Centrul de artă: o conversație cu criticul și curatorul Karen Wilkin

Karen Wilkin (fotografie de Donald Clinton)

am întâlnit-o pentru prima dată pe Karen Wilkin la începutul anilor 1990, când îmi terminam diploma de licență în istoria artei la Universitatea din Toronto. Îmi amintesc că am fost surprins de gândul unui critic și istoric de artă din New York care venea de la New York în fiecare săptămână pentru a preda arta modernă. Maniera ei distinsă, spiritul independent și claritatea cu care vorbea despre modernism m-au făcut un fan instant. M-a învățat istoria criticii de artă și a aprins un foc în mine care continuă să ardă.

originar din New York, Wilkin este un curator și critic independent specializat în modernismul secolului 20. Este autoarea a nenumărate monografii, inclusiv volume despre Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland și David Smith.

unele dintre numeroasele cărți scrise de Karen Wilkin

predă la Programul de Master of Fine Arts al New York Studio School. Ea este editorul care contribuie pentru artă la Hudson Review și un contribuitor regulat la noul criteriu, arta în America, și Wall Street Journal. Ea este, de asemenea, un membru al Consiliului de Administrație al Triangle Arts Association, care are sediul în DUMBO, Brooklyn.

conversația noastră a apărut dintr-un schimb informal care m-a făcut să mă întreb de ce nu am intervievat-o niciodată înainte despre perspectiva ei asupra lumii artei.

* * *

Hrag Vartanian: unul dintre motivele pentru care am vrut să vorbesc cu tine a fost că acum ceva timp ai menționat cât de marginalizat te-ai simțit în lumea artei și apoi m-am gândit: „nu se simte cea mai mare parte a lumii artei marginalizată de lumea artei?”Poți explica ce ai vrut să spui?

Karen Wilkin: Unul dintre lucrurile pe care eu și colegii mei care predau la școala Studio le spunem adesea elevilor noștri este că există artă și există lumea artei și nu se suprapun neapărat. Fraza ta despre cea mai mare parte a sentimentului lumii artei marginalizate de lumea artei pare corectă, deși tind să mă gândesc la „lumea artei” ca la partea publică, bazată pe publicitate, șic. (Vezi Derrida și instabilitatea sensului!)

o vedere a unora dintre lucrările incluse într-un spectacol recent Jack Bush Wilkin curatoriat la New York Studio School.

ceea ce vreau să spun este că artiștii de care sunt interesat, a căror muncă o urmăresc îndeaproape și cu care sunt adesea suficient de norocos să am relații de studio sunt puțin probabil să apară pe coperta Flash Art în curând sau să-și reprezinte țările la Bienala de la Veneția. Faptul că am fost în juriul pentru pavilionul SUA din 2009 încă mi se pare unul dintre cele mai improbabile lucruri pe care le-am făcut vreodată. Nu merg la târguri de artă și merg la deschideri doar dacă am o legătură puternică cu artistul sau este un spectacol pe care l-am organizat. Presupun că funcționez la fel de mult ca un istoric de artă, care este pregătirea mea, ca critic contemporan — am prieteni apropiați printre artiști și, de asemenea, printre curatorii muzeelor de diferite discipline. Expertiza mea curatorială este modernismul secolului 20. Dacă mă simt marginalizat de scena contemporană asta nu înseamnă că aș vrea să fiu în centrul ei. Nici pe departe. Contactele mele sporadice cu Centrul elegant și elegant – chiar înainte ca partea de jos să renunțe la lucruri — nu m-au făcut să doresc să rămân acolo permanent. Sunt, probabil, prea bătrân și prea stabilit în căile mele. Criticii se blochează adesea cu generația lor. Probabil că lipsesc punctul și majoritatea aluziilor culturii de masă cu o mulțime de lucrări recente, deși tind să cred că dacă lucrarea este suficient de bună, adică, cu toate acestea arcane va veni prin.

HV: acesta este un punct fascinant despre rezistența la „Centrul” presupusei lumi a artei. Dar atunci mă întreb, este totul o fabricație media? Întâmplător, unde primiți știrile despre artă și pe cine citiți?

KW: întrebare interesantă. Nu este totul o fabricare media, dar există cu siguranță un aspect al stilului sau, mai precis, eleganța, implicat în ceea ce atrage atenția, uneori în detrimentul altor calități — pentru a simplifica prea mult. Entuziasmul pentru arta contemporană, mai ales dacă poate fi descris ca „provocator”, „provocator” sau „de ultimă oră” — toate lucrurile bune, atunci când sunt reale — și/sau dacă vine de undeva exotic, conferă statut. Colectarea de artă care poate fi descrisă în acest fel conferă și mai mult statut, modul în care colectarea vechilor maeștri a conferit statut milionarilor nou-născuți la sfârșitul secolului al 19-lea. Și clișeul despre profesioniștii și iubitorii de artă actuali care se tem să pară reacționari sau să se teamă să rateze ceva, dacă nu îmbrățișează cel mai nou, cel mai aparent scandalos lucru, nu este, ca majoritatea clișeelor, neadevărat. Cât de mult din acest lucru va rămâne adevărat având în vedere schimbarea economiei, nu am nici o idee.

