The Center of Art: een gesprek met criticus en Curator Karen Wilkin

Karen Wilkin (foto door Donald Clinton))

ik ontmoette Karen Wilkin voor het eerst in de vroege jaren 1990 toen ik mijn undergraduate graad in kunstgeschiedenis aan de Universiteit van Toronto afrondde. Ik herinner me dat ik verrast werd door de gedachte van een New Yorkse criticus en kunsthistoricus die elke week uit New York kwam om moderne kunst te onderwijzen. Haar voorname manier, onafhankelijke geest en de helderheid waarmee ze sprak over modernisme maakte me een instant fan. Ze leerde me de geschiedenis van kunstkritiek en stak een vuur in me aan dat blijft branden.Wilkin komt uit New York en is een onafhankelijke curator en criticus gespecialiseerd in het modernisme van de 20e eeuw. Ze is de auteur van talloze monografieën, waaronder volumes over Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland en David Smith.

enkele van de vele boeken geschreven door Karen Wilkin

ze doceert aan het Master of Fine Arts program van de New York Studio School. Ze is redacteur voor art bij de Hudson Review en schrijft regelmatig voor The New Criterion, Art in America en The Wall Street Journal. Ze is ook bestuurslid van de Triangle Arts Association, die is gevestigd in DUMBO, Brooklyn.Ons gesprek kwam voort uit een informele uitwisseling die me deed afvragen waarom ik haar nooit eerder interviewde over haar perspectief op de kunstwereld.

* * *

Hrag Vartanian: een van de redenen waarom ik met je wilde praten was dat je een tijdje geleden zei hoe gemarginaliseerd je je voelde in de kunstwereld en toen dacht ik bij mezelf: “voelt het grootste deel van de kunstwereld zich niet gemarginaliseerd door de kunstwereld?”Kunt u uitleggen wat u bedoelde?

Karen Wilkin: Een van de dingen die ik en mijn collega ‘ s die lesgeven op de Studioschool vaak tegen onze studenten zeggen is dat er kunst is en er is de kunstwereld, en ze hoeven elkaar niet per se te overlappen. Uw uitspraak over het grootste deel van de kunstwereld gevoel gemarginaliseerd door de kunstwereld lijkt accuraat, hoewel ik de neiging om te denken van “de kunstwereld” als de publieke, publiciteit gedreven, Chique kant van het. (Zie Derrida en de instabiliteit van de Betekenis!)

een overzicht van enkele van de werken die zijn opgenomen in een recente Jack Bush show die Wilkin cureerde aan de New York Studio School.

wat ik bedoel is dat de kunstenaars in wie ik geïnteresseerd ben, wiens werk ik op de voet volg, en met wie ik vaak het geluk heb atelierrelaties te hebben, waarschijnlijk niet snel op de cover van Flash Art zullen staan of hun landen zullen vertegenwoordigen op de Biënnale van Venetië. Dat ik in de jury zat voor het Amerikaanse paviljoen van 2009 lijkt me nog steeds een van de meest onwaarschijnlijke dingen die ik ooit heb gedaan. Ik ga niet naar kunstbeurzen en ik ga alleen naar openingen als ik een sterke band heb met de kunstenaar of het is een show die ik heb georganiseerd. Ik denk dat ik net zo goed fungeer als kunsthistoricus, wat mijn opleiding is, als hedendaagse criticus — ik heb goede vrienden onder kunstenaars en ook onder museumconservatoren van verschillende disciplines. Mijn expertise is het modernisme van de 20e eeuw. Als ik me gemarginaliseerd voel door de hedendaagse scene wil dat niet zeggen dat ik zou willen dat ik in het centrum van het. Verre van dat. Mijn sporadische contacten met het modieuze, elegante centrum – zelfs voordat de bodem viel uit de dingen-hebben me niet de wens om er permanent te blijven. Ik ben waarschijnlijk te oud en te vastgeroest. Critici zitten vaak vast aan hun generatie. Ik mis waarschijnlijk het punt en de meeste van de massacultuur toespelingen met een groot deel van de recente werk, hoewel ik de neiging om te denken dat als het werk goed genoeg is, Betekenis, hoe geheimzinnig zal komen door.

