Fai Khadra on His Love of Contemporary Art and Being a Minimalist At Heart

dyrektor kreatywny, artysta i muzyk Fai Khadra jest również kolekcjonerem sztuki ze szczególnym zainteresowaniem minimalizmem i sztuką konceptualną, co czyni go doskonałym gościnnym współpracownikiem Contemporary Curated London, który odbędzie się w dniach 17-24 listopada. Przed sprzedażą opowiada o swojej pasji do muzeów, o tym, dlaczego chce zachęcić nowych, młodszych odbiorców sztuki i o tym, jak wyciął kawałek z dachu, aby zainstalować Sterling rubinowy stalagmit.

kim są twoi ulubieni artyści?

to tak jakby zapytać, jaki jest Twój ulubiony film? To niemożliwe pytanie. Ale zawsze pociągają mnie artyści, którzy w jakiś sposób przełamali lub przesunęli granice, którzy w swojej praktyce czują się wyjątkowo nowi lub odważni. Zawsze podziwiałem współczesnych artystów, takich jak Joseph Beuys, Bruce Nauman, David Hammonds, Kara Walker i Shigeko Kubota – ale nie można zapomnieć o takich mistrzach, jak Picasso, Rembrandt, Monet, Da Vinci i Van Gogh. Widzisz, dlaczego to niemożliwe pytanie? Wszyscy popchnęli nas w nowe kierunki myślenia. Myśląc i widząc świat, nie zawsze były akceptowane na początku, ale to właśnie oznacza bycie radykalnym.

skąd wiesz o artystach, którzy Cię interesują?

z chodzenia na pokazy w muzeach lub galeriach-muszę coś zobaczyć osobiście, zanim to wywrze na mnie wyraźny wpływ. Na przykład, byłem zaznajomiony z pracami Julie Mehretu, ale dopiero po obejrzeniu jej niedawnego pokazu LACMA uświadomiłem sobie, jakim jest mistrzem w tworzeniu tak wielowarstwowych prac na dużą skalę. Dla mnie tak wiele mojego zrozumienia wyłania się z osobistej interakcji z pracą, że po prostu nie czuję się zdalnie.

jak opisałbyś swoją osobistą estetykę?

jestem minimalistą w sercu-Kocham takich artystów jak Dan Flavin i Donald Judd. Ale kocham też Mike ’ a. Kelley…so przypuszczam, że jest to bardziej zależne od artysty niż od estetyki. Gdybym miał wybrać stronę, siedziałbym z minimalistami.

czy uważasz się za kolekcjonera?

uważam się za kolekcjonera, ponieważ uwielbiam kupować dzieła sztuki do mojego domu, aby móc żyć obok niego, ale nie mam, powiedzmy, magazynów, w których przechowuję dzieła sztuki jako inwestycje. W rzeczywistości właśnie nabyłem stalagmit rubinowy Sterling od Sotheby ’ s, aby zainstalować go w moim nowym domu – jest ogromny, ale musiałem z nim żyć. W rezultacie musiałem wyciąć kawałek dachu, ale zawsze byłem wielkim fanem jego pracy, więc aby ten kawałek czuł się ważnym krokiem. Tak jak artyści zmuszają się do zrobienia czegoś nowego, uważam, że czasami ważne jest wykupienie strefy komfortu, niezależnie od tego, czy jest to Rozmiar, budżet, czy temat. Wielkie dzieła sztuki i artyści mogą być wyzwaniem na wiele sposobów. Myślę, że stalagmit Ruby ’ ego to jedne z jego najlepszych dzieł, ponieważ były tak ambitne – więc warto go odnowić.

jak planujesz powiększyć swoją kolekcję?

kupując więcej sztuki! Wiem, czym jest moja lista życzeń, ale ważne jest dla mnie również budowanie relacji z ludźmi, którym ufam – czy to galeristom, czy kuratorom – którzy mogą wskazać mi kierunek nowych artystów, takich jak Martine Syms, Dozie Kanu, Sayre Gomez.

czy są jakieś muzea lub kolekcjonerzy, których szczególnie podziwiasz?

