Centrum Sztuki: rozmowa z Krytyczką i kuratorką Karen Wilkin

Karen Wilkin (fot. Donald Clinton)

po raz pierwszy spotkałem Karen Wilkin na początku lat 90., kiedy kończyłem studia licencjackie z historii sztuki na Uniwersytecie w Toronto. Pamiętam, że zaskoczyła mnie myśl nowojorskiego krytyka i historyka sztuki, który co tydzień przylatuje z Nowego Jorku, aby uczyć sztuki współczesnej. Jej wybitny maniera, niezależny duch i klarowność, z jaką mówiła o modernizmie, uczyniły mnie od razu fanką. Nauczyła mnie historii krytyki artystycznej i rozpaliła we mnie ogień, który wciąż płonie.

pochodzący z Nowego Jorku Wilkin jest niezależnym kuratorem i krytykiem specjalizującym się w XX-wiecznym modernizmie. Jest autorką niezliczonych monografii, w tym tomów poświęconych Anthony ’ emu Caro, Stuartowi Davisowi, Helen Frankenthaler, Edwardowi Goreyowi, Hansowi Hofmannowi, Kennethowi Nolandowi i Davidowi Smithowi.

niektóre z wielu książek autorstwa Karen Wilkin

wykłada w programie Master of Fine Arts w New York Studio School. Jest redaktorką art w Hudson Review i stałym współpracownikiem New Criterion, Art in America i The Wall Street Journal. Jest również członkiem zarządu Triangle Arts Association z siedzibą w DUMBO na Brooklynie.

nasza rozmowa wyłoniła się z nieformalnej wymiany, która skłoniła mnie do zastanowienia się, dlaczego nigdy wcześniej nie rozmawiałem z nią o jej spojrzeniu na świat sztuki.

* * *

Hrag Vartanian: jednym z powodów, dla których chciałem z tobą porozmawiać, było to, że jakiś czas temu wspomniałeś, jak bardzo jesteś zepchnięty na margines w świecie sztuki, a potem pomyślałem sobie: „czy większość świata sztuki nie czuje się zepchnięta na margines przez świat sztuki?”Czy możesz wyjaśnić, co miałeś na myśli?

Karen Wilkin: Jedną z rzeczy, które ja i moi koledzy, którzy uczą w szkole Studio, często mówimy naszym uczniom, jest to, że jest sztuka i jest świat sztuki, i niekoniecznie pokrywają się ze sobą. Twoje zdanie o tym, że większość świata sztuki czuje się zepchnięta na margines przez świat sztuki wydaje się trafne, chociaż mam tendencję do myślenia o „świecie sztuki” jako o publicznej, szykownej stronie, napędzanej reklamą. (Patrz Derrida i niestabilność znaczenia!)

a view of some works included in a recent Jack Bush show Wilkin curated at the New York Studio School.

chodzi mi o to, że artyści, którymi się interesuję, których prace śledzę z bliska i z którymi często mam szczęście nawiązywać związki studyjne, raczej nie znajdą się w najbliższym czasie na okładce Flash Art lub będą reprezentować swoje kraje na Biennale w Wenecji. To, że byłem w jury pawilonu USA w 2009 roku nadal wydaje mi się jedną z najbardziej nieprawdopodobnych rzeczy, jakie kiedykolwiek zrobiłem. Nie chodzę na targi sztuki, a na wernisaże chodzę tylko wtedy, gdy mam silny związek z artystą lub jest to wystawa, którą zorganizowałem. Przypuszczam, że funkcjonuję tak samo jak historyk sztuki, z którego się uczę, jako krytyk współczesny — mam bliskich przyjaciół wśród artystów, a także wśród kuratorów muzealnych różnych dyscyplin. Moim kuratorskim doświadczeniem jest Modernizm XX wieku. Jeśli czuję się zepchnięta na margines przez współczesną scenę, to nie znaczy, że chciałbym być w jej centrum. Daleko mi do tego. Moje sporadyczne kontakty z modnym, eleganckim centrum – nawet zanim dno odpadło z rzeczy — nie sprawiły, że chciałem tam zostać na stałe. Pewnie jestem za stary i zbyt nastawiony. Krytycy często tkwią w swoim pokoleniu. Chyba brakuje mi punktu i większości aluzji do kultury masowej z dużą ilością ostatnich prac, chociaż mam tendencję do myślenia, że jeśli praca jest wystarczająco dobra, to znaczy, jakkolwiek arcane przejdzie.