HV: dat is een fascinerend punt over verzet tegen het” centrum ” van de veronderstelde kunstwereld. Maar dan vraag ik me af, is het allemaal een mediafabriek? Toevallig, waar ontvang je je nieuws over kunst en wie lees je?

KW: interessante vraag. Het is niet allemaal een media-fabricage, maar er is zeker een aspect van stijl of nauwkeuriger, stijl, betrokken bij wat aandacht krijgt, soms ten koste van andere kwaliteiten — te simplificeren. Enthousiasme voor hedendaagse kunst, vooral als het kan worden omschreven als “uitdagend”, “provocerend” of “cutting edge” — alle goede dingen, als ze echt zijn — en/of als het ergens exotisch vandaan komt, verleent status. Het verzamelen van kunst die op die manier beschreven kan worden, geeft nog meer status, zoals het verzamelen van oude meesters aan het eind van de 19e eeuw status verleende aan nieuw geslagen miljonairs. En het cliché dat hedendaagse kunstprofessionals en kunstliefhebbers bang zijn om reactionair te lijken of om iets te missen, als ze het nieuwste, meest schijnbaar schandelijke ding niet omarmen, is, zoals de meeste cliches, niet onwaar. Hoeveel van dit zal Waar blijven gezien de verandering in de economie, ik heb geen idee.

Wilkin (center) als onderdeel van een Triangle Arts Workshop paneldiscussie afgelopen herfst in DUMBO, Brooklyn, NY.

wat lees ik? Ik ben niet geabonneerd op kunstbladen, wat voorkomt dat mijn leven elke maand wordt overvallen door dingen die me woedend maken of deprimeren. Ik ontvang publicaties die ik schrijf voor, natuurlijk, en de Studio School, waar ik les geef in het masterprogramma, abonneert op alles, voor de bibliotheek, zodat ik kan skim, als dat nodig is. Als er iets is wat ik niet mag missen, hoor ik het meestal — soms van het onderwerp of de auteur — dus ik maak er een punt van om het te vinden. Ik lees regelmatig de kunstverslaggeving In The Times, The Observer (die de laatste tijd een stuk minder interessant is geworden) en de Brooklyn Rail, regelmatig, met wisselend enthousiasme. Peter Schjeldahl verrast me vaak, Arthur Danto interesseert me altijd, zelfs als we heel verschillende takes hebben. Ik ben een grote fan van Michael Fried. Media-savvy vrienden, zoals je weet, stuur me links naar specifieke dingen die ze vinden dat ik moet weten over. Ik ontvang veel e-mailaankondigingen van kunstenaars, galeries en musea. Collega ‘ s — curatoren en critici-en kunstenaarsvrienden zullen bijzondere shows aanbevelen van mensen die ik anders misschien niet ken. Ik bezoek een behoorlijk aantal studio ‘ s, en ik probeer alle tentoonstellingen te bezoeken die mensen bevatten waar ik in geïnteresseerd ben of waar ik connecties mee Heb, of die aanbevolen zijn. Het is niet erg systematisch.

HV: welk advies geeft u over het algemeen aan jonge kunstcritici die over kunst willen schrijven en verward lijken over hoe ze hun passie moeten nastreven? Ook is naar uw mening de aard van het werk van de kunstkritiek in de loop der jaren sterk veranderd?