uwielbiam odwiedzać Fundację Beyeler w Bazylei tylko dlatego, że mają najlepszych z najlepszych, od Giacomettiego do Francisa Bacona. Ale jest też mały klejnot w Los Angeles, który kiedyś należał do niejakiego Fredericka Weismana. Był niezwykłym kolekcjonerem, a po jego śmierci dom, w którym mieszkał, i wszystkie znajdujące się w nim dzieła, zostały zachowane jako Fundacja Weismana. Uwielbiam być w stanie zobaczyć, jak ktoś żył obok sztuki, którą kochał – jest coś niesamowicie fascynującego w wchodzeniu do czyjejś sypialni lub salonu i oglądaniu Rothko lub de Kooning w kontekście domu, a nie pustki galerii. Jak tylko wejdziesz do foyer, zobaczysz piękny Clyfford wciąż; wchodzisz do salonu, a tam jest Picasso, De Kooning i bekon. To niezwykłe. Wielkie Kolekcje odzwierciedlają osobowość i życie wielkich kolekcjonerów i to jest coś, do czego można dążyć. Uwielbiam też to, że jest za darmo – że każdy może zarezerwować wycieczkę i mieć intymną interakcję z tymi niesamowicie imponującymi, wpływowymi dziełami.

jakie rady dałbyś nowym kolekcjonerom?

myślę, że najważniejszą radą dla każdego kolekcjonera, nowego lub starego, jest po prostu kupić coś, z czym można żyć wiecznie. Nigdy nie kupuję rzeczy myśląc o tym, jak może to docenić-ponieważ, jeśli mieszkasz obok czegoś, powinno cię to naprawdę uszczęśliwić każdego dnia. Nic nie da mi tego uczucia po prostu ze względu na jego cenę rynkową.

masz ulubiony okres w sztuce?

myślałem, że to właśnie wtedy sztuka stała się bardziej minimalistyczna, mniej więcej za czasów Donalda Judda, ale niedawno po raz pierwszy odwiedziłem Villa Borghese w Rzymie i nabrałem nowego uznania dla Berniniego: szczegółowości jego dzieł, ich wyjątkowego kunsztu i wciągającej opowieści. Mam też obsesję na punkcie faktu, że nigdy nie mogę go posiadać: jest coś bardzo przekonującego w tym, że istnieją one poza rynkiem. Co ciekawe, zarówno Bernini, jak i Judd zdawali się być bardzo zaniepokojeni tym, jak sztuka i architektura oddziałują na siebie. Sytuacja dzieła sztuki w przestrzeni była ważna dla obu. Byli mistrzami tworzenia totalnego dzieła sztuki na swój sposób.

czy twój gust w sztuce zmieniał się z czasem?

myślę, że mój gust będzie się ciągle zmieniał, ale zawsze będę podziwiać pracę, która przesuwa granice lub prowokuje silne uczucia. Nie jestem szczególnie zaangażowany w pracę, która jest po prostu estetyczna; jestem znacznie bardziej skłonny do pracy, która sprawia, że czuję się niekomfortowo lub popycha mnie do ponownego rozważenia świata, który odzwierciedla lub angażuje.

kilka lat temu w Art Basel natknąłem się na Doreen Garner-młodą czarnoskórą artystkę z Brooklynu, która wykonała niesamowitą rzeźbę neonową, która wyglądała nieco jak wiszące mięso. To było makabryczne z daleka, ale kiedy się zbliżyliście, zrobiono je z tych wszystkich pięknych pereł. Odkryłem, że stworzyła to dzieło w odpowiedzi na rozwój nowoczesnej ginekologii Jamesa Marion Simsa i jak wykorzystywał i torturował ciała czarnych kobiet w imię naukowego odkrycia, ponieważ nie wierzył, że mogą odczuwać ból. To była niezwykle trudna praca, ale sposób, w jaki była w stanie przetłumaczyć tę nieludzką naturę na coś tak fascynującego, tak pięknego, a tym samym skonfrontować z tym publiczność, był niesamowicie imponujący.

co sprawia, że Contemporary Curated jest dla Ciebie ciekawą współpracą?

myślę, że zaangażowanie młodszej publiczności w kolekcjonowanie sztuki współczesnej jest ważne i ekscytujące; to dziedzina, która może czuć się tak nieprzenikniona, tak całkowicie nieosiągalna dla tak wielu ludzi. Chciałbym móc nieco otworzyć drzwi nowemu pokoleniu, dla którego czuł się ekskluzywny i zaprosić ich do osobistej interakcji z utworami.

kiedy zaczęło się Twoje zainteresowanie sztuką?

zawsze interesowałam się sztuką, moi rodzice też są kolekcjonerami, więc to pewnie cecha dziedziczna. Miałem szczęście dorastać w Londynie, gdzie moja szkoła zabierała nas na wystawy w takich miejscach jak Victoria & Albert Museum, Tates czy Muzeum Historii Naturalnej. Myślę, że to właśnie jest piękne w dorastaniu w takim mieście jak Londyn: wokół ciebie dzieje się tak wiele Sztuki i kultury, że jesteś w stanie stanąć z nią twarzą w twarz od najmłodszych lat.

gdybyś mógł uratować jedną grafikę przed zniszczeniem, co by to było?

to musiałaby być Mona Lisa. Ponieważ, choć nie jest to mój osobisty faworyt, uwielbiam jego głęboki wpływ kulturowy – sprawia, że ludzie idą w kierunku sztuki: zwiedzanie Luwru stało się niemal jak pielgrzymka. Więc to ten, który musi zostać uratowany.

gdybyś mógł zabrać na kolację pięciu artystów – żywych lub martwych-kim by byli?