HV: to fascynujący punkt oporu przed „centrum” rzekomego świata sztuki. Ale zastanawiam się, czy to wszystko jest medialną fabrykacją? Przypadkowo, gdzie otrzymujesz wiadomości o sztuce i kogo czytasz?

KW: ciekawe pytanie. Nie jest to tylko medialna wymysł, ale z pewnością jest aspekt stylu, a dokładniej, stylowości, zaangażowany w to, co przyciąga uwagę, czasami kosztem innych cech — aby uprościć. Entuzjazm dla sztuki współczesnej, zwłaszcza jeśli można ją określić jako „wymagającą”, „prowokującą” lub „nowatorską” — wszystko, co dobre, gdy jest prawdziwe — i/lub jeśli pochodzi z czegoś egzotycznego, nadaje jej status. Zbieranie sztuki, które można tak opisać, nadaje jeszcze większy status, tak jak zbieranie starych mistrzów nadawało status nowo wybitym milionerom pod koniec XIX wieku. A banał o tym, że specjaliści sztuki i miłośnicy sztuki boją się, że pojawią się reakcyjni lub boją się czegoś przegapić, jeśli nie przyjmą najnowszego, najwidoczniej oburzającego, nie jest, jak większość banałów, nieprawdą. Jak wiele z tego pozostanie prawdą, biorąc pod uwagę zmiany w gospodarce, nie mam pojęcia.

Wilkin (center) jako część dyskusji panelowej Triangle Arts Workshop ostatniej jesieni w DUMBO, Brooklyn, NY.

co czytam? Nie prenumeruję żadnych magazynów o sztuce, co pozwala uniknąć najeżdżania mojego życia co miesiąc przez rzeczy, które mnie rozwścieczają lub przygnębiają. Otrzymuję publikacje, które piszę, oczywiście, A Szkoła Studio, gdzie uczę w programie Masters, zapisuje się na wszystko, do biblioteki, więc mogę przeglądać, w razie potrzeby. Jeśli jest coś, czego nie powinienem przegapić, Zwykle słyszę o tym-czasami od tematu lub autora – więc staram się to znaleźć. Regularnie czytam Reportaże o sztuce w „The Times”, „The Observer” (który ostatnio stał się o wiele mniej interesujący) i „Brooklyn Rail”, regularnie, z różnym entuzjazmem. Peter Schjeldahl często mnie zaskakuje, Arthur Danto zawsze mnie interesuje, nawet jeśli mamy bardzo różne ujęcia. Jestem wielkim fanem Michaela Frieda. Znajomi z mediów, jak wiecie, wysyłają mi linki do konkretnych rzeczy, o których powinni wiedzieć. Otrzymuję wiele wiadomości e-mail od artystów, galerii i muzeów. Koledzy-kuratorzy i krytycy-oraz przyjaciele artystów polecą poszczególne pokazy osób, o których być może nie wiem. Odwiedzam sporą liczbę pracowni i staram się dotrzeć do wszystkich wystaw, które obejmują osoby, które mnie interesują, z którymi mam kontakty lub które zostały mi polecone. To niezbyt systematyczne.

HV: Co Pan generalnie radzi młodym krytykom sztuki, którzy chcą pisać o sztuce i wydają się zdezorientowani, jak realizować swoją pasję? Czy Pana zdaniem charakter pracy krytyka sztuki znacznie się zmienił na przestrzeni lat?

