O Centro de Arte: Uma Conversa com o Crítico & Curador Karen Wilkin

Karen Wilkin (foto de Donald Clinton)

eu conheci a Karen Wilkin, no início da década de 1990, quando eu estava concluindo meu curso de graduação em história da arte na Universidade de Toronto. Lembro-me de ter ficado surpreso com o pensamento de um crítico e historiador de arte de Nova York que voava de Nova York todas as semanas para ensinar arte moderna. Sua maneira distinta, espírito independente e a clareza com que ela falou sobre o modernismo me fizeram um fã instantâneo. Ela me ensinou a história da crítica de arte e acendeu um fogo dentro de mim que continua a queimar.

um nativo de Nova York, Wilkin é um curador independente e crítico especializado em Modernismo do século 20. Ela é autora de inúmeras monografias, incluindo volumes sobre Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland e David Smith.

Alguns dos muitos livros de autoria de Karen Wilkin

Ela ensina ao Mestre de Artes programa de Nova York Studio School. Ela é editora colaboradora de arte na Hudson Review e colaboradora regular do The New Criterion, Art in America e The Wall Street Journal. Ela também é membro do Conselho da Triangle Arts Association, com sede em DUMBO, Brooklyn.

nossa conversa surgiu de uma troca informal que me fez pensar por que nunca a entrevistei antes sobre sua perspectiva sobre o mundo da arte.

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Hrag Vartanian: Uma das razões que eu queria falar com você foi que há um tempo atrás você mencionou como marginalizados você sentiu no mundo da arte e, em seguida, eu pensei para mim mesmo, “não mais do mundo da arte sentem-se marginalizados pelo mundo da arte?”Você pode explicar o que você quis dizer?

Karen Wilkin: Uma das coisas que eu e meus colegas que ensinamos na Escola de estúdio muitas vezes dizemos aos nossos alunos é que há arte e há o mundo da arte, e eles não necessariamente se sobrepõem. Sua frase sobre a maior parte do sentimento do mundo da arte marginalizado pelo mundo da arte parece precisa, embora eu tenha a tendência de pensar no “mundo da arte” como o lado público, voltado para a publicidade e chique dele. (Veja Derrida e a instabilidade do significado!)

uma visão de algumas das obras incluídas em um recente Show de Jack Bush Wilkin com curadoria na New York Studio School.

o que quero dizer é que os artistas em que estou interessado, cujo trabalho eu sigo de perto, e com quem muitas vezes tenho a sorte de ter relações de estúdio provavelmente não estarão na capa da Flash Art em breve ou representarão seus países na Bienal de Veneza. Que eu estava no júri do pavilhão dos EUA de 2009 ainda me parece uma das coisas mais improváveis que já fiz. Eu não vou a feiras de arte e vou a aberturas apenas se eu tiver uma forte conexão com o artista ou for um show que organizei. Suponho que funcione tanto quanto um historiador de arte, que é a minha formação, como crítico contemporâneo – tenho amigos íntimos entre artistas e também entre curadores de museus de várias disciplinas. Minha experiência curatorial é o modernismo do século XX. Se me sinto marginalizado pela cena contemporânea, isso não significa que eu gostaria de estar no centro dela. Longe disso. Meus contatos esporádicos com o centro elegante e moderno — mesmo antes do fundo cair das coisas — não me fizeram desejar ficar lá permanentemente. Eu provavelmente sou muito velho e muito definido em meus caminhos. Os críticos muitas vezes ficam presos à sua geração. Provavelmente estou perdendo o ponto e a maioria das alusões à cultura de massa com um bom trabalho recente, embora eu tenha a tendência de pensar que, se o trabalho for bom o suficiente, o que significa, por mais arcano que seja.HV: esse é um ponto fascinante sobre resistir ao” centro ” do suposto mundo da arte. Mas então eu me pergunto, é tudo uma fabricação de mídia? Coincidentemente, onde você recebe suas notícias sobre arte e quem você lê?

KW: pergunta interessante. Não é tudo uma fabricação de mídia, mas certamente há um aspecto de estilo ou mais precisamente, elegância, envolvido no que chama a atenção, às vezes à custa de outras qualidades — para simplificar demais. O entusiasmo pela arte contemporânea, especialmente se puder ser descrito como” desafiador”,” provocativo “ou” de ponta ” — todas as coisas boas, quando são reais — e/ou se vier de algum lugar exótico, confere status. Colecionar arte que pode ser descrita dessa forma confere ainda mais status, a forma como colecionar antigos mestres conferia status a milionários recém-formados no final do século XIX. E o clichê sobre os atuais profissionais de arte e amantes da arte ter medo de parecer reacionário ou ter medo de perder algo, se eles não abraçarem a coisa mais nova, aparentemente ultrajante, é, como a maioria dos clichês, não falso. Quanto disso permanecerá verdade, dada a mudança na economia, Não tenho ideia.