Wilkin (centru), ca parte a unui triunghi Arts Workshop panel discuție toamna trecută în DUMBO, Brooklyn, NY.

ce citesc? Nu mă abonez la nicio revistă de artă, ceea ce evită ca viața mea să fie invadată în fiecare lună de lucruri care mă înfurie sau mă deprimă. Primesc publicații pentru care scriu, desigur, iar școala Studio, unde predau în programul de masterat, se abonează la tot, pentru bibliotecă, astfel încât să pot răsfoi, după cum este necesar. Dacă există ceva ce nu ar trebui să ratez, de obicei aud despre asta — uneori de la subiect sau autor — așa că fac un punct de a-l găsi. Am citit în mod regulat acoperirea artelor în Times, The Observer (care a devenit mult mai puțin interesant în ultima vreme) și Brooklyn Rail, în mod regulat, cu diferite grade de entuziasm. Peter Schjeldahl mă surprinde adesea, Arthur Danto mă interesează întotdeauna, chiar și atunci când avem preluări foarte diferite. Sunt un mare fan al lui Michael Fried. Prietenii media savvy, după cum știți, îmi trimit link-uri către lucruri specifice despre care simt că ar trebui să știu. Primesc o mulțime de anunțuri prin e-mail de la artiști, galerii și muzee. Colegii-curatori și critici-și prietenii artiști vor recomanda spectacole speciale ale unor persoane despre care poate nu știu altfel. Vizitez un număr destul de mare de studiouri și încerc să ajung la toate expozițiile care includ persoane care mă interesează sau cu care am legături sau care mi-au fost recomandate. Nu este foarte sistematic.

HV: ce sfaturi le dai în general tinerilor critici de artă care vor să scrie despre artă și par confuzi cu privire la modul de a-și urmări pasiunea? De asemenea, în opinia dumneavoastră, natura muncii criticii de artă s-a schimbat mult de-a lungul anilor?

KW: vai! Cel mai bun sfat este probabil „păstrați-vă slujba de zi.”Aceasta nu este o profesie bine recompensată. Cele mai bune avantaje sunt lucruri precum accesul la expoziții fără mulțimi. Câteva publicații plătesc decent, dar majoritatea nu. Lucrul crucial este să continuați să căutați, să citiți critici care văd și scriu bine — și să absorbiți Strunk și White elementele stilului — și să continuați să scrieți. Fii dispus să greșești în public. Nu există răspunsuri corecte demonstrabile. Rezista moda. Aflați cât mai multă istorie a artei. Citiți cât de mult puteți, pentru a înțelege contextul la care vă uitați — nu totul a fost făcut săptămâna trecută. Știți că cred că cea mai bună critică este informată de experiența studioului. Vă ajută să cunoașteți piulițele și șuruburile a ceea ce priviți și să știți despre ce gândesc și vorbesc artiștii este de neprețuit — sau cel puțin, obișnuiam să cred acest lucru, înainte ca declarațiile artiștilor pretențioși și explicațiile artiștilor proscriptivi să înceapă în mod obișnuit să însoțească operele de artă. Multe publicații consacrate primesc recenzii scurte de către voci noi, dar trebuie să fii dispus să te confrunți cu respingerea. Mi s-a spus că lumea online oferă oportunități, dar știi mult mai multe despre asta decât mine.

Giorgio Morandi, ” natură moartă „(1960) (via Museo Morandi)

s-a schimbat natura locului de muncă? Cred că responsabilitatea criticului rămâne să fie fidelă experienței sale și să încerce să aducă cititorul împreună cu asta. Există o obligație de a vă gândi drumul în lucrare și de a vă informa cât mai larg și profund despre contextul în care a fost făcută lucrarea. În mod ideal, critica luminează opera de artă. Unul dintre cele mai interesante „crezuri ale criticului” a fost scris de regretatul, legendarul Lane Faison, profesorul de istorie a artei de la Colegiul Williams, care a fost responsabil pentru transformarea a ceea ce este acum un număr uimitor de directori și curatori ai muzeelor americane actuale în artă, în primul rând. Veneau la Williams ca sportivi pre-med și plecau ca istorici de artă pasionați. El i-a succedat lui Clem Greenberg ca critic de Artă al națiunii, la începutul anilor 1950:

„în primul rând, să vorbesc favorabil despre orice lucrare nouă promițătoare pe care o pot revizui în limitele unei coloane lunare. În al doilea rând, să nu vorbesc nefavorabil despre ceea ce nu-mi place decât dacă artistul are o reputație stabilită. În al treilea rând, să nu ezitați să atacați o reputație umflată. În al patrulea rând, pentru a echilibra pretențiile trecutului și prezentului. În al cincilea rând, să scrie pentru consumatori informați, nu producători, de artă — pe teoria că critica are puține motive să se aștepte să influențeze un artist — care, dacă este bun, știe despre ce este vorba — și multe motive pentru a spera să dezvolte un public simpatic pentru calitatea în artă, oriunde ar apărea.”