KW: Ojej! Najlepszą radą jest prawdopodobnie ” zachowaj swoją codzienną pracę.”To nie jest dobrze wynagradzany zawód. Najlepsze są rzeczy takie jak dostęp do wystaw bez tłumów. Kilka publikacji płaci przyzwoicie, ale większość nie. Najważniejsze jest, aby patrzeć, czytać krytyków, którzy widzą i dobrze piszą-i absorbować Strunk i White elementy stylu-i pisać dalej. Bądź gotów się mylić publicznie. Nie ma wiarygodnych odpowiedzi. Oprzyj się modzie. Naucz się jak najwięcej historii sztuki. Czytaj tak szeroko, jak możesz, aby zrozumieć kontekst tego — na co patrzysz-nie wszystko zostało zrobione w zeszłym tygodniu. Wiesz, że uważam, że najlepsza krytyka wynika z doświadczenia studyjnego. Pomaga poznać nakrętki i śruby tego, na co patrzysz, a wiedza o tym, o czym artyści myślą i mówią, jest nieoceniona — a przynajmniej kiedyś w to wierzyłem, zanim pretensjonalne wypowiedzi artystów i proskrypcyjne eksplikacje artystów zaczęły rutynowo towarzyszyć dziełom sztuki. Wiele uznanych publikacji przyjmuje krótkie recenzje przez nowe głosy, ale musisz być gotów stawić czoła odrzuceniu. Powiedziano mi, że świat online oferuje możliwości, ale wiesz o tym o wiele więcej niż ja.

Giorgio Morandi, „Martwa natura” (1960) (via Museo Morandi)

czy zmienił się charakter pracy? Myślę, że obowiązkiem krytyka pozostaje wierność swojemu doświadczeniu i próba dostosowania czytelnika do tego. Istnieje obowiązek przemyślenia swojej drogi do pracy i jak najszerszego i najgłębszego poinformowania siebie o kontekście, w którym praca została wykonana. Idealnie, krytyka oświetla dzieło sztuki. Jeden z najciekawszych „Critic’ s credos”napisał legendarny Lane Faison, profesor historii sztuki w Williams College, który był odpowiedzialny za przekształcenie tego, co jest obecnie zdumiewającą liczbą dzisiejszych amerykańskich dyrektorów i kuratorów muzeów w sztukę. Przyjeżdżali do Williamsa jako przedmedyczni sportowcy, a odchodzili jako pasjonaci sztuki. Na początku lat 50. zastąpił Clem Greenberg jako krytyk sztuki narodu:

” po pierwsze, aby mówić przychylnie o każdej obiecującej nowej pracy, którą jestem w stanie przejrzeć w ramach miesięcznej kolumny. Po drugie, nie mówić nieprzychylnie o tym, czego nie lubię, chyba że artysta ma ugruntowaną reputację. Po trzecie, nie wahaj się atakować zawyżonej reputacji. Po czwarte, aby zrównoważyć roszczenia przeszłości i teraźniejszości. Po piąte, pisać dla świadomych konsumentów, a nie producentów sztuki — o teorii, że krytyka nie ma powodu, aby oczekiwać wpływu na artystę — który, jeśli jest dobry, wie, o co chodzi — i wiele powodów, aby mieć nadzieję na rozwój sympatycznej publiczności dla jakości w sztuce, gdziekolwiek się pojawi.”

HV: to ciekawy argument o nie krytyce artystów, którzy jeszcze „nie przybyli”, ale szczerze mówiąc nie rozumiem tej logiki. Młodzi artyści potrzebują obiektywnej krytyki swoich prac, prawda? Czy nie powinniśmy wziąć pod uwagę sugestii Oscara Wilde ’ a, że jedyną gorszą rzeczą, o której źle się mówi, Jest to, że nie mówi się o tym wcale?

widok wystawy „Color as Field” kuratorowanej przez Wilkina podczas wystawy w saam w zeszłym roku.

KW: myślę, że Faison mówi, że nie ma sensu atakować czegoś negatywnie, jeśli artysta jest niedoformowany i Nowy. Daj temu, kto to jest czas, aby dojrzeć i uczyć się od oglądania pracy w miejscach publicznych. Zostaw to w spokoju i zachowaj swoją genialną inwektywę dla poważnego celu. Napisał to, oczywiście, na długo przed tym, jak nie było niczym niezwykłym dla ludzi po prostu po szkole artystycznej lub jeszcze nie po szkole artystycznej, którzy zrobili sześć prac do pokazania. Młodzi artyści potrzebują ostrej krytyki, ale myślę, że jest to bardziej przydatne w studiu niż gdy praca jest na zewnątrz. (Czy istnieje coś takiego jak obiektywna krytyka?