Wilkin (centro) como parte de um painel de discussão do Triangle Arts Workshop no outono passado em DUMBO, Brooklyn, NY.

o que eu leio? Eu não subscrevo nenhuma revista de arte, o que evita que minha vida seja invadida todos os meses por coisas que me enfurecem ou ME deprimem. Recebo publicações para as quais escrevo, é claro, e a Escola de estúdio, onde leciono no Programa de Mestrado, subscreve tudo, para a biblioteca, para que eu possa skim, conforme necessário. Se há algo que não devo perder, geralmente ouço sobre isso-às vezes do assunto ou do autor — então faço questão de encontrá-lo. Eu leio regularmente a cobertura artística no The Times, The Observer (que ficou muito menos interessante ultimamente) e o Brooklyn Rail, regularmente, com vários graus de entusiasmo. Peter Schjeldahl muitas vezes me surpreende, Arthur Danto sempre me interessa, mesmo quando temos tomadas muito diferentes. Sou um grande fã de Michael Fried. Amigos experientes em mídia, como você sabe, me envie links para coisas específicas que eles acham que eu deveria saber. Recebo muitos anúncios por e-mail de artistas, galerias e museus. Colegas-curadores e críticos-e amigos artistas recomendarão programas específicos de pessoas que talvez eu não conheça de outra forma. Eu visito um bom número de estúdios, e eu tento chegar a todas as exposições que incluem pessoas que eu estou interessado ou ter conexões com, ou que foram recomendados. Não é muito sistemático.HV: que conselho você geralmente dá aos jovens críticos de arte que querem escrever sobre arte e parecem confusos sobre como perseguir sua paixão? Além disso, na sua opinião, a natureza do trabalho da crítica de arte mudou muito ao longo dos anos?

KW: Sim! O melhor conselho é provavelmente ” mantenha seu trabalho diário.”Esta não é uma profissão bem recompensada. As melhores vantagens são coisas como acesso a exposições sem multidões. Algumas publicações pagam decentemente, mas a maioria não. O crucial é continuar procurando, ler críticos que vêem e escrevem bem-e absorver Strunk e White OS Elementos do estilo-e continuar escrevendo. Esteja disposto a estar errado em público. Não há respostas corretas prováveis. Resistir à moda. Aprenda o máximo de história da arte que puder. Leia o mais amplamente possível, para ter uma noção do contexto do que você está olhando — nem tudo foi feito na semana passada. Você sabe que eu acredito que a melhor crítica é informada pela experiência do estúdio. Isso ajuda a conhecer as porcas e parafusos do que você está olhando e saber o que os artistas pensam e falam sobre é inestimável — ou pelo menos, eu costumava acreditar nisso, antes declarações de artistas pretensiosos e explicações de artistas proscritivos começaram rotineiramente a acompanhar obras de arte. Muitas publicações estabelecidas recebem críticas curtas de novas vozes, mas você precisa estar disposto a enfrentar a rejeição. Disseram – me que o mundo online oferece oportunidades, mas você sabe muito mais sobre isso do que eu.

Giorgio Morandi, “Still life” (1960) (via Museo Morandi)

Tem a natureza do trabalho mudou? Eu acho que a responsabilidade do crítico continua a ser fiel à sua experiência e tentar trazer o leitor junto com isso. Há uma obrigação de pensar no seu caminho para o trabalho e de se informar o mais ampla e profundamente possível sobre o contexto em que o trabalho foi feito. Idealmente, a crítica ilumina a obra de arte. Um dos “credos do crítico” mais interessantes foi escrito pelo falecido e lendário Lane Faison, professor de história da arte no Williams College, que foi responsável por transformar o que agora é um número surpreendente de diretores e curadores atuais do Museu Americano em arte em primeiro lugar. Eles vieram para Williams como atletas pré-med E partiram como historiadores de arte apaixonados. Ele sucedeu Clem Greenberg como crítico de arte da nação, no início dos anos 1950:

“primeiro, para falar favoravelmente de qualquer novo trabalho promissor que eu possa revisar dentro dos limites de uma coluna mensal. Em segundo lugar, não falar desfavoravelmente do que eu não gosto, a menos que o artista tenha uma reputação estabelecida. Terceiro, não hesite em atacar uma reputação inflada. Quarto, para equilibrar as reivindicações do passado e do presente. Quinto, escrever para consumidores informados, não produtores, de arte — na teoria de que a crítica tem poucas razões para esperar influenciar um artista — que, se ele é bom, sabe do que se trata — e muita razão para esperar desenvolver um público simpático para a qualidade na arte, onde quer que ela apareça.”