KW: Yikes! Het beste advies is waarschijnlijk “houd je baan.”Dit is geen goed beloond beroep. De beste voordelen zijn dingen als toegang tot tentoonstellingen zonder drukte. Een paar publicaties betalen fatsoenlijk, maar de meeste niet. Het cruciale is om te blijven zoeken, lees critici die goed zien en schrijven-en absorberen Strunk en Wit de elementen van de stijl-en blijven schrijven. Bereid zijn om het mis te hebben in het openbaar. Er zijn geen aantoonbare juiste antwoorden. Verzet je tegen Mode. Leer zoveel kunstgeschiedenis als je kunt. Lees zo breed als je kunt, om een idee te krijgen van de context van waar je naar kijkt — niet alles werd vorige week gemaakt. Je weet dat ik geloof dat de beste kritiek wordt ingegeven door studio experience. Het helpt om te weten wat de moeren en bouten van wat je kijkt naar en weten wat kunstenaars denken over en praten over is van onschatbare waarde — of in ieder geval, Ik gebruikte om te geloven dat dit, voordat pretentieuze kunstenaars’ statements en proscriptieve kunstenaars’ explicitaties begon routinematig te begeleiden kunstwerken. Veel gevestigde publicaties verwelkomen korte recensies van nieuwe stemmen, maar je moet bereid zijn om afwijzing onder ogen te zien. Ik heb gehoord dat de online wereld mogelijkheden biedt, maar jij weet daar veel meer over dan ik.

Giorgio Morandi, “Still life” (1960) (via Museo Morandi))

is de aard van het werk veranderd? Ik denk dat de verantwoordelijkheid van de criticus blijft om trouw te zijn aan zijn of haar ervaring en om te proberen om de lezer mee te nemen met dat. Er is een verplichting om je een weg in het werk te denken en jezelf zo breed en diep mogelijk te informeren over de context waarin het werk is gemaakt. Idealiter verlicht kritiek het kunstwerk. Een van de meest interessante “critic’ s credos” werd geschreven door wijlen de legendarische Lane Faison, de professor in de kunstgeschiedenis aan het Williams College, die verantwoordelijk was voor het draaien van wat nu een verbazingwekkend aantal hedendaagse Amerikaanse museumdirecteuren en curatoren op kunst in de eerste plaats. Ze kwamen naar Williams als pre-med atleten en vertrokken als gepassioneerde kunsthistorici. Hij volgde Clem Greenberg op als kunstcriticus van de natie, in de vroege jaren 1950:

” Ten eerste, om positief te spreken over elk veelbelovend nieuw werk dat ik binnen de grenzen van een maandelijkse column kan beoordelen. Ten tweede, om niet ongunstig te spreken over wat ik niet leuk vind, tenzij de kunstenaar een gevestigde reputatie heeft. Ten derde, aarzel niet om een opgeblazen reputatie aan te vallen. Ten vierde, om de vorderingen van verleden en heden in evenwicht te brengen. Ten vijfde, schrijven voor geïnformeerde consumenten, niet producenten, van kunst-op de theorie dat kritiek weinig reden heeft om te verwachten een kunstenaar te beïnvloeden — die, als hij goed is, weet waar hij over gaat — en veel reden om te hopen een sympathiek publiek te ontwikkelen voor kwaliteit in de kunst, waar die ook moge verschijnen.”

HV: dat is een interessant argument over het niet bekritiseren van kunstenaars die nog niet “aangekomen” maar ik eerlijk gezegd niet begrijpen die logica. Jonge kunstenaars hebben objectieve kritiek op hun werk nodig, nietwaar? Moeten we niet luisteren naar Oscar Wilde ‘ s suggestie dat het enige wat erger is waar slecht over gesproken wordt, helemaal niet besproken wordt?

a view of the “Color as Field” Exhibition curated by Wilkin during its showing at saam last year.

KW: ik denk dat Faison zegt dat het geen zin heeft om iets negatief aan te vallen als de artiest ongeformeerd en nieuw is. Geef wie het ook is tijd om te rijpen en te leren van het zien van het werk in het openbaar. Laat het met rust en bewaar je briljante invective voor een serieus doelwit. Hij schreef dit, natuurlijk, lang voordat het niet ongebruikelijk was voor mensen die net uit de kunstacademie of nog niet uit de kunstacademie die zes werken had gemaakt om te worden getoond. Jonge kunstenaars hebben rigoureuze kritiek nodig, maar ik denk dat het nuttiger is in de studio dan wanneer het werk Er is. (Bestaat er zoiets als objectieve kritiek?)

