Kunstsenteret: En Samtale Med Kritiker Og Kurator Karen Wilkin

Karen Wilkin (bilde Av Donald Clinton)

Jeg møtte Karen Wilkin i begynnelsen av 1990-tallet da jeg fullførte min bachelorgrad i kunsthistorie ved University Of Toronto. Jeg husker at jeg ble overrasket av tanken På En new York-kritiker og kunsthistoriker som fløy inn fra New York hver uke for å undervise i moderne kunst. Hennes fremragende måte, uavhengig ånd og klarhet som hun snakket om modernismen gjorde meg en umiddelbar fan. Hun lærte meg kunstkritikkens historie og tente en brann i meg som fortsetter å brenne.

Wilkin er Innfødt I New York Og er en uavhengig kurator og kritiker som spesialiserer seg på modernismen fra det 20. århundre. Hun er forfatter av utallige monografier, inkludert bind Om Anthony Caro, Stuart Davis, Helen Frankenthaler, Edward Gorey, Hans Hofmann, Kenneth Noland og David Smith.

Noen av De mange bøkene forfattet Av Karen Wilkin

hun underviser På Master Of Fine Arts program Av New York Studio School. Hun er medvirkende redaktør for art At The Hudson Review og en vanlig bidragsyter Til The New Criterion, Art In America, Og Wall Street Journal. Hun er også styremedlem I Triangle Arts Association, som har hovedkontor I DUMBO, Brooklyn.

vår samtale kom ut av en uformell utveksling som fikk meg til å lure på hvorfor jeg aldri intervjuet henne før om hennes perspektiv på kunstverdenen.

* * *

Hrag Vartanian: En av grunnene til at jeg ønsket å snakke med deg var at du for en stund siden nevnte hvor marginalisert du følte deg i kunstverdenen, og da tenkte jeg for meg selv: «føler ikke det meste av kunstverdenen seg marginalisert av kunstverdenen?»Kan du forklare hva du mente?

Karen Wilkin: En av de tingene som jeg og mine kolleger som underviser på Studio Skolen ofte si til våre studenter er at det er kunst og det er kunstverdenen, og de ikke nødvendigvis overlapper. Din setning om det meste av kunstverdenens følelse marginalisert av kunstverdenen virker nøyaktig, selv om jeg pleier å tenke på «kunstverdenen» som den offentlige, publisitetsdrevne, elegante siden av den. (Se Derrida og ustabiliteten av mening!)

en visning av noen av verkene som er inkludert i Et Nylig Jack Bush-show Wilkin kuratert på New York Studio School.

det jeg mener er at kunstnerne jeg er interessert i, hvis arbeid jeg følger tett, og med hvem jeg ofte er heldig nok til å ha studio relasjoner er usannsynlig å være på forsiden Av Flash Art helst snart eller å representere sine land På Venezia-Biennalen. At jeg var på juryen FOR 2009 US pavilion, slår meg fortsatt som en av de mest usannsynlige tingene jeg noensinne har gjort. Jeg går ikke på kunstmesser, og jeg går bare til åpninger hvis jeg har en sterk forbindelse med kunstneren eller det er et show jeg har organisert. Jeg fungerer vel like mye som en kunsthistoriker, som er min trening, som en samtidskritiker — jeg har nære venner blant kunstnere og også blant museumskuratorer i ulike disipliner. Min kuratoriske kompetanse er 20th century modernism. Hvis jeg føler meg marginalisert av den moderne scenen, betyr det ikke at jeg skulle ønske jeg var midt i den. Langt fra det. Mine sporadiske kontakter med nymotens, elegant sentrum – selv før bunnen droppet ut av ting-har ikke gjort meg ønsker å bo der permanent. Jeg er nok bare for gammel og for satt i mine veier. Kritikere blir ofte sittende fast med sin generasjon. Jeg mangler nok poenget og de fleste massekultur-allusjoner med en god del nyere arbeid, selv om jeg pleier å tenke at hvis arbeidet er godt nok, betyr det imidlertid at arcane kommer gjennom.

HV: Det er et fascinerende poeng om å motstå «senteret» av den antatte kunstverdenen. Men så lurer jeg på, er det alt en mediefabrikasjon? Tilfeldigvis, hvor får du nyheter om kunst og hvem leser du?

KW: Interessant spørsmål. Det er ikke alt en mediefabrikasjon, men det er absolutt et aspekt av stil eller mer nøyaktig, stilighet, involvert i det som får oppmerksomhet, noen ganger på bekostning av andre kvaliteter — å oversimplify. Entusiasme for samtidskunst, spesielt hvis den kan beskrives som «utfordrende», «provoserende» eller «cutting edge» – alle gode ting, når de er ekte-og / eller hvis den kommer fra et eksotisk sted, gir status. Innsamling av kunst som kan beskrives på den måten gir enda mer status, måten å samle gamle mestere tildelt status på nyopptatte millionærer i slutten av det 19.århundre. Og klisjeen om nåværende kunstfagfolk og kunstelskere som er redd for å virke reaksjonære eller være redd for å gå glipp av noe, hvis de ikke omfavner den nyeste, mest tilsynelatende opprørende tingen, er, som de fleste klisjeer, ikke usanne. Hvor mye av dette vil forbli sant gitt endringen i økonomien, jeg aner ikke.