HV: esse é um argumento interessante sobre não criticar artistas que ainda não “chegaram”, mas honestamente não entendo essa lógica. Jovens artistas precisam de críticas objetivas ao seu trabalho, não é? Não deveríamos dar atenção à sugestão de Oscar Wilde de que a única coisa pior sobre a qual se fala mal não está sendo falada?

vista da “Cor” Campo de exposição comissariada por Wilkin durante sua exibição SAAM do ano passado.

KW: acho que Faison está dizendo que não adianta atacar algo negativamente se o artista não for formado e novo. Dê a quem quer que seja hora de amadurecer e aprender vendo o trabalho em público. Basta deixá-lo em paz e salvar sua brilhante invectiva para um alvo sério. Ele escreveu isso, é claro, muito antes de não ser incomum para as pessoas que acabaram de sair da escola de arte ou ainda não saíram da escola de arte que fizeram seis obras para serem exibidas. Jovens artistas precisam de críticas rigorosas, mas acho que é mais útil no estúdio do que quando o trabalho está lá fora. (Existe uma crítica objetiva?)

HV: Você está absolutamente certo sobre a existência de tal coisa como objetivo a crítica, mas sei que muitos artistas não sabem onde buscar outra opinião sobre o seu trabalho de alguém que não é seu professor, amigo ou membro da família, mas, ao mesmo tempo, informados sobre a arte e a articular sobre o que eles gostam ou não gostam. E por que você acha que há uma mania de artistas super jovens? O que aconteceu com a ideia de que os artistas deveriam amadurecer?

KW: uma resposta de amigos, colegas, etc. tudo bem, desde que o artista confie nos olhos da pessoa que está respondendo. E às vezes as pessoas ficam em contato com ex-professores. Os membros da família provavelmente carregam muita bagagem. Normalmente, apenas olhar para o trabalho na presença de outra pessoa aguça as percepções do criador de alguma forma. Em última análise, os artistas precisam aprender a assumir a responsabilidade por suas próprias decisões. O pior é ser facilmente satisfeito, mas, ao mesmo tempo, é necessária uma certa teimosia nascida da confiança. É difícil e não há respostas simples ou receitas simples. O que funciona para algumas pessoas é desastroso para outras, mas ninguém (exceto artistas externos) faz arte no vácuo. As pessoas constroem seus próprios sistemas de suporte. Recebo respostas dos artistas sobre os quais escrevo ou dos curadores cujos programas reviso que considero úteis e encorajadores, e passo muito tempo conversando com artistas e olhando para o trabalho deles com eles, ou conversando com colegas curadores.

Stuart Davis, “Impressão de New York world’s Fair” (mural de estudo, Comunicações, Construção, Feira Mundial, em Flushing, Nova York), (1938) (via SAAM do Flickrstream)

O que aconteceu com a ideia de que os artistas devem amadurecer? Eu suspeito que a mania de artistas jovens, muitas vezes não formados, tem algo a ver com o velho medo de perder alguma coisa, rejeitando algo mais tarde reconhecido como tendo mérito ou terror de parecer reacionário, anti-hip, etc. – as histórias habituais sobre como os impressionistas eram vistos como ineptos, etc. Mas provavelmente tem mais a ver com a mania da cultura juvenil em geral, o desejo de eliminar os sinais de envelhecimento e todo o resto. Pode ter algo a ver com a curta atenção e o desejo de Velocidade, em todos os aspectos da vida, em pessoas que cresceram com os ritmos e o ritmo da MTV, notícias de TV e agora twittando. A arte tornou — se uma mercadoria bastante dispensável em alguns círculos-confira a próxima coisa nova e depois siga em frente. Não há necessidade de permanecer poder ou evolução, apenas a solução rápida, rapidamente apreendida (para misturar metáforas). Muito do trabalho de artistas muito jovens parece feito com o mínimo esforço, como um forro rápido, em vez de como parte de um crescente corpo de trabalho. Mas parte da explicação deve ser que grande parte do público da arte contemporânea é jovem e gosta de ver trabalhos que falam de seu próprio conjunto de suposições e de seu próprio contexto. Mas eu me pergunto se a vontade — ou a ânsia — dos negociantes de mostrar trabalho semi-cozido pode não mudar, dada a forma como o mundo da arte está mudando em resposta ao clima econômico, dando prioridade aos artistas com algo de um histórico. Isso é especulação, claro.