcosa di un track record. Questa è speculazione, ovviamente.