HV: Je hebt helemaal gelijk dat er niet zoiets bestaat als objectieve kritiek, maar ik weet dat veel kunstenaars niet weten waar ze zich moeten wenden voor een andere mening over hun werk van iemand die niet hun professor, vriend of familielid is, maar tegelijkertijd op de hoogte is van kunst en articuleren over wat ze leuk of niet leuk vinden. En waarom denk je dat er een rage is voor super jonge kunstenaars? Wat is er gebeurd met het idee dat kunstenaars volwassen moeten worden?

KW: een antwoord van vrienden, collega ‘ s, enz. is prima, zolang de kunstenaar het oog van de persoon die reageert vertrouwt. En soms blijven mensen in contact met voormalige professoren. Familieleden dragen waarschijnlijk te veel bagage. Meestal alleen maar kijken naar het werk in de aanwezigheid van iemand anders scherpt de waarnemingen van de maker een of andere manier. Uiteindelijk moeten kunstenaars leren verantwoordelijkheid te nemen voor hun eigen beslissingen. Het ergste is dat je te gemakkelijk tevreden bent, maar tegelijkertijd is een zekere koppigheid uit vertrouwen vereist. Het is moeilijk en er zijn geen eenvoudige antwoorden of eenvoudige recepten. Wat voor sommige mensen werkt is rampzalig voor anderen, maar niemand (behalve buitenstaanders) maakt kunst in een vacuüm. Mensen bouwen hun eigen ondersteuningssystemen. Ik krijg reacties van de kunstenaars over wie ik schrijf of van de curatoren wiens shows Ik recenseer die ik nuttig en bemoedigend vind, en ik besteed veel tijd aan het praten met kunstenaars en kijken naar hun werk met hen, of praten met curator collega ‘ s.Stuart Davis, Impression of The New York World ’s Fair (mural study, Communications Building, World’ s Fair, Flushing, New York), 1938 (via saam ‘ s Flickrstream)

Stuart Davis, “Impression of The New York World ’s Fair” (mural study, Communications Building, World ’s Fair, Flushing, New York), (1938) (via saam’ s Flickrstream))

Wat is er gebeurd met het idee dat kunstenaars volwassen moeten worden? Ik vermoed dat de rage voor jonge, vaak ongeformeerde kunstenaars iets te maken heeft met de oude angst om iets te missen, iets af te wijzen dat later erkend wordt als verdienste of terreur van het verschijnen reactionair, on-hip, enz. – de gebruikelijke grauwe verhalen over hoe de impressionisten als onbekwaam werden gezien, enz. Maar het heeft waarschijnlijk meer te maken met de rage voor de jeugdcultuur in het algemeen, de wens om tekenen van veroudering en al de rest te elimineren. Het kan iets te maken hebben met de korte aandachtsspanne en het verlangen naar snelheid, in alle aspecten van het leven, in mensen die zijn opgegroeid met de ritmes en het tempo van MTV, TV Nieuws, en nu tweeten. Kunst is uitgegroeid tot een vrij vervangbare grondstof in sommige kringen — check out the next new thing en ga dan verder. Er is geen noodzaak voor uithoudingsvermogen of evolutie, alleen de snelle oplossing, snel begrepen (om metaforen te mengen). Veel van het werk van zeer jonge kunstenaars lijkt gemaakt met minimale inspanning, als een snelle one liner, in plaats van als onderdeel van een groeiend lichaam van werk. Maar een deel van de verklaring moet zijn dat een groot deel van het publiek voor Hedendaagse Kunst jong is en graag werk ziet dat spreekt vanuit zijn eigen set van veronderstellingen en zijn eigen context. Maar ik vraag me af of de bereidheid — of gretigheid — van dealers om halfbakken werk te tonen niet verandert, gezien de manier waarop de kunstwereld verandert als reactie op het economische klimaat, waarbij voorrang wordt gegeven aan kunstenaars met een staat van dienst. Dat is speculatie, natuurlijk.