HV: acesta este un argument interesant despre a nu critica artiștii care nu au „sosit” încă, dar sincer nu înțeleg această logică. Tinerii artiști au nevoie de critici obiective asupra muncii lor, nu-i așa? Nu ar trebui să ținem cont de sugestia lui Oscar Wilde că singurul lucru mai rău despre care se vorbește rău este să nu se vorbească deloc?

o vedere a expoziției „Color as Field” organizată de Wilkin în timpul prezentării sale la saam anul trecut.

KW: cred că Faison spune că nu are rost să atacăm ceva negativ dacă artistul este neformat și nou. Dă-i oricui este timpul să se maturizeze și să învețe din a vedea munca în public. Doar lăsați-l în pace și de a salva invective genial pentru o țintă serioasă. El a scris acest lucru, desigur, cu mult înainte de a nu fi neobișnuit pentru oamenii care tocmai au ieșit din școala de artă sau nu au ieșit încă din școala de artă care făcuseră șase lucrări pentru a fi prezentate. Tinerii artiști au nevoie de critici riguroase, dar cred că este mai util în studio decât atunci când lucrarea este acolo. (Există un astfel de lucru ca critica obiectivă?)

pe: Ai absolută dreptate că nu există critici obiective, dar știu că mulți artiști nu știu unde să apeleze pentru o altă opinie despre munca lor de la cineva care nu este profesorul, prietenul sau membrul familiei lor, dar în același timp informat despre artă și articulează despre ceea ce le place sau nu le place. Și de ce crezi că există o nebunie pentru artiștii super tineri? Ce s-a întâmplat cu ideea că artiștii ar trebui să se maturizeze?

KW: un răspuns de la prieteni, colegi etc. este bine, atâta timp cât artistul are încredere în ochiul persoanei care răspunde. Și uneori oamenii rămân în contact cu foștii profesori. Membrii familiei poartă probabil prea multe bagaje. De obicei, doar uita la locul de muncă în prezența altcuiva ascute perceptiile maker cumva. În cele din urmă, artiștii trebuie să învețe să-și asume responsabilitatea pentru propriile decizii. Cel mai rău lucru este să fii prea ușor mulțumit, dar, în același timp, este necesară o anumită încăpățânare născută din încredere. Este dificil și nu există răspunsuri simple sau rețete simple. Ceea ce funcționează pentru unii oameni este dezastruos pentru alții, dar nimeni (cu excepția artiștilor străini) nu face arta în vid. Oamenii își construiesc propriile sisteme de sprijin. Primesc răspunsuri de la artiștii despre care scriu sau de la curatorii ale căror spectacole le revizuiesc pe care le găsesc utile și încurajatoare și petrec mult timp vorbind cu artiștii și uitându-mă la munca lor cu ei sau vorbind cu colegii curatori.

Stuart Davis, „impresia Târgului Mondial din New York” (studiu mural, clădirea Comunicațiilor, Târgul Mondial, Flushing, New York), (1938) (prin FLICKRSTREAM-ul SAAM)

ce s-a întâmplat cu ideea că artiștii ar trebui să se maturizeze? Bănuiesc că nebunia pentru artiștii tineri, adesea neformați, are ceva de-a face cu vechea frică de a pierde ceva, de a respinge ceva recunoscut ulterior ca având merit sau teroare de a apărea reacționar, ne-șold etc. – poveștile obișnuite despre modul în care impresioniștii au fost văzuți ca inepți etc. Dar probabil are mai mult de-a face cu nebunia pentru cultura tineretului în general, dorința de a elimina semnele îmbătrânirii și toate celelalte. Poate avea ceva de-a face cu atenția scurtă și dorința de viteză, în toate aspectele vieții, la oamenii care au crescut cu ritmurile și ritmul MTV, știri TV și acum tweeting. Arta a devenit o marfă destul de consumabilă în unele cercuri — verificați următorul lucru nou și apoi continuați. Nu este nevoie să rămâi putere sau evoluție, doar soluția rapidă, reținută rapid (pentru a amesteca metafore). O mare parte din munca artiștilor foarte tineri pare făcută cu un efort minim, ca o linie rapidă, mai degrabă decât ca parte a unui corp de muncă în creștere. Dar o parte din explicație trebuie să fie că o mare parte din publicul pentru arta contemporană este tânăr și îi place să vadă o lucrare care vorbește din propriul set de presupuneri și din propriul context. Dar mă întreb dacă dorința — sau dorința — dealerilor de a arăta lucrări pe jumătate coapte s-ar putea să nu se schimbe, având în vedere modul în care lumea artei se schimbă ca răspuns la climatul economic, acordând prioritate artiștilor cu un palmares. Asta e speculație, desigur.