Wilkin (senter) som en del av En Triangle Arts Workshop paneldiskusjon i FJOR høst i DUMBO, Brooklyn, NY.

Hva leser jeg? Jeg abonnerer ikke på noen kunstmagasiner, som unngår å ha livet mitt invadert hver måned av ting som irriterer eller presser meg. Jeg mottar publikasjoner jeg skriver for, selvfølgelig, Og Studioskolen, hvor jeg underviser I Masterprogrammet, abonnerer på alt, for biblioteket, så jeg kan skumme etter behov. Hvis det er noe jeg ikke bør gå glipp av, hører jeg vanligvis om det-noen ganger fra emnet eller forfatteren – så jeg gjør et poeng med å finne det. Jeg leser regelmessig kunstdekningen I The Times, The Observer (som har blitt mye mindre interessant i det siste) og Brooklyn Rail, regelmessig, med varierende grad av entusiasme. Peter Schjeldahl overrasker meg ofte, Arthur Danto interesserer meg alltid, selv når vi har svært forskjellige tar. Jeg er en Stor Fan Av Michael Fried. Media kunnskapsrike venner, som du vet, send meg linker til bestemte ting som de føler jeg bør vite om. Jeg mottar mange e-postmeldinger fra kunstnere, gallerier og museer. Kolleger-kuratorer og kritikere – og kunstnervenner vil anbefale spesielle show av folk jeg kanskje ikke ellers vet om. Jeg besøker en god del studioer, og jeg prøver å få til alle utstillingene som inkluderer folk jeg er interessert i eller har forbindelser med, eller som har blitt anbefalt. Det er ikke veldig systematisk.

HV: Hvilke råd gir du generelt til unge kunstkritikere som vil skrive om kunst og synes forvirret om hvordan de skal forfølge sin lidenskap? Også, etter ditt syn har arten av jobben med kunstkritikk endret seg mye gjennom årene?

KW: Yikes! Det beste rådet er sannsynligvis » hold dagjobben din.»Dette er ikke et godt belønnet yrke. De beste fordelene er ting som tilgang til utstillinger uten folkemengder. Noen få publikasjoner betaler anstendig, men de fleste gjør det ikke. Det avgjørende er å fortsette å se, lese kritikere som ser og skriver godt-og absorbere Strunk Og Hvit Elementene I Stil-og fortsett å skrive. Vær villig til å ta feil i offentligheten. Det er ingen bevisbare riktige svar. Motstå mote. Lær så mye kunsthistorie som mulig. Les så mye som mulig, for å få en følelse av konteksten til det du ser på-ikke alt ble gjort i forrige uke. Du vet at jeg tror at den beste kritikken er informert av studio erfaring. Det hjelper å kjenne muttere og bolter av hva du ser på og å vite hva kunstnere tenker på og snakker om, er uvurderlig — eller i det minste pleide jeg å tro på dette, før pretensiøse kunstneres uttalelser og proscriptive kunstneres eksplikasjoner begynte rutinemessig å følge kunstverk. Mange etablerte publikasjoner velkommen korte anmeldelser av nye stemmer, men du må være villig til å møte avvisning. Jeg fortalte den elektroniske verden tilbyr muligheter, men du vet MYE mer om det enn jeg gjør.

Giorgio Morandi, » Stilleben «(1960) (Via Museo Morandi)

har arten av jobben endret seg? Jeg tror kritikerens ansvar forblir å være trofast mot sin erfaring og å prøve å bringe leseren sammen med det. Det er en forpliktelse til å tenke deg inn i arbeidet og å informere deg så vidt og dypt som mulig om konteksten der arbeidet ble gjort. Ideelt sett belyser kritikk kunstverket. En av de mest interessante «critic’ s credos» ble skrevet av Den avdøde, legendariske Lane Faison, professor i kunsthistorie Ved Williams College som var ansvarlig for å snu det som nå er et forbløffende antall Dagens amerikanske museumsdirektører og kuratorer på kunst i utgangspunktet. De ville komme Til Williams som pre-med jocks og forlate som lidenskapelige kunsthistorikere. Han etterfulgte Clem Greenberg som kunstkritiker av Nasjonen tidlig på 1950-tallet:

» For Det Første å snakke positivt om hva som helst lovende nytt arbeid jeg er i stand til å gjennomgå innenfor grensene av en månedlig spalte. For det andre, for ikke å snakke ufordelaktig om hva jeg ikke liker med mindre kunstneren har et etablert rykte. For det tredje, ikke å nøle med å angripe et oppblåst rykte. For det fjerde, for å balansere krav fra fortid og nåtid. For det femte, å skrive for informerte forbrukere, ikke produsenter, av kunst-på teorien om at kritikk har liten grunn til å forvente å påvirke en kunstner — som, hvis han er noe god, vet hva han handler om — og mye grunn til å håpe å utvikle et sympatisk publikum for kvalitet i kunsten, uansett hvor den kan vises.»