Andy Warhol, Marcel Duchamp, Jackson Pollock, Walter de Maria i Frida Kahlo. Zrobiłbym mojego słynnego pieczonego kurczaka.

jaka była ostatnia wystawa, którą widziałeś i dlaczego ją pokochałeś?

właśnie widziałem pokaz Andy ’ ego Warhola w Tate i miałem szczęście, że dostałem wycieczkę od jednego z reżyserów pokazu. Wyjaśnił, że podwójne dzieła Marilyn początkowo nie były pokazywane przez Warhola jako dyptyk – po prostu były widziane w jego studio obok siebie przez kolekcjonerów Burtona i Emily Tremaine, którzy chcieli je obie. Jest to dla mnie tak interesujące, że parowanie zainspirowało tak wiele komentarzy i krytyki na temat kontrastu, jaki sugerują między życiem publicznym a prywatnym – ale tak naprawdę oryginalna narracja jest inna.

żyjemy w dziwnych czasach ostatnich. Jak zaangażowałeś się w sztukę i kulturę?

obejrzałem wiele filmów dokumentalnych o artystach-bardzo podobał mi się dokument Duchampa, Sztuka możliwego, ponieważ dał tak bezpośredni wgląd w jego znaczenie w ewolucji sztuki współczesnej, oraz dokument Gerharda Richtera, który naprawdę bada jego proces materialny.

jak odróżniłbyś scenę londyńską od LA art?

myślę, że Londyn ma historię naprawdę świetnej kuracji. W Los Angeles masz miejsca takie jak Gagosian i Broad, gdzie wejdziesz i zobaczysz masywną rzeźbę Jeffa Koonsa lub inny kultowy kawałek, który jest natychmiast rozpoznawalny. Podczas gdy czuję, że w Londynie jest więcej miejsc, takich jak Sadie Coles, gdzie można zobaczyć światowej sławy artystów, a także zapoznać się z nowszymi talentami. Ciekawe jest porównanie scen Los Angeles i Londynu z Nowym Jorkiem. Jest więcej podobieństw między Los Angeles i Londynem. Zasięg geograficzny i brak wyraźnej dominującej dzielnicy artystycznej. Wydaje się, że w obu przypadkach jest więcej miejsca na eksperymenty i podejmowanie ryzyka, podczas gdy Nowy Jork-ze względu na koncentrację i koszty utrzymania – tworzy inną atmosferę. Gdybym była artystką, wolałabym mieszkać i pracować w LA lub Londynie.

jak myślisz, jak cyfrowy krajobraz zmienia świat sztuki i czy lubisz sztukę cyfrową?

myślę, że ostatnio pojawiło się bogactwo niesamowicie dobrej sztuki wideo takich artystów jak Kahlil Joseph i Arthur Jafa. Poza rozmowami, które prowokują ich prace, myślę, że samo istnienie ich utworów rodzi ciekawe pytania o własność. Myślę też, że interesujące jest obserwowanie artystów decydujących o tym, czy zaangażować się w cyfrowy krajobraz – na przykład patrzenie na kogoś takiego jak Richard Prince, który nawet nie jest z pokolenia cyfrowego, ale nadal wykorzystuje media społecznościowe w tak sprytny sposób do swoich prac.

dorastałeś w Londynie, mieszkałeś na Bliskim Wschodzie, a teraz mieszkasz w Los Angeles. Jak twoje wychowanie wpłynęło na twój gust artystyczny?

będąc w stanie przenieść się i żyć w różnych miejscach, byłem narażony na tak wiele różnych rodzajów sztuki: od Sztuki Islamskiej do bardziej tradycyjnej sztuki zachodniej, a następnie, w końcu, sztuki współczesnej, z którą czuję się najbardziej komfortowo, ponieważ czuję, że może ona objąć wszystkie wszechświaty w jeden. Miałem również szczęście budować przyjaźnie z różnymi ludźmi, którzy nauczyli mnie wiele o różnych artystach. Kim Jones zapoznała mnie z grupami artystów, o których wcześniej nie wiedziałem tak wiele, jak Bloomsbury set. Myślę, że ekspozycja jest kluczowa: im bardziej zanurzasz się w różnych epokach artystycznych lub kulturach, tym bardziej możesz zrozumieć swój osobisty gust.