HV: Masz absolutną rację, że nie ma czegoś takiego jak obiektywna krytyka, ale wiem, że wielu artystów nie wie, gdzie zwrócić się o kolejną opinię na temat swojej pracy od kogoś, kto nie jest ich profesorem, przyjacielem lub członkiem rodziny, ale jednocześnie poinformowany o sztuce i artykułuje to, co lubi lub nie. A jak myślisz, dlaczego jest szał dla super młodych artystów? Co się stało z myślą, że artyści powinni dojrzewać?

KW: odpowiedź znajomych, kolegów itp. jest w porządku, o ile artysta Ufa oku osoby odpowiadającej. I czasami ludzie pozostają w kontakcie z byłymi profesorami. Członkowie rodziny prawdopodobnie mają za dużo bagażu. Zwykle samo patrzenie na pracę w obecności kogoś innego wyostrza w jakiś sposób postrzeganie twórcy. Ostatecznie artyści muszą nauczyć się brać odpowiedzialność za własne decyzje. Najgorszą rzeczą jest bycie zbyt łatwo zadowolonym, ale jednocześnie wymagana jest pewna ilość uporu zrodzonego z zaufania. To trudne i nie ma prostych odpowiedzi ani prostych przepisów. To, co działa dla jednych, jest katastrofalne dla innych, ale nikt (poza artystami z zewnątrz) nie tworzy Sztuki w próżni. Ludzie budują własne systemy wsparcia. Dostaję odpowiedzi od artystów, o których piszę lub kuratorów, których wystawy recenzuję, które uważam za pomocne i zachęcające, i spędzam dużo czasu rozmawiając z artystami i patrząc na ich pracę z nimi lub rozmawiając z kolegami kuratorami.

Stuart Davis, „Impression of the New York World 's Fair” (mural study, Communications Building, World 's Fair, Flushing, Nowy Jork), (1938) (via Saam’ s Flickrstream)

co się stało z myślą, że artyści powinni dojrzewać? Podejrzewam, że szał młodych, często niedoformowanych artystów ma coś wspólnego ze starym strachem przed czymś, że czegoś brakuje, odrzuceniem czegoś później uznanego za zasługę lub terrorem pojawiania się reakcyjnego, nie-hip itp. – zwykłe opowieści o tym, jak impresjoniści byli postrzegani jako nieudolni itp. Ale prawdopodobnie ma to więcej wspólnego z szaleństwem kultury młodzieżowej w ogóle, pragnieniem wyeliminowania oznak starzenia się i całą resztą. Może to mieć coś wspólnego z krótkim skupieniem uwagi i pragnieniem prędkości, we wszystkich aspektach życia, u ludzi, którzy dorastali w rytmie i tempie MTV, wiadomości telewizyjnych, a teraz tweeting. Sztuka stała się w niektórych kręgach dość zbędnym towarem-sprawdź kolejną nową rzecz, a następnie przejdź dalej. Nie ma potrzeby zatrzymywania mocy ani ewolucji, wystarczy szybka naprawa, szybko uchwycona (mieszanie metafor). Wiele prac bardzo młodych artystów wydaje się wykonanych z minimalnym wysiłkiem, jako szybki, a nie jako część rosnącego zbioru prac. Ale częścią wyjaśnienia musi być to, że duża część odbiorców sztuki współczesnej jest młoda i lubi oglądać prace, które mówią z własnego zestawu założeń i własnego kontekstu. Ale zastanawiam się, czy chęć — lub zapał — dealerów do pokazywania niedokończonych prac nie może się zmienić, biorąc pod uwagę sposób, w jaki zmienia się świat sztuki w odpowiedzi na klimat ekonomiczny, dając pierwszeństwo artystom z czymś w rodzaju osiągnięć. To oczywiście spekulacje.