HV: det er et interessant argument om ikke å kritisere kunstnere som ikke har» kommet » ennå, men jeg forstår ærlig ikke den logikken. Unge kunstnere trenger objektiv kritikk av sitt arbeid, ikke sant? Skal Vi ikke følge Oscar Wildes forslag om at det eneste verre som blir snakket om dårlig, ikke blir snakket om i det hele tatt?

en visning av «Color as Field» utstillingen kuratert Av Wilkin under sin visning PÅ SAAM i fjor.

KW: Jeg tror Faison sier At Det ikke er noe poeng i å angripe noe negativt hvis kunstneren er uformet og ny. Gi den som det er på tide å modne og lære av å se arbeidet ut i offentligheten. Bare la det være alene og lagre strålende skjellsord for en alvorlig mål. Han skrev dette, selvfølgelig, lenge før det ikke var uvanlig for folk bare ut av kunstskolen eller ennå ikke ut av kunstskolen som hadde gjort seks verk for å vise. Unge kunstnere trenger streng kritikk, men jeg tror det er mer nyttig i studioet enn når arbeidet er der ute. Finnes det noe slikt som objektiv kritikk?)

HV: Du har helt rett i at det ikke finnes objektiv kritikk, men jeg vet at mange kunstnere ikke vet hvor de skal henvende seg for en annen mening om sitt arbeid fra noen som ikke er deres professor, venn eller familiemedlem, men samtidig informert om kunst og artikulere om hva de liker eller misliker. Og hvorfor tror du det er en mani for super unge kunstnere? Hva har skjedd med ideen om at kunstnere skal modne?

KW: et svar fra venner, kolleger, etc. er bare bra, så lenge kunstneren stoler på øyet til personen som svarer. Og noen ganger holder folk kontakt med tidligere professorer. Familiemedlemmer bærer sannsynligvis for mye bagasje. Vanligvis bare ser på jobb i nærvær av noen andre skjerper maker oppfatninger liksom. Til syvende og sist må kunstnere lære å ta ansvar for sine egne beslutninger. Det verste er å være for lett fornøyd, men på samme tid, en viss stahet født av tillit er nødvendig. Det er vanskelig og det er ingen enkle svar eller enkle oppskrifter. Det som fungerer for noen mennesker er katastrofalt for andre, men ingen (unntatt outsider artister) lager kunst i et vakuum. Folk bygger sine egne støttesystemer. Jeg får svar fra kunstnerne jeg skriver om, eller kuratorene som jeg gjennomgår som jeg finner nyttige og oppmuntrende, og jeg bruker mye tid på å snakke med kunstnere og se på deres arbeid med dem, eller snakke med kuratorkollegaer.

Stuart Davis, «Inntrykk Av New York World ‘S Fair» (mural study, Communications Building, World ‘S Fair, Flushing, New York), (1938) (VIA SAAM’ S Flickrstream))

Hva skjedde med ideen om at kunstnere skulle modnes? Jeg mistenker at mani for unge, ofte uformede kunstnere har noe å gjøre med den gamle frykten for å savne noe, avvise noe senere anerkjent som å ha fortjeneste eller terror for å virke reaksjonær, un-hip, etc. – de vanlige hoary historier om Hvordan Impresjonistene ble sett på som udugelig, etc. Men det har sannsynligvis mer å gjøre med mani for ungdomskultur generelt, ønsket om å eliminere tegn på aldring og resten av det. Det kan ha noe å gjøre med de korte oppmerksomhet spenn og ønske om fart, i alle aspekter av livet, i folk som vokste opp med rytmene OG tempoet I MTV, TV-nyheter, og nå tweeting. Kunst har blitt en ganske forbruksvare i noen kretser-sjekk ut den neste nye tingen og fortsett deretter. Det er ikke behov for utholdenhet eller evolusjon, bare quick fix, raskt grepet (for å blande metaforer). Mye av arbeidet til svært unge kunstnere synes gjort med minimal innsats, som en rask en liner, snarere enn som en del av en voksende kropp arbeid. Men en del av forklaringen må være at mye av publikum for samtidskunst er ung og liker å se arbeid som taler fra sitt eget sett av forutsetninger og sin egen kontekst. Men jeg lurer på om forhandlernes vilje — eller iver — til å vise halvferdig arbeid kanskje ikke endres, gitt måten kunstverdenen endrer seg som svar på det økonomiske klimaet, og prioriterer kunstnere med noe av en track record. Det er spekulasjoner, selvfølgelig.